είδος παραστατικών τεχνών. Η ιδιαιτερότητα του μπαλέτου είναι η μετάδοση περιεχομένου μέσω του χορού, σε μουσικές και χορογραφικές εικόνες. Κατά κανόνα, η μουσική συντίθεται από συνθέτες ειδικά για ένα δεδομένο μπαλέτο με βάση λογοτεχνικό σενάριο(λιμπρέτο).

Το ευρωπαϊκό μπαλέτο, του οποίου η πατρίδα είναι η Ιταλία, άρχισε να διαμορφώνεται κατά την Αναγέννηση. Τελικά διαμορφώθηκε τον 18ο αιώνα.

Στη Ρωσία, οι παραστάσεις μπαλέτου έχουν γίνει τακτικές από τη δεκαετία του '30 του 18ου αιώνα. Κατακτώντας την εμπειρία ξένων χορογράφων και μελετώντας τη λαϊκή κουλτούρα του χορού, οι Ρώσοι καλλιτέχνες δημιούργησαν σταδιακά ένα πρωτότυπο στυλ παράστασης, μια πρωτότυπη σχολή χορού, η οποία τελικά διαμορφώθηκε στο δεύτερο μισό του 19ου αιώνα. Το αποκορύφωμα αυτής της τέχνης του 19ου αιώνα ήταν το έργο των Ρώσων χορογράφων M. Petipa και L. Ivanov, οι οποίοι δημιούργησαν το στυλ του ακαδημαϊκού μπαλέτου (Λίμνη των Κύκνων, Ο Καρυοθραύστης, Η Ωραία Κοιμωμένη).

Εξαιρετικός ορισμός

Ελλιπής ορισμός ↓

ΜΠΑΛΕΤΟ

Γαλλικό-μπαλέτο, από τα ύστερα λατινικά. ballo-dancing) είναι ένα είδος μουσικού θεάτρου. Η ιδιαιτερότητα του Β. είναι η μεταφορά περιεχομένου μέσω του χορού, σε μουσικές και χορογραφικές εικόνες (Χορογραφία). Β. - συνθετική τέχνη: το περιεχόμενό της, μαζί με τον χορό, καθορίζεται από το σενάριο, τη μουσική και τα θεατρικά εκφραστικά μέσα (σχέδιο, σκηνοθεσία, υποκριτική). Μερικές φορές μπορεί να περιλαμβάνει φωνητικά - τόσο ως ανεξάρτητα νούμερα όσο και ως πρόσθετη ή μοναδική μουσική συνοδεία. Ως αποτέλεσμα της αλληλεπίδρασης με τον κινηματογράφο, γεννιέται ένα νέο είδος - το κινηματογραφικό μπαλέτο. Η φύση του Β. είναι διπλή: από τη μια έλκεται προς τη μουσική και τις αντίστοιχες τεχνικές εκφραστικότητας, από την άλλη αναπτύσσεται ως θεατρική τέχνη. Η ιστορία του Β. γνωρίζει περιόδους που κ.-λ. από τις δύο αρχές έγινε η κορυφαία, καθορίζοντας την πρωτοτυπία των παραστάσεων που δημιουργήθηκαν εκείνη την εποχή και το είδος τους: από τη χορευτική συμφωνία μέχρι το χορόδραμα. Κατά κανόνα, η μουσική συντίθεται από έναν συνθέτη ειδικά για μια δεδομένη μουσική που βασίζεται σε ένα λογοτεχνικό σενάριο, ή λιγότερο συχνά - επιλεγμένο από ολοκληρωμένα έργα. Με τον παραδοσιακό ευρωπαϊκό τρόπο. Ο πολιτισμός της Λευκορωσίας, μαζί με τον κλασικό και λαϊκό χαρακτηριστικό χορό, μπορεί να χρησιμοποιηθεί παντομίμα. Τον 20ο αιώνα Το υλικό για τη δημιουργία χορογραφικών εικόνων είναι επίσης ο «ελεύθερος χορός», ο «μοντέρνος» χορός, άλλα είδη χορού ή τα στοιχεία τους σε συνδυασμό με τον κλασικό χορό. Ευρώπη Ο Β., του οποίου η πατρίδα είναι η Ιταλία, άρχισε να διαμορφώνεται κατά την Αναγέννηση. Αργότερα εμφανίστηκε σε Αγγλία, Αυστρία, Γαλλία. Τελικά διαμορφώθηκε τον 18ο αιώνα. Στη Ρωσία, οι παραστάσεις μπαλέτου έχουν γίνει τακτικές από τη δεκαετία του '30. XVIII αιώνα Κατακτώντας την εμπειρία ξένων χορογράφων, μελετώντας τη λαϊκή χορογραφική κουλτούρα, ρωσικά. Οι δάσκαλοι του χορού δημιούργησαν σταδιακά ένα πρωτότυπο στυλ παράστασης, το ρωσικό. εθνική σχολή χορού, που τελικά διαμορφώθηκε στο δεύτερο μισό του 19ου αιώνα. Η κορυφή του θεάτρου μπαλέτου του 19ου αιώνα. Η ρωσική δημιουργικότητα έγινε οι χορογράφοι M. I. Petipa και L. I. Ivanov, οι οποίοι δημιούργησαν το στυλ του ακαδημαϊκού μπαλέτου («Η Λίμνη των Κύκνων», «Ωραία Κοιμωμένη», «Raymonda», «The Nutcracker»). Εμφανίστηκαν περίπλοκες συμφωνικές μορφές κλασικού χορού και ο Β. συναντήθηκε με τη μουσική των συμφωνικών συνθετών P. I. Tchaikovsky και A. K. Glazunov. Μέχρι τις αρχές του 20ου αιώνα. Β. μπήκε στο θησαυροφυλάκιο της εθνικής ρωσικής. πολιτισμού, ενώ το θέατρο μπαλέτου στη Δύση έπεσε σε παρακμή και εκφυλίστηκε σε ένα διασκεδαστικό θέαμα. Εκδρομές στο εξωτερικό ρωσικά. Ο Β. εκείνη την εποχή (οι παριζιάνικες εποχές του S. P. Diaghilev) ήταν, στην ουσία, η εκ νέου ανακάλυψη αυτού του είδους τέχνης για τους δυτικούς θεατές και έδωσε ώθηση στην αναβίωση του B. στον πληθυντικό αριθμό χωρών. Ο Σοβιετικός Β. κληρονόμησε τα καλύτερα από τους Ρώσους. Β., ανέπτυξε τα επιτεύγματά του, πρότεινε νέες ιδεολογικές και αισθητικές αρχές. Βασισμένο στα ρωσικά Ο Β. γέννησε τα εθνικά μπαλέτα των ενωσιακών δημοκρατιών, μαζί με αυτά διαμορφώνοντας την πολυεθνική σοβιετική τέχνη του μπαλέτου.

Υλικό από Uncyclopedia

Το μπαλέτο (από το λατινικό ballo - χορεύω) είναι ένα είδος σκηνικής τέχνης, το περιεχόμενο του οποίου αποκαλύπτεται σε χορευτικές και μουσικές εικόνες. Συνδυάζει αρμονικά τη μουσική, τη χορογραφία, τη ζωγραφική και τις παραστατικές τέχνες. Τα κύρια εκφραστικά μέσα στο μπαλέτο είναι ο χορός και η παντομίμα. Προέλευση διάφορα είδηΟ σκηνικός χορός (κλασικός, χαρακτηριστικός, γκροτέσκος) ανήκει στον λαϊκό χορό. Οι χορογραφικές παραστάσεις, όπως και οι δραματικές, μπορούν να χωριστούν σε τραγωδίες, κωμωδίες και μελοδράματα. Μπορεί να είναι πολύπρακτα ή μονόπρακτα, πλοκή ή χωρίς πλοκή και μπορεί να είναι μια χορογραφική μινιατούρα ή μια σύνθεση συναυλίας.

Από την εμφάνισή του στην Ευρώπη τον 16ο αιώνα. Το μπαλέτο προσέλκυε συνεχώς την προσοχή εξαιρετικών μορφών της θεατρικής τέχνης. Έτσι, ο Γάλλος κωμικός του 17ου αι. Ο J. B. Moliere εισήγαγε σκηνές μπαλέτου στα έργα του, τα οποία ονόμασε κωμωδίες-μπαλέτα.

Τους χορούς στις κωμωδίες-μπαλέτα του Μολιέρου και στις όπερες-μπαλέτα του J.B.Lully χορογράφησε ο Pierre Beauchamp (1636 - περ. 1719). Το 1661 ηγήθηκε της Βασιλικής Ακαδημίας Χορού στο Παρίσι. Ο Beauchamp καθιέρωσε πέντε βασικές θέσεις του κλασικού χορού (αρχικές θέσεις των ποδιών), στις οποίες βασίζεται η τεχνική του κλασικού χορού.

Στην αρχή, οι παραστάσεις μπαλέτου περιλάμβαναν χορό και μίμηση μαζί με φωνητικές παραστάσεις και λογοτεχνικό κείμενο.

