공연예술의 일종. 발레의 특이성은 춤, 음악 및 안무 이미지를 통해 내용을 전달한다는 것입니다. 일반적으로 음악은 작곡가가 특정 발레를 위해 특별히 작곡한 것입니다. 문학 대본(가사).

이탈리아가 고향인 유럽 발레는 르네상스 시대에 모습을 갖추기 시작했습니다. 마침내 18세기에 형성되었습니다.

러시아에서는 18세기 30년대부터 발레 공연이 정규화되었습니다. 외국 안무가들의 경험을 습득하고 민속 무용 문화를 연구하면서 러시아 예술가들은 점차 독창적 인 공연 스타일, 독창적 인 무용 유파를 만들어 냈으며 마침내 19 세기 후반에 구체화되었습니다. 19세기 이 예술의 정점은 학술 발레 스타일(백조의 호수, 호두까기 인형, 잠자는 숲속의 미녀)을 창조한 러시아 안무가 M. Petipa와 L. Ivanov의 작품이었습니다.

뛰어난 정의

불완전한 정의 ↓

발레

후기 라틴어의 프랑스 발레. 발로댄스(ballo-dancing)는 일종의 뮤지컬이다. B.의 특이성은 댄스를 통해 음악 및 안무 이미지(안무)로 콘텐츠를 전달하는 것입니다. B. - 합성 예술: 그 내용은 춤과 함께 대본, 음악 및 연극적 표현 수단(디자인, 연출, 연기)에 의해 결정됩니다. 때로는 독립된 숫자와 추가 또는 단독 음악 반주로 보컬이 포함될 수 있습니다. 영화와의 상호 작용의 결과로 현재 영화 발레라는 새로운 장르가 탄생하고 있습니다. B.의 성격은 두 가지입니다. 한편으로는 음악과 해당 표현 기술에 끌리는 반면, 다른 한편으로는 연극 예술로 발전합니다. B.의 역사는 k.-l. 두 가지 원칙 중 하나가 당시 창작된 공연의 독창성과 장르(댄스 심포니에서 안무 드라마까지)를 결정하는 주요 원칙이 되었습니다. 일반적으로 음악은 문학적 대본을 기반으로 특정 음악을 위해 특별히 작곡가가 작곡하거나 덜 자주 완성된 작품에서 선택됩니다. 전통적인 유럽 방식으로. 벨로루시의 문화와 고전 및 민속 춤과 함께 무언극을 사용할 수 있습니다. 20세기에는 안무 이미지를 만들기 위한 소재로는 '프리 댄스', '현대' 댄스, 기타 유형의 댄스 또는 고전 무용과 결합된 요소도 있습니다. 유럽 이탈리아가 고향 인 B.는 르네상스 시대에 형성되기 시작했습니다. 나중에 영국, 오스트리아, 프랑스에 나타났습니다. 마침내 18세기에 형성되었습니다. 러시아에서는 30년대부터 발레 공연이 정규화됐다. XVIII 세기 외국 안무가의 경험을 습득하고 민속 안무 문화를 연구하며 러시아어. 댄스 마스터는 점차적으로 러시아어라는 독창적인 공연 스타일을 만들어냈습니다. 19세기 후반에 비로소 형태를 갖춘 국립무용학교. 19세기 발레극의 정점. 러시아의 창의성은 학술 발레 스타일('백조의 호수', '잠자는 숲속의 공주', '레이몬다', '호두까기 인형')을 창안한 안무가 M. I. Petipa와 L. I. Ivanov. 복잡한 교향곡 형태의 고전 무용이 등장했고 B.는 교향곡 작곡가 P. I. Tchaikovsky와 A. K. Glazunov의 음악을 만났습니다. 20세기 초. B. 러시아 국고에 들어갔다. 서양의 발레극장은 쇠퇴하고 오락적인 구경거리로 전락했습니다. 외국 여행 러시아어. B. 당시(S.P. Diaghilev의 파리 시즌)는 본질적으로 서구 시청자를 위한 이러한 유형의 예술의 재발견이었으며 B. 복수로 국가. 소련 B. 는 러시아인으로부터 최고의 것을 물려 받았습니다. B.는 그의 업적을 개발하고 새로운 이념적, 미적 원칙을 제안했습니다. 러시아어 기반 B.는 연합 공화국의 국립 발레단을 탄생시켰으며, 이들과 함께 다국적 소련 발레 예술을 형성했습니다.

백과사전의 자료

발레(라틴어 발로 - 나는 춤을 춘다)는 일종의 무대 예술로, 그 내용은 춤과 음악적 이미지로 드러난다. 음악, 안무, 회화, 공연예술이 조화롭게 결합되어 있습니다. 발레의 주요 표현수단은 무용과 무언극이다. 태생 다양한 유형무대무용(클래식, 특징적, 그로테스크)은 민속무용에 속한다. 안무공연은 드라마와 마찬가지로 비극, 코미디, 멜로드라마로 구분할 수 있다. 다막일 수도 있고 단막일 수도 있고, 플롯이 있을 수도 있고, 플롯이 없을 수도 있으며, 안무 미니어처일 수도 있고 콘서트 구성일 수도 있습니다.

16세기 유럽에 등장한 이후. 발레는 연극 예술의 뛰어난 인물들의 관심을 끊임없이 끌었습니다. 따라서 17세기 프랑스 코미디언. J. B. Moliere는 그의 연극에 발레 장면을 도입하여 코미디 발레라고 불렀습니다.

Molière의 코미디 발레와 J.B. Lully의 오페라 발레의 춤은 Pierre Beauchamp (1636 - ca. 1719)가 안무했습니다. 1661년에 그는 파리 왕립무용학원의 학장을 맡았다. 보샹은 고전무용의 테크닉의 기초가 되는 고전무용의 5가지 기본자세(다리의 시작자세)를 정립하였다.

초기 발레 공연에는 성악 공연, 문학 가사와 함께 춤과 마임이 포함되었습니다.

18세기에 발레의 발전 독립형예술은 여러 나라의 많은 안무가와 공연가들의 활동에 기여했습니다. 프랑스 발레리나 마리 살루(1707-1756)는 무용수의 무겁고 부피가 큰 옷을 움직임을 제한하지 않는 가벼운 드레스로 대체했습니다. 그녀와 동시대인 영국 무용가이자 안무가인 존 위버(1673-1760)는 처음으로 줄거리 기반 발레를 공연하기 시작했고 노래와 낭송을 포기했습니다. 오스트리아 안무가 프란츠 힐퍼딩(1710-1768)은 자신의 작품에 실제 그림을 도입했습니다. 민속 생활, 실제 인물은 발레를 통해 자신의 경험과 행동의 의미를 진실하게 드러냅니다. 프랑스 무용수인 Louis Dupre(1697-1774)와 Marie Camargo(1710-1770)는 춤 기술을 향상시켰습니다. Marie Camargo는 스커트를 줄이고 굽을 없앰으로써 더욱 자유로운 움직임을 구현했습니다.

프랑스 안무가 장 조르주 노베르(1727~1810)는 발레 발전에 큰 공헌을 했다. 그의 발레 "프시케와 큐피드", "헤라클레스의 죽음", "메데아와 제이슨", "타우리스의 이피게네이아" 등에서 그는 혁신적인 감독으로 활동했습니다. 그는 드라마틱한 전개 논리로 차별화된 퍼포먼스를 만들어냈다. 그의 작품의 기본은 표현력이 풍부한 무언극이었습니다. 그는 음악이 “각 댄서의 동작과 연주를 설정하고 미리 결정하는 일종의 프로그램을 나타내야 한다”고 믿으며 음악을 매우 중요하게 여겼습니다. 노베르는 감정의 자연스러움과 발레 속 인물의 진실성을 옹호하고, 배우들의 얼굴을 가리던 전통적인 가면을 버렸습니다. 그는 계몽주의 철학자들의 미학에 기초하여 "춤과 발레에 관한 편지"(1759)라는 책에서 감독으로서의 혁신적인 경험을 이론적으로 입증했습니다.

Nover의 학생과 추종자들은 현재 인기 있는 발레 "Vain Precaution"의 저자인 Jean Dauberval(1742-1806); 찰스 루이 디들로(1767-1837), 오랫동안러시아에서 일했으며 러시아 발레를 유럽 최초의 장소 중 하나로 홍보하는 데 기여했습니다.

19세기에 발레 극장은 창의적인 성장과 극적인 쇠퇴를 모두 경험했습니다. 1832 년 이탈리아 안무가 Filippo Taglioni (1777-1871)는 안무 예술에서 낭만주의 시대의 시작을 알린 발레 La Sylphide (J. Schneizhoffer의 음악)를 상연했습니다. 낭만적 인 공연의 줄거리는 아름다움에 대한 영원한 열망과 높은 영적 가치에서 사람이 어떻게 주변 현실과 갈등을 겪고 환상의 꿈의 세계에서만 이상을 찾고 행복을 찾을 수 있는지에 대해 이야기했습니다. 낭만주의 예술의 서정적 방향을 발전시킨 Taglioni는 발레의 극적인 구조에 캐릭터의 광범위한 댄스 대화를 삽입하여 그들의 감정과 관계가 드러났습니다. 그의 공연에서 발레단은 그의 딸 마리아 탈리오니(1804-1884)가 연기한 주인공의 솔로 부분을 개발하고 보완했습니다. 이 재능 있는 발레리나의 영감받은 예술은 발레 역사에 길이 남았습니다. 그녀는 발레 예술의 표현력을 높이는 포인트 슈즈 (손가락 끝) 춤을 처음으로 소개했습니다.

프랑스 안무가 Jules Joseph Perrault (1810-1892)의 작품은 발레 낭만주의의 또 다른 방향, 즉 드라마틱함을 의인화했습니다. 그의 영웅들은 사랑, 자유, 행복에 대한 권리를 지키기 위해 열심히 싸웠습니다. Perrault는 일반적으로 V. Hugo, G. Heine, J. V. Goethe와 같은 유명한 문학 작품의 줄거리를 기반으로 공연을 상연했습니다. 그는 무언극 에피소드를 댄스와 유기적으로 연결시켜 세심하게 개발했으며 군중 장면을 생동감 있고 감동적으로 만들기 위해 노력했습니다. Perrault의 발레 "Giselle"(A. Adam의 음악, 안무가 Jean Coralli(1779-1854)과 함께 공연) 및 "Esmeralda"(C. Pugni의 음악)는 여전히 많은 발레단의 레퍼토리를 장식하고 있습니다. Giselle의 첫 공연자는 다음과 같습니다. 카를로타 그리시(1819~1899).

뛰어난 오스트리아 발레리나 파니 엘슬러(1810-1884)의 예술은 로맨틱 발레와 관련이 있습니다.

로맨틱 발레 발전에서 중요한 역할은 덴마크 안무가 August Bournonville(1805-1879)의 작품이 맡았는데, 그는 코펜하겐 왕립발레단과 함께 50회 이상의 공연을 펼쳤습니다.

19세기 중반부터. 위기 현상은 서유럽 발레 예술에서 발견됩니다. 부르주아지는 서유럽 국가의 사회 정치적 삶의 영역에 진입하고 있습니다. 그녀의 취향은 예술에서 결정적이다. 그리고 내용이 깊은 로맨틱 발레는 거만하고 무의미한 구경거리로 대체되고 있습니다. 발레단은 해체되고 장기간의 쇠퇴가 이어집니다. 발레 예술의 부흥은 다음과 같은 공연과 관련이 있습니다. 서유럽러시아 예술가 - Anna Pavlova, Mikhail Fokin, Tamara Karsavina, Vaslav Nijinsky, Serge Lifar 등. 러시아 시즌(Russian Seasons)이라고 불린 이 공연은 큰 성공을 거두었으며 1907년부터 연극인 S. P. 디아길레프(S. P. Diaghilev)에 의해 조직되었습니다. 디아길레프의 러시아 발레단은 전통적인 형태의 고전 무용을 업데이트한 새로운 발레단을 탄생시켰습니다.

20세기에는 발레는 전 세계 여러 나라에서 성공적으로 발전하고 있습니다. 서양의 뛰어난 발레 마스터로는 Ninette de Valois, Frederick Ashton, Margot Fonteyn(영국), Roland Petit, Maurice Bejart, Yvette Chauvireux(프랑스), Agnes de Mille, George Balanchine, Jerome Robbins, Robert Joffrey(미국) 등이 있습니다. 다른 사람.

사회주의 국가는 발레 발전에 기여합니다(사회주의 영연방 국가 극장 참조). 그리하여 1948년 쿠바에서 창단된 재능있는 무용가이자 안무가인 알리시아 알론소의 발레단 예술은 1959년 쿠바국립발레단이라는 이름을 얻게 되었다.

러시아에서는 발레 예술의 발전이 나름대로 진행되었습니다. 러시아 최초의 안무가는 Ivan Ivanovich Walberkh(Lesogorov)(1766-1819)였으며 그의 작품은 문학적 주제와 현대 생활의 사건, 특히 1812년 애국 전쟁을 모두 다루었습니다. Walberkh 덕분에 독특한 유형의 국가 공연이 확립되었습니다. 러시아 무대-사람들의 삶을 그림으로 묘사하는 다양화.

러시아 발레의 발전은 Charles Louis Didelot의 작업으로 촉진되었습니다. 그의 학생 중에는 A. S. Pushkin과 A. S. Griboyedov가 부른 안무가 Adam Glushkovsky(1793-1870), 발레리나 Avdotya Istomina(1799-1848), Ekaterina Teleshova(1807-1857)가 있습니다. 디델로트는 폭정을 비난하고 높은 도덕적 자질을 드러낸 공연으로 러시아 발레단의 레퍼토리를 풍성하게 했습니다. 평범한 사람들. 그는 1823년에 "코카서스의 죄수, 혹은 신부의 그림자"(푸쉬킨의 시를 바탕으로)라는 연극을 상연하면서 발레 푸쉬키니아나의 토대를 마련했습니다.

러시아 낭만주의 발레의 저명한 대표자는 발레리나 Ekaterina Sankovskaya (1816-1878)였으며 그의 예술은 V. G. Belinsky와 A. I. Herzen에 의해 높이 평가되었습니다.