Τον 18ο αιώνα η ανάπτυξη του μπαλέτου ως ανεξάρτητος τύποςΗ τέχνη συνέβαλε στις δραστηριότητες πολλών χορογράφων και ερμηνευτών σε διάφορες χώρες. Η Γαλλίδα μπαλαρίνα Marie Salleu (1707-1756) αντικατέστησε τα βαριά, ογκώδη ρούχα της χορεύτριας με ένα ελαφρύ φόρεμα που δεν περιόριζε την κίνηση. Ο σύγχρονος της, ο Άγγλος χορευτής και χορογράφος John Weaver (1673-1760), άρχισε για πρώτη φορά να σκηνοθετεί μπαλέτα με βάση την πλοκή και εγκατέλειψε το τραγούδι και την απαγγελία. Ο Αυστριακός χορογράφος Franz Hilferding (1710-1768) εισήγαγε αυθεντικές εικόνες στις παραγωγές του λαϊκή ζωή, πραγματικοί χαρακτήρες, μέσα από τα μέσα του μπαλέτου, αποκαλύπτοντας αληθινά τις εμπειρίες τους και το νόημα των πράξεών τους. Οι Γάλλοι χορευτές Louis Dupre (1697-1774) και Marie Camargo (1710-1770) βελτίωσαν την τεχνική του χορού. Η Marie Camargo πέτυχε μεγαλύτερη ελευθερία κινήσεων κοντύνοντας τη φούστα της και χάνοντας τα τακούνια.

Ο Γάλλος χορογράφος Jean Georges Nover (1727-1810) συνέβαλε πολύ στην ανάπτυξη του μπαλέτου. Στα μπαλέτα του «Ψυχή και Έρως», «Ο θάνατος του Ηρακλή», «Μήδεια και Ιάσονας», «Ιφιγένεια στον Ταύρο» και άλλα, έπαιξε ως καινοτόμος σκηνοθέτης. Δημιούργησε παραστάσεις που διακρίνονταν από τη λογική της δραματικής εξέλιξης. Η βάση των παραγωγών του ήταν η εκφραστική χορευτική παντομίμα. Έδινε μεγάλη σημασία στη μουσική, πιστεύοντας ότι «πρέπει να αντιπροσωπεύει ένα είδος προγράμματος που καθιερώνει και προκαθορίζει τις κινήσεις και το παιχνίδι κάθε χορευτή». Ο Νόβερ υποστήριξε τη φυσικότητα των συναισθημάτων και την αλήθεια των χαρακτήρων του μπαλέτου και εγκατέλειψε τις παραδοσιακές μάσκες που κάλυπταν τα πρόσωπα των ηθοποιών. Τεκμηρίωσε θεωρητικά την καινοτόμο εμπειρία του ως σκηνοθέτης στο βιβλίο «Γράμματα για τον χορό και τα μπαλέτα» (1759), βασιζόμενος στην αισθητική των εγκυκλοπαιδιστών φιλοσόφων του Διαφωτισμού.

Οι μαθητές και οι οπαδοί του Nover ήταν πολλοί ταλαντούχοι χορογράφοι, συμπεριλαμβανομένου του Jean Dauberval (1742-1806), συγγραφέα του δημοφιλούς πλέον μπαλέτου "Vain Precaution". Charles Louis Didelot (1767-1837), για πολύ καιρόπου εργάστηκε στη Ρωσία και συνέβαλε στην προώθηση του ρωσικού μπαλέτου σε μια από τις πρώτες θέσεις στην Ευρώπη.

Τον 19ο αιώνα Το θέατρο μπαλέτου γνώρισε τόσο εμπνευσμένες δημιουργικές ανόδους όσο και δραματική παρακμή. Το 1832, ο Ιταλός χορογράφος Filippo Taglioni (1777-1871) ανέβασε το μπαλέτο La Sylphide (μουσική J. Schneizhoffer), που σηματοδότησε την αρχή της εποχής του ρομαντισμού στη χορογραφική τέχνη. Οι πλοκές των ρομαντικών παραστάσεων λένε για το πώς, στην αιώνια επιθυμία του για ομορφιά και υψηλές πνευματικές αξίες, ένα άτομο έρχεται σε σύγκρουση με την πραγματικότητα γύρω του και μόνο στον απατηλό κόσμο των ονείρων μπορεί να βρει ένα ιδανικό και να βρει την ευτυχία. Ο Taglioni, αναπτύσσοντας τη λυρική κατεύθυνση της τέχνης του ρομαντισμού, εισήγαγε στο δραματικό ιστό του μπαλέτου εκτενείς χορευτικούς διαλόγους των χαρακτήρων, στους οποίους αποκαλύφθηκαν τα συναισθήματα και οι σχέσεις τους. Στις παραστάσεις του, το corps de ballet ανέπτυξε και συμπλήρωσε το σόλο μέρος του κύριου χαρακτήρα, που έπαιζε η κόρη του Maria Taglioni (1804-1884). Η εμπνευσμένη τέχνη αυτής της ταλαντούχας μπαλαρίνας έχει μείνει στην ιστορία του μπαλέτου. Ήταν η πρώτη που εισήγαγε τον χορό σε παπούτσια πουέντ (στις άκρες των δακτύλων), που ενίσχυσε την εκφραστικότητα της τέχνης του μπαλέτου.

Το έργο του Γάλλου χορογράφου Jules Joseph Perrault (1810-1892) προσωποποίησε μια άλλη κατεύθυνση του ρομαντισμού του μπαλέτου - τη δραματική. Οι ήρωές του πάλεψαν σκληρά για να υπερασπιστούν το δικαίωμά τους στην αγάπη, την ελευθερία και την ευτυχία. Ο Perrault συνήθως ανέβαζε τις παραστάσεις του με βάση τις πλοκές διάσημων λογοτεχνικών έργων - V. Hugo, G. Heine, J. V. Goethe. Ανέπτυξε προσεκτικά επεισόδια παντομίμας, συνδέοντάς τα οργανικά με τον χορό, και προσπάθησε να κάνει τις σκηνές του πλήθους ζωντανές και συναισθηματικές. Τα μπαλέτα του Perrault "Giselle" (μουσική A. Adam, που ανέβηκε μαζί με τον χορογράφο Jean Coralli, (1779-1854) και "Esmeralda" (μουσική C. Pugni) κοσμούν ακόμη το ρεπερτόριο πολλών θιάσων μπαλέτου. Η πρώτη ερμηνεύτρια της Giselle ήταν Carlotta Grisi (1819 -1899).

Η τέχνη της εξαιρετικής Αυστριακής μπαλαρίνας Fanny Elsler (1810-1884) συνδέεται με το ρομαντικό μπαλέτο.

Σημαντικό ρόλο στην ανάπτυξη του ρομαντικού μπαλέτου έπαιξε το έργο του Δανού χορογράφου August Bournonville (1805-1879), ο οποίος ανέβασε περισσότερες από 50 παραστάσεις με το Βασιλικό Μπαλέτο στην Κοπεγχάγη.

Από τα μέσα του 19ου αιώνα. φαινόμενα κρίσης ανακαλύπτονται στην τέχνη του μπαλέτου της Δυτικής Ευρώπης. Η αστική τάξη μπαίνει στον στίβο της κοινωνικοπολιτικής ζωής στις δυτικοευρωπαϊκές χώρες. Τα γούστα της γίνονται καθοριστικά στην τέχνη. Και τα ρομαντικά μπαλέτα με το βαθύ τους περιεχόμενο αντικαθίστανται από πομπώδη, ανούσια θεάματα. Οι θίασοι μπαλέτου διαλύονται και ακολουθεί μια παρατεταμένη περίοδος παρακμής. Η αναβίωση της τέχνης του μπαλέτου συνδέεται με παραστάσεις σε ΕσπερίαΡώσοι καλλιτέχνες - Anna Pavlova, Mikhail Fokin, Tamara Karsavina, Vaslav Nijinsky, Serge Lifar και άλλοι. Αυτές οι παραστάσεις, που είχαν μεγάλη επιτυχία και ονομάστηκαν Ρωσικές Εποχές, οργανώθηκαν από το 1907 από τον Σ. Π. Ντιάγκιλεφ. Το Ρωσικό Μπαλέτο του Ντιάγκιλεφ δημιούργησε νέες ομάδες μπαλέτου που ανανέωσαν τις παραδοσιακές μορφές κλασικού χορού.

Τον 20ο αιώνα Το μπαλέτο αναπτύσσεται με επιτυχία σε πολλές χώρες σε όλο τον κόσμο. Οι εξέχοντες μπαλέτες στη Δύση είναι οι Ninette de Valois, Frederick Ashton, Margot Fonteyn (Μ. Βρετανία), Roland Petit, Maurice Bejart, Yvette Chauvireux (Γαλλία), Agnes de Mille, George Balanchine, Jerome Robbins, Robert Joffrey (ΗΠΑ) και πολλοί άλλοι.

Οι σοσιαλιστικές χώρες συμβάλλουν στην ανάπτυξη του μπαλέτου (βλ. Θέατρο των Χωρών της Σοσιαλιστικής Κοινοπολιτείας). Έτσι, η τέχνη του θιάσου μπαλέτου της ταλαντούχας χορεύτριας και χορογράφου Alicia Alonso, που δημιουργήθηκε στην Κούβα το 1948, είναι γνωστή.

Στη Ρωσία, η ανάπτυξη της τέχνης του μπαλέτου πήγε με τον δικό της δρόμο. Ο πρώτος Ρώσος χορογράφος ήταν ο Ivan Ivanovich Walberkh (Lesogorov) (1766-1819), του οποίου το έργο κάλυψε τόσο λογοτεχνικά θέματα όσο και γεγονότα της σύγχρονης ζωής, ιδιαίτερα τον Πατριωτικό Πόλεμο του 1812. Χάρη στον Walberkh, καθιερώθηκε ένας ξεχωριστός τύπος εθνικής παράστασης στις η ρωσική σκηνή - διασκευή, που απεικονίζει ζωγραφιές τη ζωή των ανθρώπων.