러시아 발레 극장은 국가 전통에 따라 서양 발레의 발견과 무대 공연을 창의적으로 재작업했습니다. 따라서 러시아 무대에서 지젤의 감상적인 이야기는 악과 어둠, 죽음을 정복하는 고상하고 이타적인 감정에 대한 시로 변했습니다. 그리고 이것은 러시아 극장에서 Giselle 역할을 맡은 첫 번째 연기자 Elena Andreyanova (1819-1857)의 상당한 장점이었습니다.

1847년 러시아로 건너온 마리우스 프티파는 상트페테르부르크 무대에서 60편이 넘는 발레를 공연했다. 그의 발레 L. Minkus "Don Quixote", P. I. Tchaikovsky "Sleeping Beauty" 및 "Swan Lake"(L. I. Ivanov와 함께 공연), A. K. Glazunov "Raymonda" 등의 작품에서 발레의 독특한 스타일이 가장 완벽하게 드러났습니다. 발레 공연의 내용을 완벽한 학문적 형태로 구현하는 것이 특징인 러시아 고전 무용 학교. Petipa의 공연에서 공연한 재능 있는 러시아 무용수들 - Elena Andreyanova, Pavel Gerdt, Matilda Kshesinskaya, Nikolai 및 Sergei Legaty, Olga Preobrazhenskaya, Anna Pavlova, Mikhail Fokin...

상트페테르부르크 마린스키 극장(현재는 S. M. Kirov의 이름을 딴 레닌그라드 오페라 및 발레 극장)의 M. Petipa와 동시에 훌륭한 안무가 Lev Ivanovich Ivanov(1834-1901)가 발레 제작에 참여했습니다. 그의 작품 중에는 A. P. Borodin의 오페라 "Igor 왕자", P. I. Tchaikovsky의 발레 "The Nutcracker"및 "Swan Lake"(M.I. Petipa와 함께)의 Polovtsian 춤이 있으며, 각각은 음악 극작 안무에 대한 깊은 이해를 증언합니다. 작품의 내용을 완벽한 조형적 이미지로 표현하고자 하는 그의 열망에 관한 작품이다.

19세기 말 - 지금은 A. K. Glazunov, I. F. Stravinsky, S. S. Prokofiev와 같은 다른 작곡가들이 지원하고 이후에 개발한 P. I. Tchaikovsky의 혁신적인 발레 음악 개혁의 시대입니다. 차이코프스키는 발레 공연이 음악 극법의 법칙에 따라 구성되어야 하고, 인간 영혼의 가장 복잡한 감정과 경험을 표현해야 하며, 감정의 숭고함과 시를 확인해야 한다고 믿었습니다.

20세기 초, 서구 발레단이 위기의 시기를 겪고 있던 반면, 러시아에서는 발레 예술이 창의적 고조를 경험하고 있었습니다. 마린스키 극장과 볼쇼이 극장의 발레단은 상트페테르부르크와 모스크바에서 성공적으로 활동하고 있습니다. 마린스키 극장의 상트페테르부르크에서 무용가이자 안무가인 미하일 미하일로비치 포킨(1880-1942)은 단막 발레 장르에 대해 두 가지 방향으로 창의적인 탐색을 수행합니다. 그는 교향곡을 기반으로 한 발레 무대의 원리를 개발합니다. Chopiniana”를 F. Chopin의 음악에 맞춰) 동시에 사건에 대한 신뢰할 수 있는 해석, 인물의 감정과 성격 묘사, 그들의 관계(“이집트인”)를 갖춘 소위 플롯 발레 연극과 같은 형식을 개발합니다. A. S. Arensky의 Nights”, I. F. Stravinsky의 “Petrushka” 등). 모스크바의 볼쇼이 극장에서 Alexander Alekseevich Gorsky (1871-1924)가 그의 작품을 상연했습니다. K. S. Stanislavsky와 Vl.이 이끄는 모스크바 예술 극장이 설립 된시기였습니다. I. Nemirovich-Danchenko. 연극 예술 분야의 혁신가를 찾는 것은 젊은 Gorsky를 사로잡고 사로잡았습니다. 그리고 Minkus의 "Don Quixote", Arends 등의 "Salambo" 공연에서 그는 발레 무대에서 뛰어난 연극 대가의 원칙을 구현하려고 노력했습니다. Gorsky의 작품은 역사적 정확성, 극적인 전개의 정확성, 신중하게 개발된 캐릭터 특성으로 구별되었습니다.

Anna Pavlova, Tamara Karsavina, Vaslav Nijinsky와 같은 훌륭한 예술가들은 Fokine의 발레 공연과 Gorsky의 작품인 Ekaterina Geltser, Mikhail Mordkin, Vasily Tikhomirov 등에서 공연했습니다.

10월 사회주의 대혁명 이후 소련 예술, 즉 다국적 발레 극장에 밝고 독창적인 현상이 나타났습니다. 러시아 고전무용 학교를 기반으로 발전했습니다. 모스크바와 레닌그라드 출신의 재능 있는 거장의 도움으로 러시아 발레 학교의 업적을 이해하고 레퍼토리를 숙달하며 이를 바탕으로 극장의 원래 건물을 창의적으로 사용하여 건립된 국가 안무 장면의 인물 국가적 특성그리고 예술 전통. 20대부터요. 전문 안무단이 소련 전역에 형성되고 있습니다. 국립발레단은 러시아 발레 경험을 비롯해 서로의 창작 경험을 상호 풍요롭게 했다. K. F. Dankevich, A. M. Balanchivadze, K. A. Karaev, A. P. Skulte, S. A. Balasanyan, F. Z. Yarullin 및 기타 국가 작곡가의 발레가 널리 인기를 얻었습니다.

형성에 기여한 뛰어난 소련 안무가 중 소련 발레, - Fedor Vasilyevich Lopukhov (1886-1973) 및 Kasyan Yaroslavich Goleizovsky (1892-1970).

소련 발레 예술은 공연 주제 내용의 깊이와 모호함으로 구별됩니다. 러시아 무용 예술의 전통을 발전시키고 풍요롭게 하는 소련 거장들은 주로 Lope de Vega, Shakespeare, Balzac, Pushkin, Lermontov, Gogol, Dostoevsky, Leo Tolstoy, Chekhov, Kuprin, Green, Bulgakov 등 고전 및 현대 문학 작품에 관심을 기울이고 있습니다. Aitmatov.. 세계 최고의 문학 작품에 제기된 대규모 이념적, 철학적, 도덕적 문제는 소련 발레 예술가들이 예술 수단을 통해 무대에서 실현하려고 노력하고 있습니다. 예를 들어 발레 "Bakhchisarai Fountain"의 작곡가 B.V. Asafiev와 안무가 R.V. Zakharov는 다음과 같이 강조했습니다. 주요 아이디어 V. G. 벨린스키(V. G. Belinsky)가 한때 공식화한 푸쉬킨의 동명 시: 높은 사랑의 감정을 통한 야생 영혼의 "재탄생". Rostislav Vladimirovich Zakharov (1907-1984)는 무용 예술을 발레 무대에서 푸쉬킨의 작업에 내재된 깊은 생각과 감정을 표현하는 수단으로 만들기 시작했습니다.

사람의 내면 생활을 보여주는 데 대한 큰 관심은 소련 발레 극장의 중요한 특징 중 하나입니다. 그리고 공연이 속한 장르에 관계없이 민속 역사 발레 소설 ( "The Flames of Paris", 작곡가 B.V. Asafiev, 안무가 V.I. Vainonen), 영웅 비극 ( "Laurencia", A.A. Crane 및 V. M. Chabukiani), 철학적, 심리적 드라마 ( "Romeo and Juliet", S. S. Prokofiev 및 L. M. Lavrovsky), 안무 코미디 ( "The Young Lady-Peasant", B. V. Asafiev 및 R. V. Zakharov; "Mirandolina", S. N. Vasilenko 및 V. I. Vainonen), 발레 skaz, 발레 -전설(“Stone Flower”, S. S. Prokofiev 및 Yu. N. Grigorovich; “Icarus”, S. M. Slonimsky 및 V. V. Vasiliev), 저자는 항상 주요 과제를 해결했습니다. 그의 생각과 감정은 조형 이미지를 통해 그의 성격 발전 경로, 높은 도덕적 원칙 획득 경로를 보여줍니다.

안무 공연의 주인공을 묘사하는 이러한 접근 방식은 1927년 10월 혁명 10주년을 기념하여 볼쇼이 극장에서 공연된 R. M. Gliere의 최초의 소련 발레 "The Red Poppy"에서 시작되었습니다. Ekaterina Vasilyevna Geltser (1876-1962)는 발레 무대에서 현대여 주인공 인 중국 무용수 Tao Hoa의 이미지를 만들어 10 월 아이디어의 영향을 받아 그녀의 영적 부흥을 미묘하게 전달했습니다. 이러한 아이디어는 소련 배의 선원들에 의해 발레에서 의인화되었으며, 그의 일반화된 영웅적이고 애처로운 이미지는 댄스 "사과"의 대규모 민속 요소로 구현되었습니다. 따라서 "The Red Poppy"에서는 소련 발레의 또 다른 특징, 즉 영웅적 주제를 가장 중요한 해석으로 정의했습니다. 이 주제는 나중에 이미 명명된 "파리의 불꽃", "로렌시아" 등과 같은 작품에서 발전되고 풍부해졌습니다. 군중 장면과 독창 부분 모두에 심리학적으로 세심하게 디자인된 감독의 악보가 발레단과 발레단 모두를 가능하게 했습니다. 무용수들과 발레단 무용수들이 주역을 맡아 창의적인 개성을 흥미롭게 드러낸다.

60년대 말. 영웅적인 주제에 대한 작업은 볼쇼이 극장에서 A. I. Khachaturian의 발레 "Spartacus"를 Yuri Nikolaevich Grigorovich (b. 1927)가 혁신적인 제작 덕분에 새로운 자극을 받았습니다. 고전 무용의 비 유적 본질에 대한 안무가의 모호하고 깊은 이해는 인간 관계, 행동, 열정, 강한 얽힘 속에서 고대 역사의 사건을 오늘날 현실의 관점에서 철학적으로 해석하는 장대 한 무대 캔버스를 만드는 데 도움이되었습니다. , 중요한 인물이 드러났고, 그들의 충돌과 갈등 속에서 우리 시대의 중요한 이념적, 도덕적 문제가 드러났습니다.

현대적인 억양을 갖춘 발레 극장의 풍부함, 캐릭터의 심층적 묘사는 Yu. N. Grigorovich의 모든 작품(P. I. Tchaikovsky 및 A. K. Glazunov의 클래식 발레 제작 및 현대 발레 공연(“로미오와 줄리엣”))에 내재되어 있습니다. , S. S. Prokofiev의 "The Legend of Love", A. D. Melikov의 "Angara", A. Ya. Eshpai의 "The Golden Age"(D. D. Shostakovich의 음악).

현대적인 억양은 레닌그라드 오페라 및 발레 극장의 수석 안무가인 O. M. Vinogradov가 공연한 소련 발레(“감독관”, “호랑이 가죽의 기사”, “전함 포템킨”) 제작의 특징입니다. S. M. Kirov. 우리나라의 다른 도시 무대에서 흥미로운 발레 작품이 탄생했습니다.

소련 발레 댄서들의 놀라운 기술은 전 세계적으로 알려져 있습니다.

발레리나 마리나 세메노바(Marina Semenova)는 클래식 무용의 가능성을 충만하고 훌륭하게 보여주었습니다. 그녀는 P. I. Tchaikovsky의 발레 "Swan Lake", A. K. Glazunov의 "Raymond", B. V. Asafiev의 "Flames of Paris"발레에서 자랑스럽고 반항적 인여 주인공의 이미지를 만들었습니다.

Galina Ulanova의 독특한 예술은 다음과 같습니다. 최고의 기능러시아 발레의 표현력, 깊이, 영성, 고전적인 공연의 완성도. 그녀가 무대에서 만든 이미지는 Mary(Asafiev의 "The Fountain of Bakhchisarai"), Giselle(A. Adam의 "Giselle"), Cinderella(S. S. Prokofiev의 "Cinderella"), Juliet(Prokofiev의 "Romeo and Juliet")입니다. 그리고 다른 것들은 잊혀지지 않습니다.

Natalia Dudinskaya의 예술은 심리적 깊이와 정서적 표현이 특징입니다. 그녀는 많은 소련 발레에서 주요 역할을 맡은 최초의 연기자였습니다.

Olga Lepeshinskaya의 재능의 특징은 낙천주의와 기질이었으며 L. Minkus의 발레 "Don Quixote", Asafiev의 "The Flames of Paris", Prokofiev의 "Cinderella"등에서 특별한 힘으로 나타났습니다.

마야 플리세츠카야(Maya Plisetskaya)는 러시아 안무 학교의 전통과 소련 발레의 혁신적인 열망을 작품에 결합했습니다. 발레리나의 거장 기술은 클래식 발레와 현대 발레 공연에서 그녀가 수행한 많은 역할에서 포착됩니다. 그녀의 최고의 역할 중에는 차이콥스키의 "백조의 호수"의 오데트와 오딜, 비제의 "카르멘 모음곡"의 카르멘 - Shchedrin, R. K. Shchedrin의 동명 발레의 안나 카레니나 등이 있습니다.

Raisa Struchkova의 춤은 독특한 우아함과 우아함으로 가득 차 있습니다. 그녀의 예술적 재능은 메리, 줄리엣, 신데렐라의 역할과 광범위한 콘서트 레퍼토리에서 분명하게 표현되었습니다.

Irina Kolpakova의 연주 기술은 고전적인 표현력과 형태의 아름다움으로 구별됩니다. Marina Kondratieva의 예술은 영성과 심오한 서정성으로 시선을 사로잡습니다.

Asaf Messerer는 클래식 발레에서 뛰어난 역할을 수행했습니다.

소련 발레 예술의 서정적 남성 댄스는 Konstantin Sergeev의 작품, Vaclav (Asafiev의 Bakhchisarai 분수), Romeo (Prokofiev의 Romeo and Juliet) 등의 역할에서 가장 생생한 구현을 발견했습니다. 그는 여러 발레를 공연했습니다. - 프로코피예프의 신데렐라, 카라예프의 '천둥의 길'...

영웅적 원칙은 Philip ( "The Flames of Paris"), Tybalt ( "Romeo and Juliet") 등의 역할을 수행 한 Alexei Ermolaev (1910-1975)의 예술에 내재되어 있습니다.