Η ανάπτυξη του ρωσικού μπαλέτου διευκολύνθηκε από το έργο του Charles Louis Didelot. Μεταξύ των μαθητών του είναι ο χορογράφος Adam Glushkovsky (1793-1870), οι μπαλαρίνες Avdotya Istomina (1799-1848) και η Ekaterina Teleshova (1807-1857), που τραγουδούν οι A. S. Pushkin και A. S. Griboyedov. Ο Ντιντελότ εμπλούτισε το ρεπερτόριο του ρωσικού θεάτρου μπαλέτου με παραστάσεις στις οποίες κατήγγειλε την τυραννία και αποκάλυψε υψηλές ηθικές ιδιότητες απλοί άνθρωποι. Έθεσε τα θεμέλια για το μπαλέτο Pushkiniana, ανεβάζοντας το έργο «Ο φυλακισμένος του Καυκάσου, ή η σκιά της νύφης» (βασισμένο στο ποίημα του Πούσκιν) το 1823.

Εξέχων εκπρόσωπος του ρωσικού ρομαντικού μπαλέτου ήταν η μπαλαρίνα Ekaterina Sankovskaya (1816-1878), της οποίας η τέχνη εκτιμήθηκε ιδιαίτερα από τους V. G. Belinsky και A. I. Herzen.

Το Ρωσικό Θέατρο Μπαλέτου επεξεργάστηκε δημιουργικά τις ανακαλύψεις του δυτικού μπαλέτου και ανέβασε παραγωγές σύμφωνα με τις εθνικές παραδόσεις. Έτσι, στη ρωσική σκηνή, η συναισθηματική ιστορία της Ζιζέλ μετατράπηκε σε ένα ποίημα για ένα υψηλό, ανιδιοτελές συναίσθημα που νικά το κακό, το σκοτάδι και τον θάνατο. Και αυτό ήταν ένα σημαντικό πλεονέκτημα της πρώτης ερμηνεύτριας του ρόλου της Ζιζέλ στο ρωσικό θέατρο, της Έλενας Αντρεγιάνοβα (1819-1857).

Ο Marius Petipa, ο οποίος ήρθε στη Ρωσία το 1847, ανέβασε πάνω από 60 μπαλέτα στη σκηνή της Αγίας Πετρούπολης. Στις παραγωγές του με τα μπαλέτα L. Minkus «Don Quixote», P. I. Tchaikovsky «Sleeping Beauty» και «Swan Lake» (που ανέβηκαν μαζί με τον L. I. Ivanov), ο A. K. Glazunov «Raymonda» και άλλοι, αποκάλυψαν πλήρως το μοναδικό στυλ του Ρωσική σχολή κλασικού χορού, η οποία χαρακτηρίζεται από την ενσάρκωση του περιεχομένου μιας παράστασης μπαλέτου σε τέλειες ακαδημαϊκές μορφές. Ταλαντούχοι Ρώσοι χορευτές έπαιξαν στις παραστάσεις της Petipa - Elena Andreyanova, Pavel Gerdt, Matilda Kshesinskaya, Nikolai and Sergei Legaty, Olga Preobrazhenskaya, Anna Pavlova, Mikhail Fokin...

Την ίδια εποχή με τον Μ. Πετίπα στο Θέατρο Μαριίνσκι της Αγίας Πετρούπολης (τώρα Θέατρο Όπερας και Μπαλέτου του Λένινγκραντ που φέρει το όνομα του Σ. Μ. Κίροφ), ο υπέροχος χορογράφος Λεβ Ιβάνοβιτς Ιβάνοφ (1834-1901) εργάστηκε σε παραγωγές μπαλέτου. Μεταξύ των έργων του συγκαταλέγονται οι πολόβτσιοι χοροί στην όπερα του A. P. Borodin "Prince Igor", τα μπαλέτα του P. I. Tchaikovsky "The Nutcracker" και "Swan Lake" (μαζί με τον M. I. Petipa) και καθένα από αυτά μαρτυρεί έναν βαθύ μάστορα της χορογραφίας της μουσικής δραματουργίας του έργα, για την επιθυμία του να εκφράσει το περιεχόμενο της παράστασης σε τέλειες πλαστικές εικόνες.

Τέλη 19ου αιώνα - αυτή είναι η εποχή των καινοτόμων μεταρρυθμίσεων του P. I. Tchaikovsky στη μουσική του μπαλέτου, που υποστηρίχθηκαν και αναπτύχθηκαν στη συνέχεια από άλλους συνθέτες - A. K. Glazunov, I. F. Stravinsky, S. S. Prokofiev. Ο Τσαϊκόφσκι πίστευε ότι μια παράσταση μπαλέτου πρέπει να δομείται σύμφωνα με τους νόμους της μουσικής δραματουργίας, να εκφράζει τα πιο σύνθετα συναισθήματα και εμπειρίες της ανθρώπινης ψυχής και να επιβεβαιώνει την υπεροχή και την ποίηση των συναισθημάτων.

Στις αρχές του 20ου αιώνα, όταν το δυτικό θέατρο μπαλέτου περνούσε μια περίοδο κρίσης, στη Ρωσία, αντίθετα, η τέχνη του μπαλέτου γνώριζε μια δημιουργική έξαρση. Θίασοι μπαλέτου των θεάτρων Μαριίνσκι και Μπολσόι λειτουργούν με επιτυχία στην Αγία Πετρούπολη και τη Μόσχα. Στην Αγία Πετρούπολη στο Θέατρο Mariinsky, ο χορευτής και χορογράφος Mikhail Mikhailovich Fokin (1880-1942) διεξάγει μια δημιουργική αναζήτηση στο είδος του μονόπρακτου μπαλέτου σε δύο κατευθύνσεις: αναπτύσσει τις αρχές της σκηνοθεσίας ενός μπαλέτου με βάση τη συμφωνική μουσική (" Chopiniana» σε μουσική του F. Chopin) και ταυτόχρονα αναπτύσσει μια μορφή σαν αυτή το λεγόμενο plot ballet-play με αξιόπιστη ερμηνεία των γεγονότων, απεικόνιση των συναισθημάτων και των χαρακτήρων των χαρακτήρων, των σχέσεών τους («Αιγυπτιακά Νύχτες» του A. S. Arensky, «Petrushka» του I. F. Stravinsky κ.λπ.). Στη Μόσχα, στο Θέατρο Μπολσόι, ο Alexander Alekseevich Gorsky (1871-1924) ανέβασε τις παραγωγές του. Αυτή ήταν η εποχή της συγκρότησης του Θεάτρου Τέχνης της Μόσχας, με επικεφαλής τον K. S. Stanislavsky και τον Vl. Ι. Νεμίροβιτς-Νταντσένκο. Η αναζήτηση καινοτόμων στη θεατρική τέχνη καθήλωσε και συνέλαβε τον νεαρό Γκόρσκι. Και στις παραστάσεις του «Δον Κιχώτης» του Μίνκους, «Σαλαμπό» του Άρεντς κ.ά., επιδίωξε να εφαρμόσει τις αρχές των εξαιρετικών δεξιοτεχνών του θεάτρου στη σκηνή του μπαλέτου. Οι παραγωγές του Γκόρσκι διακρίθηκαν από ιστορική ακρίβεια, ακρίβεια δραματικής εξέλιξης και προσεκτικά αναπτυγμένα χαρακτηριστικά των χαρακτήρων.

Τέτοιοι υπέροχοι καλλιτέχνες όπως η Anna Pavlova, η Tamara Karsavina, ο Vaslav Nijinsky έπαιξαν στις παραστάσεις μπαλέτου του Fokine και στις παραγωγές του Gorsky - Ekaterina Geltser, Mikhail Mordkin, Vasily Tikhomirov και άλλοι.

Μετά τη Μεγάλη Οκτωβριανή Σοσιαλιστική Επανάσταση, ένα φωτεινό και πρωτότυπο φαινόμενο εμφανίστηκε στη σοβιετική τέχνη - ένα πολυεθνικό θέατρο μπαλέτου. Αναπτύχθηκε με βάση τη ρωσική σχολή κλασικού χορού. Με τη βοήθεια ταλαντούχων δασκάλων από τη Μόσχα και το Λένινγκραντ, κατανοώντας τα επιτεύγματα της ρωσικής σχολής μπαλέτου, κατακτώντας το ρεπερτόριό της, φιγούρες εθνικών χορογραφικών σκηνών έχτισαν σε αυτή τη βάση το αρχικό κτίριο του θεάτρου τους, χρησιμοποιώντας δημιουργικά εθνικά χαρακτηριστικάκαι καλλιτεχνικές παραδόσεις. Από τη δεκαετία του 20. Σε όλη τη σοβιετική χώρα δημιουργούνται επαγγελματικοί χορογραφικοί θίασοι. Τα εθνικά θέατρα μπαλέτου εμπλούτισαν αμοιβαία τη δημιουργική εμπειρία του άλλου, συμπεριλαμβανομένης της εμπειρίας του ρωσικού μπαλέτου. Τα μπαλέτα των K. F. Dankevich, A. M. Balanchivadze, K. A. Karaev, A. P. Skulte, S. A. Balasanyan, F. Z. Yarullin και άλλων εθνικών συνθετών κέρδισαν μεγάλη δημοτικότητα.

Μεταξύ των εξαιρετικών σοβιετικών χορογράφων που συνέβαλαν στο σχηματισμό Σοβιετικό μπαλέτο, - Fedor Vasilyevich Lopukhov (1886-1973) και Kasyan Yaroslavich Goleizovsky (1892-1970).

Η σοβιετική τέχνη μπαλέτου διακρίνεται από το βάθος και την ασάφεια του θεματικού περιεχομένου των παραστάσεων. Αναπτύσσοντας και εμπλουτίζοντας τις παραδόσεις της ρωσικής τέχνης χορού, οι Σοβιετικοί δάσκαλοι στρέφονται κυρίως στα έργα της κλασικής και σύγχρονης λογοτεχνίας - Λόπε ντε Βέγκα, Σαίξπηρ, Μπαλζάκ, Πούσκιν, Λερμόντοφ, Γκόγκολ, Ντοστογιέφσκι, Λέων Τολστόι, Τσέχοφ, Κουπρίν, Γκριν, Μπουλγκάκοφ, Aitmatov.. Τα μεγάλης κλίμακας ιδεολογικά, φιλοσοφικά και ηθικά προβλήματα που τίθενται στα καλύτερα έργα της παγκόσμιας λογοτεχνίας επιδιώκουν να πραγματοποιηθούν από τους Σοβιετικούς καλλιτέχνες μπαλέτου στη σκηνή με τα μέσα της τέχνης τους. Για παράδειγμα, ο συνθέτης B.V. Asafiev και ο χορογράφος R.V. Zakharov στο μπαλέτο "Bakhchisarai Fountain". κύρια ιδέαΤο ομώνυμο ποίημα του Πούσκιν, που διατυπώθηκε κάποτε από τον V. G. Belinsky: «αναγέννηση» μιας άγριας ψυχής μέσα από ένα υψηλό συναίσθημα αγάπης». Ο Rostislav Vladimirovich Zakharov (1907-1984) ξεκίνησε να κάνει την τέχνη του χορού μέσο έκφρασης βαθιών σκέψεων και συναισθημάτων που ενυπάρχουν στο έργο του Πούσκιν στη σκηνοθεσία του μπαλέτου.

Το μεγάλο ενδιαφέρον για την προβολή της εσωτερικής ζωής ενός ατόμου είναι μια από τις σημαντικές διακριτικές ιδιότητες του σοβιετικού θεάτρου μπαλέτου. Και ανεξάρτητα από το είδος σε ποιο είδος ανήκε η παράσταση - λαϊκό ιστορικό μπαλέτο-μυθιστόρημα ("The Flames of Paris", συνθέτης B.V. Asafiev, χορογράφος V.I. Vainonen), ηρωική τραγωδία ("Laurencia", A.A. Crane και V. M. Chabukiani), φιλοσοφικό και ψυχολογικό δράμα («Romeo and Juliet», S. S. Prokofiev and L. M. Lavrovsky), χορογραφική κωμωδία («The Young Lady-Peasant», B. V. Asafiev and R. V. Zakharov; «Mirandolina», S. N. Vasilenko and V. I. Vainonen), μπαλέτο-σκάζ, μπαλέτο -θρύλος ("Stone Flower", S. S. Prokofiev and Yu. N. Grigorovich; "Icarus", S. M. Slonimsky και V. V. Vasiliev), οι συγγραφείς του έλυναν πάντα το κύριο καθήκον - να παρουσιάσουν πλήρως στον θεατή ένα πρόσωπο με όλο τον πλούτο τις σκέψεις και τα συναισθήματά του, να δείξει μέσα από τα μέσα της πλαστικής απεικόνισης τον δρόμο ανάπτυξης του χαρακτήρα του, την απόκτηση υψηλών ηθικών αρχών.

Αυτή η προσέγγιση για την απεικόνιση του ήρωα μιας χορογραφικής παράστασης ξεκίνησε με το πρώτο σοβιετικό μπαλέτο, «The Red Poppy» του R. M. Gliere, που ανέβηκε στο Θέατρο Μπολσόι το 1927, με την ευκαιρία της 10ης επετείου της Οκτωβριανής Επανάστασης. Η Ekaterina Vasilievna Geltser (1876-1962) δημιούργησε στη σκηνή του μπαλέτου την εικόνα μιας σύγχρονης ηρωίδας - της κινεζικής χορεύτριας Tao Hoa, μεταφέροντας διακριτικά την πνευματική της αναβίωση υπό την επίδραση των ιδεών του Οκτωβρίου. Αυτές οι ιδέες προσωποποιήθηκαν στο μπαλέτο από τους ναύτες του σοβιετικού πλοίου, των οποίων η γενικευμένη ηρωική-παθητική εικόνα ενσαρκώνεται στο μεγάλης κλίμακας λαϊκό στοιχείο του χορού «Μήλο». Έτσι, στο "The Red Poppy" ορίστηκε ένα άλλο χαρακτηριστικό του σοβιετικού μπαλέτου - η ερμηνεία του ηρωικού θέματος ως ένα από τα πιο σημαντικά. Αυτό το θέμα στη συνέχεια αναπτύχθηκε και εμπλουτίστηκε σε έργα όπως τα ήδη ονομαζόμενα «Flames of Paris», «Laurencia» κ.λπ. Μια προσεκτικά σχεδιασμένη σκηνοθετική παρτιτούρα τόσο για σκηνές πλήθους όσο και για σόλο μέρη με τον ψυχολογισμό τους έκανε δυνατή και για το σώμα του μπαλέτου χορευτές και οι χορευτές του μπαλέτου για να αποκαλύψουν με ενδιαφέρον τη δημιουργική τους προσωπικότητα.

Στα τέλη της δεκαετίας του '60. Το έργο πάνω στο ηρωικό θέμα έλαβε νέα ώθηση χάρη στην καινοτόμο παραγωγή του Γιούρι Νικολάεβιτς Γκριγκόροβιτς (γενν. 1927) του μπαλέτου του Α. Ι. Χατσατουριάν «Σπάρτακος» στο Θέατρο Μπολσόι. Η διφορούμενη και βαθιά κατανόηση της εικονιστικής ουσίας του κλασικού χορού τον βοήθησε να δημιουργήσει έναν μεγαλοπρεπή σκηνικό καμβά, όπου τα γεγονότα της αρχαίας ιστορίας ερμηνεύονταν φιλοσοφικά από την οπτική της σημερινής πραγματικότητας, στην περίπλοκη συνένωση των ανθρώπινων σχέσεων, πράξεων, παθών, δυνατών , αποκαλύφθηκαν σημαντικοί χαρακτήρες και στις συγκρούσεις και τις συγκρούσεις τους ένας κύκλος αποκαλύφθηκαν σημαντικά ιδεολογικά και ηθικά προβλήματα για την εποχή μας.

Ο εμπλουτισμός του θεάτρου μπαλέτου με μοντέρνους τόνους, μια εις βάθος απεικόνιση των χαρακτήρων είναι εγγενείς σε όλα τα έργα του Yu N. Grigorovich - παραγωγές κλασικών μπαλέτων των P. I. Tchaikovsky και A. K. Glazunov και σύγχρονες παραστάσεις μπαλέτου ("Romeo and Juliet" , «The Stone Flower» του S. S. Prokofiev, «The Legend of Love» του A. D. Melikov, «Angara» του A. Eshpai, «The Golden Age» σε μουσική του D. D. Shostakovich).

Οι σύγχρονοι τόνοι είναι χαρακτηριστικοί των παραγωγών των σοβιετικών μπαλέτων ("The General Inspector", "The Knight in the Skin of a Tiger", "Θωρηκτό Potemkin"), που εκτελούνται από τον O. M. Vinogradov, επικεφαλής χορογράφο του Θεάτρου Όπερας και Μπαλέτου του Λένινγκραντ με το όνομα S. M. Kirov Ενδιαφέροντα έργα μπαλέτου γεννιούνται στις σκηνές άλλων πόλεων της χώρας μας.

Η αξιοσημείωτη ικανότητα των σοβιετικών χορευτών μπαλέτου είναι γνωστή σε όλο τον κόσμο.

Η μπαλαρίνα Marina Semenova έδειξε τις δυνατότητες του κλασικού χορού σε όλη την πληρότητα και τη λαμπρότητά του. Δημιούργησε τις εικόνες περήφανων, επαναστατημένων ηρωίδων στα μπαλέτα «Η Λίμνη των Κύκνων» του P. I. Tchaikovsky, «Raymond» του A. K. Glazunov, «Flames of Paris» του B. V. Asafiev.

Η μοναδική τέχνη της Galina Ulanova ενσαρκώνει καλύτερα χαρακτηριστικάτου ρωσικού μπαλέτου - εκφραστικότητα, βάθος, πνευματικότητα, κλασική τελειότητα της παράστασης. Οι εικόνες που δημιούργησε στη σκηνή της Mary («The Fountain of Bakhchisarai» του Asafiev), της Giselle («Giselle» του A. Adam), της Cinderella («Cinderella» του S. S. Prokofiev), της Juliet («Romeo and Juliet» του Prokofiev) και άλλοι είναι αξέχαστοι.

Η τέχνη της Natalia Dudinskaya χαρακτηρίζεται από ψυχολογικό βάθος και συναισθηματική εκφραστικότητα. Ήταν η πρώτη ερμηνεύτρια των κύριων ρόλων σε πολλά σοβιετικά μπαλέτα.

Τα ιδιαίτερα χαρακτηριστικά του ταλέντου της Olga Lepeshinskaya ήταν η αισιοδοξία και το ταμπεραμέντο, που εκδηλώθηκαν με ιδιαίτερη δύναμη στα μπαλέτα «Don Quixote» του L. Minkus, «The Flames of Paris» του Asafiev, «Cinderella» του Prokofiev κ.ά.

Η Μάγια Πλισέτσκαγια συνδυάζει στο έργο της τις παραδόσεις της ρωσικής χορογραφικής σχολής με τις καινοτόμες φιλοδοξίες του σοβιετικού μπαλέτου. Η δεξιοτεχνία της μπαλαρίνας αποτυπώνεται σε πολλούς από τους ρόλους που ερμήνευσε σε παραστάσεις κλασικού και μοντέρνου μπαλέτου. Από τους καλύτερους ρόλους της είναι η Odette και η Odile στη «Λίμνη των Κύκνων» του Τσαϊκόφσκι, η Carmen στη «Carmen Suite» των Bizet - Shchedrin, η Anna Karenina στο ομώνυμο μπαλέτο του R. K. Shchedrin κ.λπ.