소련 발레 예술에서 가장 유명한 인물 중 하나는 Vakhtang Chabukiani였습니다. 그는 영감을 받은 충동인 춤의 요소에 전적으로 빠져 있습니다. A. M. Balanchivadze의 "Heart of the Mountains", A. D. Machavariani의 "Othello"와 이 발레의 주요 역할에 대한 변덕스러운 연기를 통해 Chabukiani는 영웅적인 남성 춤의 승리를 주장했습니다.

예카테리나 막시모바가 돈키호테에서 키트리 역을 맡았을 때, 그녀의 화려한 춤은 변덕스러운 스페인 소녀의 성격을 표현합니다. 그리고 A. I. Khachaturian의 발레 "Spartacus"에서 그녀는 부드럽고 헌신적이며 상심 한 여성이라는 완전히 다른 이미지를 만듭니다.

Vladimir Vasiliev는 그의 작품에서 이해할 수없는 기교와 미묘한 연기 기술을 결합합니다. 그의 용감한 스파르타쿠스와 용감한 이카루스는 V. Vasiliev의 안무가로서의 경력이 시작된 S. M. Slonimsky의 같은 이름의 발레에서 아름답습니다.

나탈리아 베스메르트노바(Natalia Bessmertnova)는 고전과 현대 레퍼토리의 역할을 훌륭하게 소화해 '소련의 낭만주의 발레리나'로 불립니다.

Nina Timofeeva, Lyudmila Semenyaka, Gabriela Komleva, Mikhail Lavrovsky, Maris Liepa, Nikolai Fadeechev 및 기타 많은 예술가들이 전 세계 소련 발레 학교를 찬미했습니다.

페름 안무학교 학생인 나데즈다 파블로바(Nadezhda Pavlova)가 모스크바에서 열린 제2회 국제발레콩쿠르에서 최우수상을 수상했습니다. 볼쇼이극장의 솔리스트가 된 발레리나를 관객들은 따뜻하게 환영한다.

타지크 발레리나 말리카 사비로바(1942-1982)는 사랑과 충실이라는 주제를 작품에서 재능있게 구현했습니다. 그녀에게 최고의 역할발레 "Giselle", "Don Quixote", "Leili and Majnun"의 역할을 포함합니다.

Elena Gvaramadze와 Vera Tsignadze의 재능은 화창한 조지아에서 꽃을 피웠습니다. 키르기스스탄 발레리나 뷰뷰사라 베이쉬날리바(1926-1973)는 소련 발레단 예술에 눈에 띄는 흔적을 남겼습니다. 현재 부랴티아의 젊은 무용가들의 교사가 된 발레 무용수 라리사 사키아노바(Larisa Sakhyanova)는 춤의 표현력으로 청중을 기쁘게 했습니다. 소련 다국적 발레의 저명한 대표자는 우크라이나 무용수 엘레나 포타포바(Elena Potapova)와 발렌티나 칼리노프스카야(Valentina Kalinovskaya)입니다. 우즈벡 발레리나 갈리아 이즈마일로바(Galia Izmailova)와 베르나르드 카리에바(Bernard Karieva)는 춤을 통해 소련 동부의 해방된 여성들의 캐릭터를 구현했습니다. 벨로루시 발레 댄서 Lidia Ryazhenova, Lyudmila Brzhozovskaya, Yuri Troyan, 아제르바이잔 발레리나 Gamer Almaszade, 아르메니아 댄서 Vilen Galstyan 등의 이름은 잘 알려져 있습니다.

소련 발레는 모든 대륙의 관객들로부터 열광적인 박수를 받았습니다. 모스크바 볼쇼이 극장과 K. S. Stanislavsky 및 Vl.의 이름을 딴 뮤지컬 극장의 뛰어난 소련 예술가와 전체 발레 그룹. I. Nemirovich-Danchenko, S. M. Kirov의 이름을 딴 레닌그라드 극장, T. G. Shevchenko의 이름을 딴 키예프 극장 및 기타 소련 극장은 큰 성공을 거두며 해외 순회 공연을 펼치며 항상 탁월한 예술에 대한 감탄을 자아냅니다.

우리나라에서는 발레 극장, 클래식 발레 앙상블, 실내 발레, 플라스틱 드라마 등 새로운 독립 안무단이 창설되고 있습니다. 이는 새로운 재능을 식별하고 그들이 예술에 입문하도록 돕는 데 도움이 됩니다.

발레란 무엇인가, 발레의 역사

“우리는 춤만 추는 것이 아니라 춤을 통해 말하고 싶습니다”
G.울라노바

놀랍고 아름답고 다각적인 발레의 세계는 누구도 무관심하게 만들지 않을 것입니다. 이 단어는 이탈리아에서 처음 들었고 장르 자체가 프랑스에서 생겨 났으며 발레는 러시아의 진정한 자부심이며 더욱이 19 세기에는 러시아 공연이 만들어졌습니다. P.I. 차이코프스키 , 진정한 예가되었습니다.

우리 페이지에서 개인의 문화적 풍요로움에 있어 이 장르의 역사와 중요성에 대해 읽어보세요.

발레란 무엇인가?

이것은 여러 유형의 예술이 밀접하게 얽혀있는 뮤지컬 및 연극 장르입니다. 따라서 음악, 춤, 그림, 연극, 미술서로 뭉쳐 극장 무대에서 대중 앞에 펼쳐지는 일관된 공연을 만들어낸다. 이탈리아어로 번역된 "발레"라는 단어는 "춤"을 의미합니다.

발레는 언제 시작됐나요?

발레에 대한 첫 번째 언급은 15세기로 거슬러 올라갑니다. 궁정 댄스 교사인 Domenico da Piacenza가 다음 무도회를 위해 여러 댄스를 결합하여 엄숙한 피날레를 작성하고 발레로 분류할 것을 제안했다는 정보가 있습니다.

그러나 장르 자체는 이탈리아에서 조금 나중에 나타났습니다. 출발점은 1581년이며, 발타자리니가 춤과 음악을 기반으로 한 공연을 선보인 것은 이 시기 파리였습니다.17세기에는 혼합 공연(오페라와 발레)이 인기를 끌었습니다. 동시에, 그러한 작품에서는 춤보다는 음악이 더 중요해집니다. 프랑스 안무가 장 조르주 노베라(Jean Georges Novera)의 개혁적인 작업 덕분에 이 장르는 고유한 "안무 언어"를 통해 고전적인 윤곽을 얻었습니다.

러시아 장르의 형성

"오르페우스와 에우리디케의 발레"의 첫 공연이 1673년 2월 차르 알렉세이 미하일로비치의 궁정에서 공연되었다는 정보가 있습니다. 가장 뛰어난 안무가인 샤를 루이 디들로(Charles-Louis Didelo)는 이 장르의 형성에 큰 공헌을 했다. 그러나 그 유명한 작곡가는 진정한 개혁가로 여겨진다. P.I. 차이코프스키 . 그의 작품에서 로맨틱 발레가 형성됩니다. P.I. 차이코프스키는 음악에 특별한 관심을 기울여 음악을 수반되는 요소에서 춤이 감정과 감정을 미묘하게 포착하고 드러내는 데 도움이 되는 강력한 도구로 전환했습니다. 작곡가는 발레음악의 형식을 변형시켰고, 통일된 교향악적 전개도 구축했다.A. Glazunov의 작품도 발레 발전에 중요한 역할을 했습니다. 레이몬다 "), I. 스트라빈스키 (" 파이어버드 ", "봄의 제전", " 파슬리 ") 및 안무가의 작품 M. 페티파 , L. Ivanova, M. Fokina. 새로운 세기에는 창의성이 돋보입니다 S. 프로코피예프 , D. 쇼스타코비치, R. 글리에라 , A. Khachaturyan.
20세기에 작곡가들은 고정관념을 극복하고 규칙을 확립하기 위해 노력하기 시작했습니다.

발레리나는 누구입니까?

발레에서 춤을 추는 사람을 모두 발레리나라고 부르지는 않았습니다. 이는 무용수들이 일정 수준의 예술적 공로를 달성했을 때와 극장에서 몇 년 동안 일한 후 받는 가장 높은 칭호입니다. 처음에는 연극 학교를 졸업한 모든 사람이 솔리스트로 드물게 예외를 제외하고 발레 무용단으로 승인되었습니다. 그들 중 일부는 2~3년 동안 일한 후에 발레리나라는 칭호를 얻었고, 일부는 은퇴하기 전에야 성공했습니다.

주요 구성품

발레의 주요 구성요소는 고전무용, 캐릭터댄스, 무언극이다.고전무용은 프랑스에서 유래됐다. 믿을 수 없을 만큼 유연하고 우아합니다. 솔로 댄스를 변주곡(variation)과 아다지오(adagios)라고 합니다. 예를 들어, P. I. Tchaikovsky의 발레에서 잘 알려진 Adagio가 있습니다. 게다가 이 곡들은 앙상블 댄스에서도 연주될 수 있습니다.

솔리스트 외에도 발레단이 액션에 참여하여 군중 장면을 만듭니다.
종종 발레단의 춤이 특징적입니다. 예를 들어 <백조의 호수>의 <스페인 댄스>. 이 용어는 공연에 도입되는 민속무용을 가리킨다.

발레를 소재로 한 영화

발레는 영화에도 반영되는 매우 인기 있는 예술 형식입니다. 발레에 관한 아름다운 그림이 많이 있는데, 이는 크게 세 가지 범주로 나눌 수 있습니다.

1. 다큐멘터리 영화는 발레 공연을 기록한 다큐멘터리로, 이를 통해 훌륭한 댄서들의 작품을 접할 수 있습니다.
2. 영화 발레 - 이러한 영화는 공연 자체도 보여 주지만 더 이상 무대에서 액션이 발생하지 않습니다. 예를 들어, 유명한 R. Nureyev와 C. Fracci가 주연을 맡은 Paul Zinner가 감독 한 영화 "Romeo and Juliet"(1982); "작은 혹등고래 말 이야기"(1961) 주요 역할마야 플리세츠카야(Maya Plisetskaya)가 연주했습니다.
3. 발레와 관련된 액션을 소재로 한 장편영화. 이러한 영화를 사용하면 이 예술의 세계에 몰입할 수 있으며 때로는 영화 속의 이벤트가 제작을 배경으로 펼쳐지거나 극장에서 일어나는 모든 일에 대해 이야기합니다. 그중에서도 2000년 대중에게 선보인 니콜라스 하이트너 감독의 미국영화 프로시니엄(Proscenium)이 특히 주목할 만하다.
4. 전기 영화 "Margot Fonteyn"(2005), "Anna Pavlova"등을 특별히 언급해야합니다.

M. Powell과 E. Pressburger가 감독한 1948년 영화 "The Red Shoes"를 무시할 수 없습니다. 영화는 안데르센의 명작 동화를 바탕으로 한 공연을 관객에게 소개하며 관객을 발레의 세계로 몰입시킨다.

스티븐 달드리 감독은 2001년 영화 '빌리 엘리엇'을 대중에게 선보였습니다. 광산 가족 출신의 11세 소년이 댄서가 되기로 결심한 이야기입니다. 그는 절호의 기회를 얻어 왕립발레학교에 입학하게 된다.

Alexei Uchitel이 감독한 영화 "Giselle Mania"(1995)는 시청자들에게 Red Giselle이라는 별명을 붙인 전설적인 러시아 무용가 Olga Spesivtseva의 삶을 소개합니다.

2011년에는 대런 아로노프스키(Darren Aronofsky) 감독의 호평을 받은 영화 '블랙 스완(Black Swan)'이 TV에 개봉돼 발레극장의 삶을 내부에서 엿볼 수 있다.

현대발레와 그 미래

현대발레는 고전발레와는 달리 과감한 의상과 자유로운 안무 해석이 특징이다. 고전에는 곡예라고 불리는 것이 가장 적절한 현대와는 달리 매우 엄격한 동작이 포함되어 있습니다. 이 경우 많은 것은 선택한 주제와 공연 아이디어에 달려 있습니다. 이를 바탕으로 감독은 이미 일련의 안무 동작을 선택합니다. 현대 공연에서는 민족 무용, 조형 예술의 새로운 방향, 초 현대 무용 동작에서 동작을 차용할 수 있습니다. 해석은 또한 새로운 방식으로 수행됩니다. 예를 들어 Matthew Byrne의 호평을 받은 Swan Lake 제작에서 소녀가 남성으로 대체되었습니다. 안무가 B. Eifman의 작품은 그의 발레 각각에 깊은 의미가 담겨 있기 때문에 춤의 진정한 철학입니다. 현대 공연의 또 다른 추세는 장르 경계가 모호해지는 것이며, 이를 다중 장르라고 부르는 것이 더 정확할 것입니다. 고전에 비해 더 상징적이며 많은 인용문과 참고자료를 사용합니다. 일부 공연은 구성의 몽타주 원리를 사용하며, 제작은 서로 다른 조각(프레임)으로 구성되며 모두 함께 전체 텍스트를 구성합니다.

게다가 전반에 걸쳐 현대 문화다양한 리메이크에 대한 관심이 크며, 발레도 예외는 아니다. 그래서 많은 감독들이 관객에게 영화를 보도록 강요한다. 클래식 버전반대편에. 새로운 독서를 환영하며, 독창적일수록 더 큰 성공을 거둘 수 있습니다.

무언극은 몸짓과 얼굴 표정을 사용하는 표현 게임입니다.

현대 작품에서는 안무가들이 기존의 틀과 경계를 확장하고, 고전적인 구성 요소 외에도 현대적인 요소와 체조 및 곡예 요소를 추가합니다. 댄스 (현대, 프리 댄스). 이러한 추세는 20세기에 나타났으며 관련성을 잃지 않았습니다.

발레– 여러 유형의 예술이 밀접하게 얽혀 있는 복잡하고 다면적인 장르입니다. 무용수들의 우아한 몸짓, 표현력이 풍부한 연주, 매혹적인 클래식 음악 소리에 누구도 무관심할 수 없습니다. 발레가 어떻게 휴일을 장식할지 상상해 보세요. 모든 행사의 진정한 진주가 될 것입니다.