Ο χορός της Raisa Struchkova είναι γεμάτος μοναδική χάρη και κομψότητα. Το καλλιτεχνικό της ταλέντο εκφράστηκε ξεκάθαρα στους ρόλους της Μαίρης, της Ιουλιέτας, της Σταχτοπούτας και σε ένα εκτεταμένο ρεπερτόριο συναυλιών.

Οι ερμηνευτικές δεξιότητες της Irina Kolpakova διακρίνονται από την κλασική εκφραστικότητα και την ομορφιά των μορφών. Η τέχνη της Marina Kondratieva ελκύει με την πνευματικότητα και τον βαθύ λυρισμό της.

Ο Asaf Messerer ήταν εξαιρετικός ερμηνευτής ρόλων σε κλασικά μπαλέτα.

Ο λυρικός ανδρικός χορός στη σοβιετική τέχνη του μπαλέτου βρήκε την πιο ζωντανή του ενσάρκωση στο έργο του Konstantin Sergeev, στους ρόλους του Vaclav (Το Σιντριβάνι του Bakhchisarai του Asafiev), του Romeo (Romeo and Juliet του Prokofiev) κ.λπ. Ανέβασε μια σειρά από μπαλέτα - Σταχτοπούτα του Προκόφιεφ, «Path of Thunder» του Karaev...

Η ηρωική αρχή ήταν εγγενής στην τέχνη του Alexei Ermolaev (1910-1975), ο οποίος ερμήνευσε τους ρόλους του Philip ("The Flames of Paris"), του Tybalt ("Romeo and Juliet") και άλλων.

Μία από τις πιο εξέχουσες προσωπικότητες της σοβιετικής τέχνης μπαλέτου ήταν ο Βαχτάνγκ Τσαμπουκιάνι. Είναι εντελώς στο στοιχείο του χορού, μια εμπνευσμένη παρόρμηση. Στις παραγωγές του «Heart of the Mountains» του A. M. Balanchivadze, «Othello» του A. D. Machavariani και στην ιδιοσυγκρασιακή απόδοση των κύριων ρόλων σε αυτά τα μπαλέτα, ο Chabukiani υποστήριξε τον θρίαμβο του ηρωικού ανδρικού χορού.

Όταν η Ekaterina Maksimova παίζει τον ρόλο της Kitri στον Δον Κιχώτη, ο λαμπρός χορός της εκφράζει τον χαρακτήρα μιας ιδιοσυγκρασιακής Ισπανίδας. Και στο μπαλέτο "Spartacus" του A. I. Khachaturian, δημιουργεί μια εντελώς διαφορετική εικόνα - μια τρυφερή, αφοσιωμένη και στη συνέχεια ραγισμένη στην καρδιά γυναίκα.

Ο Βλαντιμίρ Βασίλιεφ συνδυάζει ακατανόητη δεξιοτεχνία και λεπτές υποκριτικές δεξιότητες στη δουλειά του. Ο θαρραλέος Σπάρτακος και ο γενναίος Ίκαρος είναι όμορφοι στο ομώνυμο μπαλέτο του S. M. Slonimsky, από το οποίο ξεκίνησε η καριέρα του V. Vasiliev ως χορογράφου.

Η Natalia Bessmertnova αποκαλείται η «σοβιετική ρομαντική μπαλαρίνα» για την εμπνευσμένη ερμηνεία της σε ρόλους από το κλασικό και μοντέρνο ρεπερτόριο.

Η Nina Timofeeva, η Lyudmila Semenyaka, η Gabriela Komleva, ο Mikhail Lavrovsky, η Maris Liepa, ο Nikolai Fadeechev και πολλοί άλλοι καλλιτέχνες δόξασαν τη σχολή του σοβιετικού μπαλέτου σε όλο τον κόσμο.

Η μαθήτρια της Χορογραφικής Σχολής του Περμ, η Nadezhda Pavlova, τιμήθηκε με το υψηλότερο βραβείο στον Δεύτερο Διεθνή Διαγωνισμό Μπαλέτου στη Μόσχα. Το κοινό καλωσορίζει θερμά αυτήν την μπαλαρίνα, η οποία έχει γίνει σολίστ του θεάτρου Μπολσόι.

Η Τατζικέζικη μπαλαρίνα Malika Sabirova (1942-1982) ενσάρκωσε με ταλέντο το θέμα της αγάπης και της πίστης στη δουλειά της. Σε αυτήν καλύτερους ρόλουςπεριλαμβάνουν ρόλους στα μπαλέτα «Ζιζέλ», «Δον Κιχώτης», «Λέιλι και Ματζνούν».

Το ταλέντο της Elena Gvaramadze και της Vera Tsignadze άνθισε στην ηλιόλουστη Γεωργία. Η Κιργιζία μπαλαρίνα Byubyusara Beishenalieva (1926-1973) άφησε αξιοσημείωτο σημάδι στην τέχνη του σοβιετικού θεάτρου μπαλέτου. Η χορεύτρια μπαλέτου Larisa Sakhyanova, η οποία έχει γίνει τώρα δασκάλα νεαρών δασκάλων χορού της Buryatia, ενθουσίασε το κοινό της με την εκφραστικότητα του χορού. Επιφανείς εκπρόσωποι του σοβιετικού πολυεθνικού μπαλέτου είναι οι Ουκρανές χορεύτριες Έλενα Ποτάποβα και Βαλεντίνα Καλίνοφσκαγια. Οι μπαλαρίνες του Ουζμπεκιστάν Galia Izmailova και Bernard Karieva ενσάρκωσαν τους χαρακτήρες των απελευθερωμένων γυναικών της Σοβιετικής Ανατολής στους χορούς τους. Είναι γνωστά τα ονόματα των Λευκορώσων χορευτών μπαλέτου Lidia Ryazhenova, Lyudmila Brzhozovskaya, Yuri Troyan, της μπαλαρίνας του Αζερμπαϊτζάν Gamer Almaszade, του Αρμένιου χορευτή Vilen Galstyan και πολλών άλλων.

Το σοβιετικό μπαλέτο χειροκροτείται με ενθουσιασμό από το κοινό σε όλες τις ηπείρους. Εξέχοντες Σοβιετικοί καλλιτέχνες και ολόκληρες ομάδες μπαλέτου του θεάτρου Μπολσόι της Μόσχας και του Μουσικού Θεάτρου που ονομάζονται από τους K. S. Stanislavsky και Vl. Ο Ι. Νεμίροβιτς-Νταντσένκο, το Θέατρο του Λένινγκραντ με το όνομα του Σ. Μ. Κίροφ, το Θέατρο του Κιέβου με το όνομα του Τ. Γ. Σεφτσένκο και άλλα σοβιετικά θέατρα περιοδεύουν στο εξωτερικό με μεγάλη επιτυχία, προκαλώντας πάντα θαυμασμό για την αξεπέραστη τέχνη τους.

Στη χώρα μας δημιουργούνται νέοι ανεξάρτητοι χορογραφικοί θίασοι - θέατρα μπαλέτου, σύνολα κλασικού μπαλέτου, μπαλέτο δωματίου, πλαστικό δράμα. Αυτό βοηθά στον εντοπισμό νέων ταλέντων και τα βοηθά να έρθουν στην τέχνη.

Τι είναι το μπαλέτο, ιστορία του μπαλέτου

«Δεν θέλουμε απλώς να χορέψουμε, αλλά να μιλήσουμε μέσω του χορού»
Γ. Ουλανόβα

Ο εκπληκτικός, όμορφος και πολύπλευρος κόσμος του μπαλέτου δεν θα αφήσει κανέναν αδιάφορο. Αυτή η λέξη ακούστηκε για πρώτη φορά στην Ιταλία, το ίδιο το είδος προέκυψε στη Γαλλία, επιπλέον, το μπαλέτο είναι η πραγματική υπερηφάνεια της Ρωσίας, επιπλέον, τον 19ο αιώνα δημιουργήθηκε η ρωσική παράσταση ΠΙ. Τσαϊκόφσκι , έγινε γνήσιο παράδειγμα.

Διαβάστε για την ιστορία και τη σημασία αυτού του είδους στον πολιτιστικό εμπλουτισμό ενός ανθρώπου στη σελίδα μας.

Τι είναι το μπαλέτο;

Πρόκειται για ένα μουσικό και θεατρικό είδος στο οποίο πολλά είδη τεχνών συνδέονται στενά. Έτσι, η μουσική, ο χορός, η ζωγραφική, η δραματική και καλές τέχνεςενώνονται μεταξύ τους, χτίζοντας μια συνεκτική παράσταση που ξετυλίγεται μπροστά στο κοινό στη σκηνή του θεάτρου. Μετάφραση από τα ιταλικά, η λέξη «μπαλέτο» σημαίνει «χορεύω».

Πότε ξεκίνησε το μπαλέτο;

Η πρώτη αναφορά του μπαλέτου χρονολογείται από τον 15ο αιώνα, υπάρχουν πληροφορίες ότι ο δάσκαλος χορού Domenico da Piacenza πρότεινε να συνδυαστούν αρκετοί χοροί για την επόμενη μπάλα, να γράψουν ένα επίσημο φινάλε για αυτούς και να τους χαρακτηρίσουν ως μπαλέτο.

Ωστόσο, το ίδιο το είδος προέκυψε λίγο αργότερα στην Ιταλία. Το σημείο εκκίνησης είναι το 1581 ήταν αυτή την εποχή στο Παρίσι που ο Μπαλταζαρίνι ανέβασε την παράστασή του βασισμένη στο χορό και τη μουσική.Τον 17ο αιώνα, οι μικτές παραστάσεις (όπερα και μπαλέτο) έγιναν δημοφιλείς. Παράλληλα, μεγαλύτερη σημασία σε τέτοιες παραγωγές δίνεται στη μουσική παρά στον χορό. Μόνο χάρη στο αναμορφωτικό έργο του Γάλλου χορογράφου Jean Georges Novera, το είδος αποκτά κλασικά περιγράμματα με τη δική του «χορογραφική γλώσσα».

Ο σχηματισμός του είδους στη Ρωσία

Υπάρχουν πληροφορίες ότι η πρώτη παράσταση «Το Μπαλέτο του Ορφέα και της Ευρυδίκης» παρουσιάστηκε τον Φεβρουάριο του 1673 στην αυλή του Τσάρου Αλεξέι Μιχαήλοβιτς. Ο πιο ταλαντούχος χορογράφος Charles-Louis Didelot συνέβαλε πολύ στη διαμόρφωση του είδους. Ωστόσο, ο διάσημος συνθέτης θεωρείται πραγματικός μεταρρυθμιστής ΠΙ. Τσαϊκόφσκι . Στο έργο του συντελείται η διαμόρφωση του ρομαντικού μπαλέτου. ΠΙ. Ο Τσαϊκόφσκι έδωσε ιδιαίτερη προσοχή στη μουσική, μετατρέποντάς την από συνοδευτικό στοιχείο σε ένα ισχυρό εργαλείο που βοηθά τον χορό να αποτυπώνει διακριτικά και να αποκαλύπτει συναισθήματα και συναισθήματα. Ο συνθέτης μεταμόρφωσε τη μορφή της μουσικής μπαλέτου και έχτισε επίσης μια ενιαία συμφωνική ανάπτυξη.Το έργο του A. Glazunov έπαιξε επίσης σημαντικό ρόλο στην ανάπτυξη του μπαλέτου (" Ραϊμόντα "), Ι. Στραβίνσκι (" Firebird ", "Η ιεροτελεστία της άνοιξης", " Μαϊντανός "), καθώς και το έργο των χορογράφων Μ. Πετίπα , Λ. Ιβάνοβα, Μ. Φωκίνα. Η δημιουργικότητα ξεχωρίζει στον νέο αιώνα Σ. Προκόφιεφ , Ντ. Σοστακόβιτς, R. Gliera , A. Khachaturyan.
Τον 20ο αιώνα, οι συνθέτες άρχισαν να ψάχνουν για να ξεπεράσουν τα στερεότυπα και τους καθιερωμένους κανόνες.

Ποια είναι η μπαλαρίνα;

Δεν αποκαλούνταν μπαλαρίνα όλοι όσοι χορεύουν στο μπαλέτο. Αυτός είναι ο υψηλότερος τίτλος που έλαβαν οι χορευτές όταν πέτυχαν μια ορισμένη καλλιτεχνική αξία, καθώς και αρκετά χρόνια μετά τη δουλειά στο θέατρο. Αρχικά, όλοι όσοι αποφοίτησαν από τη Σχολή Θεάτρου έγιναν δεκτοί ως χορευτές μπαλέτου, με σπάνιες εξαιρέσεις ως σολίστ. Κάποιοι από αυτούς κατάφεραν να πετύχουν τον τίτλο της μπαλαρίνας μετά από δύο ή τρία χρόνια δουλειάς, άλλοι μόνο πριν από τη συνταξιοδότηση.

Κύρια Εξαρτήματα

Τα κύρια συστατικά του μπαλέτου είναι ο κλασικός χορός, ο χορός χαρακτήρων και η παντομίμα.Ο κλασικός χορός κατάγεται από τη Γαλλία. Είναι απίστευτα ευέλικτο και κομψό. Οι σόλο χοροί λέγονται παραλλαγές και αντάγιοι. Για παράδειγμα, το γνωστό Adagio από το μπαλέτο του P. I. Tchaikovsky. Επιπλέον, αυτοί οι αριθμοί μπορούν να εκτελεστούν και σε χορούς συνόλου.

Εκτός από τους σολίστ, στη δράση συμμετέχει και το corps de ballet, δημιουργώντας σκηνές πλήθους.
Συχνά είναι χαρακτηριστικοί οι χοροί του corps de ballet. Για παράδειγμα, ο «Ισπανικός Χορός» από τη «Λίμνη των Κύκνων». Αυτός ο όρος αναφέρεται στους λαϊκούς χορούς που εισάγονται στην παράσταση.

Ταινίες για το μπαλέτο

Το μπαλέτο είναι μια πολύ δημοφιλής μορφή τέχνης, η οποία αντικατοπτρίζεται και στον κινηματογράφο. Υπάρχουν πολλοί όμορφοι πίνακες για το μπαλέτο, οι οποίοι μπορούν να χωριστούν σε τρεις μεγάλες κατηγορίες:

1. Οι ταινίες ντοκιμαντέρ είναι ντοκιμαντέρ μιας παράστασης μπαλέτου, μέσω των οποίων μπορείτε να γνωρίσετε τη δουλειά μεγάλων χορευτών.
2. Ταινία-μπαλέτο - τέτοιες ταινίες δείχνουν επίσης την ίδια την παράσταση, αλλά η δράση δεν λαμβάνει χώρα πλέον στη σκηνή. Για παράδειγμα, η ταινία «Romeo and Juliet» (1982), σε σκηνοθεσία Paul Zinner, όπου τους κύριους ρόλους έπαιξαν οι διάσημοι R. Nureyev και C. Fracci. «The Tale of the Little Humpbacked Horse» (1961), όπου κύριο ρόλοερμηνεύει η Μάγια Πλισέτσκαγια.
3. Ταινίες μεγάλου μήκους, η δράση των οποίων σχετίζεται με το μπαλέτο. Τέτοιες ταινίες σου επιτρέπουν να βυθιστείς στον κόσμο αυτής της τέχνης και μερικές φορές τα γεγονότα σε αυτές εκτυλίσσονται με φόντο μια παραγωγή ή μιλάνε για όλα όσα συμβαίνουν στο θέατρο. Μεταξύ τέτοιων ταινιών, το Proscenium, μια αμερικανική ταινία σε σκηνοθεσία του Nicholas Hytner, που είδε το κοινό το 2000, αξίζει ιδιαίτερης προσοχής.
4. Ιδιαίτερη αναφορά πρέπει να γίνει στις βιογραφικές ταινίες: «Margot Fonteyn» (2005), «Anna Pavlova» και πολλές άλλες.

Δεν μπορεί κανείς να αγνοήσει την ταινία του 1948 «The Red Shoes» σε σκηνοθεσία M. Powell και E. Pressburger. Η ταινία εισάγει τους θεατές σε μια παράσταση βασισμένη στο διάσημο παραμύθι του Άντερσεν και βυθίζει το κοινό στον κόσμο του μπαλέτου.

Ο σκηνοθέτης Stephen Daldry παρουσίασε την ταινία «Billy Elliot» στο κοινό το 2001. Αφηγείται την ιστορία ενός 11χρονου αγοριού από μια οικογένεια ορυχείων που αποφασίζει να γίνει χορεύτρια. Παίρνει μια μοναδική ευκαιρία και μπαίνει στη Σχολή Βασιλικού Μπαλέτου.

Η ταινία «Giselle Mania» (1995), σε σκηνοθεσία Alexei Uchitel, θα μυήσει τους θεατές στη ζωή της θρυλικής Ρωσίδας χορεύτριας Olga Spesivtseva, την οποία οι σύγχρονοί της ονόμασαν Red Giselle.

Το 2011 κυκλοφόρησε στην τηλεόραση η αναγνωρισμένη ταινία «Black Swan» του Darren Aronofsky, η οποία δείχνει τη ζωή του θεάτρου μπαλέτου από μέσα.

Το σύγχρονο μπαλέτο και το μέλλον του

Το σύγχρονο μπαλέτο είναι πολύ διαφορετικό από το κλασικό μπαλέτο με πιο τολμηρά κοστούμια και ελεύθερη ερμηνεία χορού. Τα κλασικά περιελάμβαναν πολύ αυστηρές κινήσεις, σε αντίθεση με το μοντέρνο, που καταλληλότερα ονομάζεται ακροβατικό. Πολλά σε αυτή την περίπτωση εξαρτώνται από το επιλεγμένο θέμα και την ιδέα της παράστασης. Με βάση αυτό, ο σκηνοθέτης επιλέγει ήδη ένα σύνολο χορογραφικών κινήσεων. Στις σύγχρονες παραστάσεις, οι κινήσεις μπορούν να δανειστούν από εθνικούς χορούς, νέες κατευθύνσεις πλαστικών τεχνών και υπερσύγχρονα χορευτικά κινήματα. Η ερμηνεία πραγματοποιείται επίσης με έναν νέο τρόπο, για παράδειγμα, η περίφημη παραγωγή της Λίμνης των Κύκνων του Μάθιου Μπερν, στην οποία τα κορίτσια αντικαταστάθηκαν από άνδρες. Τα έργα του χορογράφου B. Eifman είναι μια πραγματική φιλοσοφία στον χορό, αφού κάθε μπαλέτο του εμπεριέχει ένα βαθύ νόημα. Μια άλλη τάση στη σύγχρονη απόδοση είναι η ασάφεια των ορίων του είδους και θα ήταν πιο σωστό να την ονομάσουμε multi-genre. Είναι πιο συμβολικό σε σύγκριση με το κλασικό, και χρησιμοποιεί πολλά εισαγωγικά και αναφορές. Ορισμένες παραστάσεις χρησιμοποιούν την αρχή του μοντάζ της κατασκευής και η παραγωγή αποτελείται από ανόμοια θραύσματα (καρέ), τα οποία όλα μαζί συνθέτουν το συνολικό κείμενο.