모든 예술 중 가장 아름다운 발레는 지구상의 모든 사람들이 이해할 수 있는 언어로 사랑과 죽음에 대한 이야기를 전합니다. 지속적인 가치, 반복되는 범죄, 신앙의 기적, 맹세, 의무가 춤으로 표현됩니다. 성서에서는 “태초에 말씀이 있었다”고 말하지만 마야 플리세츠카야는 “태초에 몸짓이 있었다”고 반대합니다. 조용한 움직임의 예술에는 인간의 언어나 번역이 필요하지 않습니다. 움직이는 신체의 아름다움, 예술을 창조하는 도구로서의 신체는 이제 그 자체가 줄거리 없는 춤을 위한 “플롯” 역할을 합니다. 발레는 고전무용의 기술 없이는, 신체의 본성 없이는, 희생과 희생 없이는 불가능하다. 무조건적인 사랑, 땀과 피없이. 그럼에도 불구하고 발레는 사소하고 세속적인 모든 것을 잊게 만드는 완벽한 동작입니다.

러시아 발레의 간략한 역사.

러시아 최초의 발레 공연은 1672년 2월 17일 Preobrazhenskoye의 Tsar Alexei Mikhailovich 궁정에서 Maslenitsa에서 열렸습니다. 공연이 시작되기 전에 오르페우스를 연기하는 배우가 무대에 올라 독일 대련을 불렀고 번역가가 차르로 번역하여 알렉세이 미하일로비치 영혼의 놀라운 속성을 칭찬했습니다. 이때 오르페우스의 양쪽에는 깃발로 장식되고 형형색색의 조명으로 밝혀진 두 개의 피라미드가 서 있었는데, 오르페우스의 노래에 맞춰 춤을 추기 시작했습니다. Peter I 아래 러시아에서 춤이 나타났습니다. 현대적 의미이 단어의 : 미뉴에트, 컨트리 댄스 등이 도입되었으며 그에 따라 춤이 궁중 예절의 주요 부분이되었고 고귀한 젊은이들이 춤을 배워야한다는 법령을 발표했습니다. 1731년에는 러시아 발레의 요람이 될 상트페테르부르크에 토지 귀족 군단이 문을 열었습니다. 장래에 군단 졸업생들은 높은 관직을 차지할 것으로 예상되고 세속적인 예절에 대한 지식이 필요했기 때문에 미술을 포함한 미술을 공부해야했습니다. 볼룸 댄스, 건물에 상당한 공간이 할당되었습니다. 1738년 5월 4일, 프랑스의 무용 거장 장 바티스트 랑드(Jean Baptiste Lande)가 러시아 최초의 발레 무용 학교인 "Dancing Her"를 열었습니다. 황실 폐하학교"(현재 A. Ya. Vaganova의 이름을 딴 러시아 발레 아카데미).

Lande는 특별히 장비를 갖춘 Winter Palace의 방에서 12명의 러시아 소년 소녀를 훈련하기 시작했습니다. 학생들은 단순한 출신의 아이들 중에서 모집되었습니다. 학교 교육은 무료였으며 학생들은 전적인 지원을 받았습니다. 발레는 엘리자베스 페트로브나(Elizabeth Petrovna) 통치 기간 동안 러시아에서 더욱 발전했습니다. 지상군 생도 중 Nikita Beketov는 춤에 탁월했습니다. 더욱이 나중에 엘리자베스가 가장 좋아하는 베케토프는 황후의 특별한 호의를 누렸고, 그 청년은 자신이 여성 역할을 훌륭하게 수행한 청년에게 옷을 입혔습니다. 1742년에 Lande 학교 학생들로 최초의 발레단이 창설되었고, 1743년에는 참가자들에게 수수료가 지급되기 시작했습니다. 1759년 8월 1일, 황후의 즉위식과 프랑크푸르트에서 프로이센 군대에 대한 승리를 기념하여 발레 드라마 "미덕의 피난처"가 엄숙하게 상연되어 큰 성공을 거두었습니다.

Catherine II의 통치 기간 동안 러시아의 발레는 더욱 큰 인기를 얻었으며 더욱 발전했습니다. 그녀의 대관식을 계기로 가장 고귀한 귀족들이 참여한 호화로운 발레 "아카디아 목자들과 봄의 여신 목자들에게의 즐거운 귀환"이 모스크바 궁전에서 열렸습니다. 왕위 계승자 파벨 페트로비치(Pavel Petrovich)는 종종 법원 극장에서 발레 공연을 펼쳤던 것으로 알려져 있습니다. Catherine II 시대부터 토지 소유자가 농노 농민으로 구성된 극단을 시작했을 때 러시아에서는 농노 발레의 전통이 나타났습니다. 이 발레 중에서 가장 큰 명성을 얻은 것은 지주 Nashchokin의 발레였습니다.

1766년 비엔나에서 제대한 안무가이자 작곡가인 가스파로 안졸리니(Gasparo Angiolini)는 발레 공연에 러시아적 풍미를 더했습니다. 음악 반주러시아 멜로디의 발레 공연은 모두를 놀라게 하고 보편적인 찬사를 받았습니다. Paul I 통치 초기에도 발레는 여전히 유행했습니다. Paul I 아래에서 발레에 대한 특별 규칙이 발표되었다는 것은 흥미 롭습니다. 공연 중에 무대에 한 명의 남자가 있어서는 안된다는 명령이 있었고 남자의 역할은 Evgenia Kolosova와 Nastasya Berilova가 춤을 췄습니다.

이는 Auguste Poirot가 상트페테르부르크에 도착할 때까지 계속되었습니다. 알렉산더 1세의 통치 기간 동안 러시아 발레는 계속 발전하여 새로운 정점에 도달했습니다. 현재 러시아 발레의 성공은 무엇보다도 1801년 러시아에 도착한 초대된 프랑스 안무가 칼 디들로(Carl Didelo) 덕분입니다. 그의 리더십 아래 마리아 다니로바(Maria Danilova), 에브도키아 이스토미나(Evdokia Istomina) 같은 무용수들이 러시아 발레에서 빛을 발하기 시작했습니다. 이때 러시아 발레는 유례없는 인기를 얻었다. Derzhavin, Pushkin 및 Griboyedov는 Didelot과 그의 학생들 인 Istomin과 Teleshova의 발레를 불렀습니다. 황제는 발레 공연을 좋아했고 단 한 번도 놓치지 않았습니다. 1831년 디델로트는 연극 감독 가가린 왕자와의 갈등으로 인해 상트페테르부르크 무대를 떠났습니다. 곧 상트페테르부르크 무대에서 스타가 빛나기 시작했습니다. 유럽 ​​발레 마리아 탈리오니.

그녀는 1837년 9월 6일 발레 La Sylphide로 데뷔하여 대중을 기쁘게 했습니다. 그러한 가벼움, 그러한 순결한 우아함, 그러한 특별한 기술과 표정은 어떤 무용수도 보여준 적이 없습니다. 1841년에 그녀는 상트페테르부르크와 작별을 고했으며 이 기간 동안 200번 이상 춤을 췄습니다.