Επιπλέον, σε όλη τη διάρκεια σύγχρονο πολιτισμόΥπάρχει τεράστιο ενδιαφέρον για διάφορα ριμέικ και το μπαλέτο δεν αποτελεί εξαίρεση. Ως εκ τούτου, πολλοί σκηνοθέτες προσπαθούν να αναγκάσουν το κοινό να κοιτάξει κλασική έκδοσηέναντι. Τα νέα αναγνώσματα είναι ευπρόσδεκτα και όσο πιο πρωτότυπα είναι, τόσο μεγαλύτερη επιτυχία τους περιμένει.

Η παντομίμα είναι ένα εκφραστικό παιχνίδι που χρησιμοποιεί χειρονομίες και εκφράσεις του προσώπου.

Στις σύγχρονες παραγωγές, οι χορογράφοι διευρύνουν το καθιερωμένο πλαίσιο και τα όρια, εκτός από τα κλασικά στοιχεία, προστίθενται γυμναστικοί και ακροβατικοί αριθμοί, καθώς και σύγχρονοι χορός (μοντέρνος, ελεύθερος χορός). Αυτή η τάση εμφανίστηκε τον 20ο αιώνα και δεν έχει χάσει τη σημασία της.

Μπαλέτο– ένα σύνθετο και πολύπλευρο είδος στο οποίο πολλά είδη τέχνης είναι στενά συνυφασμένα. Κανείς δεν μπορεί να μείνει ασυγκίνητος από τις χαριτωμένες κινήσεις των χορευτών, το εκφραστικό τους παίξιμο και τους μαγευτικούς ήχους της κλασικής μουσικής. Απλά φανταστείτε πώς το μπαλέτο θα διακοσμήσει τις διακοπές, θα γίνει ένα πραγματικό μαργαριτάρι οποιουδήποτε γεγονότος.

Το πιο όμορφο από όλες τις τέχνες, το μπαλέτο, αφηγείται ιστορίες αγάπης και θανάτου σε μια γλώσσα κατανοητή σε όλους τους ανθρώπους στη Γη. Διαρκείς αξίες, αλλεπάλληλα εγκλήματα και θαύματα πίστης, όρκου και καθήκοντος βρίσκουν την έκφρασή τους στο χορό. «Στην αρχή υπήρχε ο Λόγος», λέει η Βίβλος, αλλά η Μάγια Πλισέτσκαγια αντιτίθεται: «Στην αρχή υπήρχε μια χειρονομία!» Η τέχνη της σιωπηλής κίνησης δεν απαιτεί ανθρώπινη γλώσσα ή μετάφραση. Η ομορφιά του σώματος στην κίνηση, το σώμα ως όργανο για τη δημιουργία τέχνης, πλέον λειτουργούν ως «πλοκές» για χορούς χωρίς πλοκή. Το μπαλέτο είναι αδύνατο χωρίς την τεχνική του κλασικού χορού, χωρίς τη φύση του σώματος, χωρίς θυσίες και αγάπη άνευ όρων, χωρίς ιδρώτα και αίμα. Κι όμως το μπαλέτο είναι μια τέλεια κίνηση που σε κάνει να ξεχνάς οτιδήποτε μικρό και γήινο.

Μια σύντομη ιστορία του ρωσικού μπαλέτου.

Η πρώτη παράσταση μπαλέτου στη Ρωσία πραγματοποιήθηκε στη Maslenitsa στις 17 Φεβρουαρίου 1672 στην αυλή του Τσάρου Alexei Mikhailovich στο Preobrazhenskoye. Πριν από την έναρξη της παράστασης, ο ηθοποιός που υποδύεται τον Ορφέα ανέβηκε στη σκηνή και τραγούδησε γερμανικά δίστιχα, μεταφρασμένα στον Τσάρο από μεταφραστή, στα οποία εξυμνήθηκαν οι υπέροχες ιδιότητες της ψυχής του Αλεξέι Μιχαήλοβιτς. Εκείνη την εποχή, στις δύο πλευρές του Ορφέα στέκονταν δύο πυραμίδες στολισμένες με πανό και φωτισμένες με πολύχρωμα φώτα, οι οποίες μετά το τραγούδι του Ορφέα άρχισαν να χορεύουν. Κάτω από τον Πέτρο Α, οι χοροί εμφανίστηκαν στη Ρωσία σύγχρονη έννοιααυτής της λέξης: εισήχθησαν μινυέτες, χοροί της χώρας κ.λπ. Εξέδωσε ένα διάταγμα σύμφωνα με το οποίο ο χορός έγινε το κύριο μέρος της εθιμοτυπίας του δικαστηρίου και οι ευγενείς νέοι ήταν υποχρεωμένοι να μάθουν χορό. Το 1731 άνοιξε το Land Noble Corps στην Αγία Πετρούπολη, το οποίο έμελλε να γίνει το λίκνο του ρωσικού μπαλέτου. Δεδομένου ότι οι απόφοιτοι του σώματος στο μέλλον αναμενόταν να καταλάβουν υψηλές κυβερνητικές θέσεις και χρειάζονταν γνώση των κοσμικών τρόπων, η μελέτη των καλών τεχνών, συμπεριλαμβανομένων χορός στην αίθουσα χορού, διατέθηκε σημαντικός χώρος στο κτίριο. Στις 4 Μαΐου 1738, ο Γάλλος χορευτής Jean Baptiste Lande άνοιξε την πρώτη σχολή χορού μπαλέτου στη Ρωσία - "Dancing Her" Αυτοκρατορική Μεγαλειότητασχολείο» (τώρα η Ακαδημία Ρωσικού Μπαλέτου με το όνομα A. Ya. Vaganova).

Σε ειδικά εξοπλισμένα δωμάτια του Winter Palace, ο Lande άρχισε να εκπαιδεύει 12 αγόρια και κορίτσια από τη Ρωσία. Οι μαθητές επιλέχθηκαν από παιδιά απλής καταγωγής. Η εκπαίδευση στο σχολείο ήταν δωρεάν, οι μαθητές υποστηρίχθηκαν πλήρως. Το μπαλέτο έλαβε περαιτέρω ανάπτυξη στη Ρωσία κατά τη διάρκεια της βασιλείας της Elizabeth Petrovna. Μεταξύ των μαθητών του Σώματος εδάφους, ο Nikita Beketov διέπρεψε στο χορό. Επιπλέον, ο Beketov, ο οποίος αργότερα έγινε ο αγαπημένος της Ελισάβετ, απολάμβανε την ιδιαίτερη εύνοια της αυτοκράτειρας, η οποία έντυσε η ίδια τον νεαρό, ο οποίος ερμήνευσε εξαιρετικά γυναικείους ρόλους. Το 1742 δημιουργήθηκε ο πρώτος θίασος μπαλέτου από μαθητές της σχολής Lande και το 1743 άρχισαν να καταβάλλονται δίδακτρα στους συμμετέχοντες. Την 1η Αυγούστου 1759, στην ονομαστική εορτή της αυτοκράτειρας και με αφορμή τη νίκη επί των πρωσικών στρατευμάτων στη Φρανκφούρτη, ανέβηκε πανηγυρικά το δράμα μπαλέτου «Καταφύγιο της Αρετής», το οποίο γνώρισε τεράστια επιτυχία.

Κατά τη διάρκεια της βασιλείας της Αικατερίνης Β, το μπαλέτο στη Ρωσία απέκτησε ακόμη μεγαλύτερη δημοτικότητα και αναπτύχθηκε περαιτέρω. Με αφορμή τη στέψη της, δόθηκε στο παλάτι της Μόσχας πολυτελές μπαλέτο «Χαρούμενη Επιστροφή στους Αρκαδικούς Ποιμενικούς και Ποιμένες της Θεάς της Άνοιξης» στο οποίο συμμετείχαν οι ευγενέστεροι ευγενείς. Είναι γνωστό ότι ο διάδοχος του θρόνου, Πάβελ Πέτροβιτς, χόρευε συχνά σε παραστάσεις μπαλέτου στο δικαστήριο. Από την εποχή της Αικατερίνης ΙΙ, μια παράδοση μπαλέτων δουλοπάροικων εμφανίστηκε στη Ρωσία, όταν οι γαιοκτήμονες δημιούργησαν θιάσους αποτελούμενους από δουλοπάροικους αγρότες. Από αυτά τα μπαλέτα, το μπαλέτο του γαιοκτήμονα Nashchokin απολάμβανε τη μεγαλύτερη φήμη.

Το 1766, ο χορογράφος και συνθέτης Gasparo Angiolini, που απολύθηκε από τη Βιέννη, πρόσθεσε μια ρωσική γεύση στις παραστάσεις μπαλέτου - εισήγαγε μουσική συνοδείαπαραστάσεις μπαλέτου ρωσικών μελωδιών, που εξέπληξαν τους πάντες και κέρδισαν παγκόσμιο έπαινο. Στην αρχή της βασιλείας του Παύλου Α, το μπαλέτο ήταν ακόμα στη μόδα. Είναι ενδιαφέρον ότι υπό τον Παύλο Ι, εκδόθηκαν ειδικοί κανόνες για το μπαλέτο - διατάχθηκε να μην υπάρχει ούτε ένας άνδρας στη σκηνή κατά τη διάρκεια της παράστασης, οι ρόλοι των ανδρών χόρεψαν η Evgenia Kolosova και η Nastasya Berilova.

Αυτό συνεχίστηκε μέχρι που έφτασε ο Ογκίστ Πουαρό στην Αγία Πετρούπολη. Κατά τη διάρκεια της βασιλείας του Αλέξανδρου Α', το ρωσικό μπαλέτο συνέχισε την ανάπτυξή του, φτάνοντας σε νέα ύψη. Το ρωσικό μπαλέτο οφείλει την επιτυχία του αυτή την εποχή, πρώτα απ 'όλα, στον προσκεκλημένο Γάλλο χορογράφο Carl Didelot, ο οποίος έφτασε στη Ρωσία το 1801. Υπό την ηγεσία του, χορεύτριες όπως η Μαρία Ντανίλοβα και η Ευδοκία Ιστομίνα άρχισαν να λάμπουν στο ρωσικό μπαλέτο. Αυτή τη στιγμή, το μπαλέτο στη Ρωσία πέτυχε πρωτοφανή δημοτικότητα. Οι Derzhavin, Pushkin και Griboyedov τραγούδησαν τα μπαλέτα του Didelot και των μαθητών του - Istomin και Teleshova. Ο Αυτοκράτορας λάτρευε τις παραστάσεις μπαλέτου και σχεδόν ποτέ δεν έχασε ούτε μία. Το 1831, ο Ντιντελότ εγκατέλειψε τη σκηνή της Αγίας Πετρούπολης λόγω σύγκρουσης με τον σκηνοθέτη του θεάτρου πρίγκιπα Γκαγκάριν. Σύντομα ένα αστέρι άρχισε να λάμπει στη σκηνή της Αγίας Πετρούπολης Ευρωπαϊκό μπαλέτο Maria Taglioni.

Έκανε το ντεμπούτο της στις 6 Σεπτεμβρίου 1837 στο μπαλέτο La Sylphide και ενθουσίασε το κοινό. Τέτοια ελαφρότητα, τέτοια αγνή χάρη, τέτοια εξαιρετική τεχνική και εκφράσεις προσώπου δεν έχουν δείξει ποτέ κανένας από τους χορευτές. Το 1841, αποχαιρέτησε την Αγία Πετρούπολη, έχοντας χορέψει περισσότερες από 200 φορές σε αυτό το διάστημα.

Το 1848, η αντίπαλός του Taglioni, η Fanny Elsler, διάσημη για τη χάρη και τις εκφράσεις του προσώπου της, ήρθε στην Αγία Πετρούπολη. Ακολουθώντας την, η Carlotta Grisi επισκέφτηκε την Αγία Πετρούπολη, η οποία έκανε το ντεμπούτο της το 1851 στη «Giselle» και γνώρισε μεγάλη επιτυχία, δείχνοντας ότι είναι πρώτης τάξεως χορεύτρια και εξαιρετική ηθοποιός μιμητής. Εκείνη την εποχή, οι χορογράφοι Marius Petipa, Joseph Mazilier και άλλοι σκηνοθέτησαν με συνέπεια πολυτελή μπαλέτα και, προσελκύοντας ταλαντούχους καλλιτέχνες, προσπάθησαν να παρουσιάσουν παραστάσεις μπαλέτου, οι οποίες άρχισαν να κρυώνουν χάρη στην ιταλική όπερα. Μεταξύ των κριτικών μπαλέτου εκείνης της εποχής ήταν ο Βισάριον Μπελίνσκι, ο οποίος έγραψε άρθρα για τον Ταλιόνι, τον Γκουερίνο και τη Σανκόφσκαγια. Κατά τη διάρκεια της βασιλείας του Αλεξάνδρου Β', ξεκίνησε η προώθηση εγχώριων ταλέντων στο ρωσικό μπαλέτο. Μια σειρά από ταλαντούχους Ρώσους χορευτές κόσμησαν τη σκηνή του μπαλέτου. Παρόλο που παρατηρήθηκε μεγάλη οικονομία στις παραγωγές μπαλέτου, η εμπειρία της Mariyca Petipa κατέστησε δυνατή τη δημιουργία κομψών παραστάσεων μπαλέτου με χαμηλό οικονομικό κόστος, η επιτυχία των οποίων διευκολύνθηκε πολύ από την εξαιρετική διακόσμηση των καλλιτεχνών. Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου ανάπτυξης του ρωσικού μπαλέτου, ο χορός υπερισχύει της πλαστικότητας και των εκφράσεων του προσώπου.

Κατά τη διάρκεια της βασιλείας του Αλεξάνδρου Γ', τα μπαλέτα δίνονταν στο θέατρο Μαριίνσκι δύο φορές την εβδομάδα - τις Τετάρτες και τις Κυριακές. Ο χορογράφος ήταν ακόμα ο Marius Petipa. Αυτή την περίοδο, ξένες μπαλαρίνες έκαναν περιοδεία στην Αγία Πετρούπολη, μεταξύ των οποίων η Carlotta Brianza, η οποία ήταν η πρώτη που ερμήνευσε το ρόλο της Aurora στο μπαλέτο «Η Ωραία Κοιμωμένη» του Pyotr Tchaikovsky. Οι κορυφαίοι χορευτές ήταν ο Vasily Geltser και ο Nikolai Domashev. Τον 20ο αιώνα - A. V. Shiryaev, 1904 A. A. Gorsky, 1906 Mikhail Fokin, 1909. Στις αρχές του 20ου αιώνα, οι θεματοφύλακες των ακαδημαϊκών παραδόσεων ήταν οι καλλιτέχνες: Olga Preobrazhenskaya, Matilda Kshesinskaya, Vera Trefilovaed, Yu Vaganova , Olga Spesivtseva. Αναζητώντας νέες μορφές, ο Μιχαήλ Φόκιν βασίστηκε στη σύγχρονη τέχνη.

Άννα Πάβλοβα. Πρόσκληση στο Χορό aka Πρόσκληση στο valse.

Η αγαπημένη σκηνική μορφή του χορογράφου ήταν το μονόπρακτο μπαλέτο με λακωνική συνεχή δράση και σαφώς καθορισμένο στυλιστικό χρωματισμό. Ο Mikhail Fokine έχει τα ακόλουθα μπαλέτα: «Pavilion of Armida», «Chopiniana», «Egyptian Nights», «Carnival», 1910; "Petrushka", "Polovtsian Dances" στην όπερα "Prince Igor". Η Tamara Karsavina, ο Vaslav Nijinsky και η Anna Pavlova έγιναν διάσημοι στα μπαλέτα του Fokine. Η πρώτη πράξη του μπαλέτου «Don Quixote», σε μουσική του Ludwig Minkus, έφτασε στους σύγχρονους στην έκδοση του Alexander Gorsky.

Ρωσικό μπαλέτο του εικοστού αιώνα.

Η Galina Ulanova στο μπαλέτο "Giselle".

Pas de deux από το μπαλέτο «Η Λίμνη των Κύκνων» του Τσαϊκόφσκι.

Ρωσικό μπαλέτο του 21ου αιώνα.

Pas de deux από το μπαλέτο «Corsair» των Adana.

Pas de deux από το μπαλέτο «Δον Κιχώτης» του Μίνκους.

Pas de deux από το μπαλέτο «La Bayadère» του Minkus.

Adagio και pas de deux από το μπαλέτο «Giselle» του Adam.

- (από το ελληνικό ballizein στο χορό). Θεατρικές παραστάσεις με συνοδεία μουσικής, στις οποίες οι χαρακτήρες εκφράζουν διάφορα πάθη όχι με λόγια, αλλά αποκλειστικά με κινήσεις του προσώπου και χορούς. Λεξικό ξένων λέξεων που περιλαμβάνεται στο... Λεξικό ξένων λέξεων της ρωσικής γλώσσας

Από τα μέσα της δεκαετίας του '30. XVIII αιώνα Στην Αγία Πετρούπολη, οι παραστάσεις μπαλέτου στο γήπεδο έγιναν τακτικές. Το 1738, άνοιξε η πρώτη ρωσική σχολή μπαλέτου στην Αγία Πετρούπολη (από το 1779 η Σχολή Θεάτρου), η οποία περιλάμβανε μαθήματα μπαλέτου (τώρα Χορογραφική Σχολή). ... Αγία Πετρούπολη (εγκυκλοπαίδεια)

- (Γαλλικό μπαλέτο από ιταλικό μπαλέτο), ένα είδος σκηνικής τέχνης, το περιεχόμενο του οποίου αποκαλύπτεται σε χορευτικές και μουσικές εικόνες. Το μπαλέτο άρχισε να διαμορφώνεται στην Ευρώπη τον 16ο αιώνα. Η ακμή του συνδέεται με τον ρομαντισμό, που έβαλε μπροστά, ξεκινώντας από το δεύτερο τρίτο... ... Μεγάλο Εγκυκλοπαιδικό Λεξικό

ΜΠΑΛΕΤΟ, μπαλέτο, σύζυγος. (Γαλλικό μπαλέτο). 1. Μια θεατρική παράσταση βασισμένη σε μια συγκεκριμένη πλοκή από χορούς και παντομίμες με μουσική. Πήγαινε στο μπαλέτο. || Ένα μουσικό κομμάτι που προορίζεται για μια τέτοια παράσταση. Η ορχήστρα ερμήνευσε ένα βαλς από το λαϊκό... ... ΛεξικόΟυσακόβα

Ο χορός είναι η μόνη τέχνη για την οποία εμείς οι ίδιοι υπηρετούμε ως υλικό. Ted Shawn Ρωσία: εκατοντάδες μίλια γηπέδων και μπαλέτο τα βράδια. Το μπαλέτο Alan Hackney είναι όπερα για κωφούς. Μπαλέτο Emil the Meek: μια τέχνη που οφείλει τη δημοτικότητά της σε μεγάλο βαθμό στο... Συγκεντρωτική εγκυκλοπαίδεια αφορισμών

Ουσιαστικό χορογραφία Λεξικό ρωσικών συνωνύμων. Πλαίσιο 5.0 Πληροφορική. 2012. ουσιαστικό μπαλέτου, αριθμός συνωνύμων: 6 γκαλά μπαλέτο (