1848년, 우아함과 표정으로 유명한 탈리오니의 라이벌 파니 엘슬러(Fanny Elsler)가 상트페테르부르크에 왔습니다. 이어서 카를로타 그리시(Carlotta Grisi)가 상트페테르부르크를 방문했는데, 그녀는 1851년 <지젤>로 데뷔해 큰 성공을 거두며 일류 무용수이자 뛰어난 흉내내기 배우임을 입증했다. 이때 안무가 마리우스 프티파(Marius Petipa), 조세프 마질리에(Joseph Mazilier) 등은 꾸준히 호화로운 발레를 선보였으며, 재능 있는 예술가들을 영입하여 이탈리아 오페라 덕분에 식어가던 발레 공연을 내세우려고 했다. 당시 발레 평론가 중에는 Taglioni, Guerino 및 Sankovskaya에 대한 기사를 쓴 Vissarion Belinsky가 있었습니다. Alexander II의 통치 기간 동안 러시아 발레에서 국내 재능 홍보가 시작되었습니다. 수많은 재능 있는 러시아 무용수들이 발레 무대를 빛냈습니다. 발레 제작의 경제성은 매우 높았지만 Mariyca Petipa의 경험을 통해 저렴한 비용으로 우아한 발레 공연을 선보일 수 있었고 예술가들의 뛰어난 장식으로 인해 성공이 크게 촉진되었습니다. 러시아 발레가 발전하는 이 기간 동안 춤은 유연성과 표정보다 우선시되었습니다.

알렉산더 3세 통치 기간 동안 마린스키 극장에서는 매주 수요일과 일요일에 발레가 공연되었습니다. 안무가는 여전히 마리우스 프티파(Marius Petipa)였습니다. 이때 표트르 차이코프스키의 발레 <잠자는 숲속의 공주>에서 오로라 역을 최초로 맡은 카를로타 브리안자를 비롯해 해외 발레리나들이 상트페테르부르크를 순회하고 있었다. 주요 댄서는 Vasily Geltser와 Nikolai Domashev였습니다. 20 세기 - A. V. Shiryaev, 1904 A. A. Gorsky, 1906 Mikhail Fokin, 1909. 20 세기 초 학문적 전통의 관리인은 예술가였습니다 : Olga Preobrazhenskaya, Matilda Kshesinskaya, Vera Trefilova, Agrippina. Vaganova, Olga Spesivtseva. 새로운 형태를 찾기 위해 Mikhail Fokin은 현대 미술에 의존했습니다.

안나 파블로바. 댄스에의 초대 Valse에 초대합니다.

안무가가 가장 좋아하는 무대 형식은 간결한 연속 동작과 명확하게 정의된 문체적 색상을 갖춘 단막 발레였습니다. Mikhail Fokine은 "Pavilion of Armida", "Chopiniana", "Egyptian Nights", "Carnival", 1910과 같은 발레를 소유하고 있습니다. 오페라 "이고르 왕자"의 "Petrushka", "Polovtsian Dances". Tamara Karsavina, Vaslav Nijinsky 및 Anna Pavlova는 Fokine의 발레로 유명해졌습니다. Ludwig Minkus의 음악에 맞춰 발레 "Don Quixote"의 첫 번째 막은 Alexander Gorsky 판을 통해 동시대 사람들에게 전달되었습니다.

20세기 러시아 발레.

발레 '지젤'의 갈리나 울라노바.

차이콥스키의 발레 <백조의 호수> 중 Pas de deux.

21세기 러시아 발레.

아다나의 발레 의 Pas de Deux.

Minkus의 발레 '돈키호테'의 Pas de deux.

Minkus의 발레 "La Bayadère"의 Pas de deux.

아담의 발레 <지젤> 중 아다지오와 파드되.

-(그리스어 ballizein에서 춤까지). 음악이 수반되는 연극 공연으로, 캐릭터가 말로 다양한 열정을 표현하는 것이 아니라 오직 얼굴 동작과 춤을 통해서만 표현합니다. 에 포함된 외국어 사전... 러시아어 외국어 사전

30대 중반부터. XVIII 세기 상트페테르부르크에서는 궁정 발레 공연이 정규화되었습니다. 1738년에 러시아 최초의 발레 학교가 상트페테르부르크에 문을 열었습니다(1779년부터 연극 학교). 여기에는 발레 수업(현재 안무 학교)이 포함되었습니다. ... 상트페테르부르크(백과사전)

-(이탈리아 발레토의 프랑스 발레), 무대 예술의 일종으로 그 내용이 춤과 음악 이미지로 드러납니다. 발레는 16세기 유럽에서 형태를 갖추기 시작했습니다. 그 전성기는 2/3부터 시작되는 낭만주의와 연관되어 있다.... 큰 백과사전

발레, 발레, 남편. (프랑스 발레). 1. 음악에 맞춰 춤과 무언극의 특정 줄거리를 기반으로 한 연극 공연입니다. 발레를 보러 가세요. || 그러한 연주를 위해 만들어진 음악입니다. 오케스트라가 대중가요의 왈츠를 연주했습니다.... 사전우샤코바

춤은 우리 자신이 재료로 사용되는 유일한 예술입니다. Ted Shawn Russia: 수백 마일에 달하는 들판과 저녁 발레. Alan Hackney Ballet는 청각 장애인을 위한 오페라입니다. 온유한 발레단 에밀(Emil the Meek Ballet): 상당한 인기를 누리는 예술... 격언의 통합 백과 사전

명사 안무 러시아어 동의어 사전. 컨텍스트 5.0 정보학. 2012. 발레 명사, 동의어 수 : 6 갈라 발레 (1) ... 동의어 사전

발레, 응, 남편. 1. 무대 댄스의 예술. 클래식 ㄴ. 2. 음악과 함께 춤과 무언극을 선보이는 연극. B. 얼음 위(스케이팅). 3. 해당 공연에 참여하는 예술가. | 조정. 발레, 아, 아. 지능적인... ... Ozhegov의 설명 사전

남편. 춤과 조용한 행동으로 구성된 광경. 해당 공연과 관련된 발레; 남자 발레 댄서 여성 발레 댄서 발레 댄서. 안무가 남편 작곡가, 발레 작곡가; 발레 무용수 협회의 소유자; ... ... Dahl의 설명 사전

발레- 청각 장애인을 위한 오페라 슬로우닉 스켑티카

발레-발레는 간음은 물론 사업, 상업, 다툼, 연인 간의 질투의 실패를 예고합니다. 또한, 발레에 관한 꿈은 평범한 삶당신은 자신을 고문하는 경향이 있습니다. 자주 고생하시나요...? 대형 범용 꿈의 책

발레- 파디 샤. p e r i f r. Shara Zhienkulova d.m. Olardyn arasyndan "b ale t p a d i s has a s y" atanyp ketken gazhaiyp bishi Shara Zhienkulovany airyksha bolip aytuga bolady (Kaz. Adeb., 10.19.1971, 4) ... Kazak tilinin tүsіndіrme сѩздігі

서적

• 발레. 백과사전, 1981년판. 상태는 매우 좋습니다. 발레 예술을 전문으로 하는 소련 최초의 백과사전에는 다음이 포함되어 있습니다. 일반 정보발레에 대해, 가장 일반적인 용어에 대한 설명;... 카테고리: 댄스. 발레. 안무 출판사: 소련 백과사전,
• 발레. 1992. 제2호, BALLET Magazine은 가소성, 드라마, 음악 및 감성을 결합한 이 아름다운 예술의 진정한 감정가를 위한 간행물입니다. 춤의 언어는 보편적이며 모든 사람이 이해할 수 있습니다. 잡지… 카테고리: 댄스. 발레. 안무 시리즈: 발레(잡지)발행자: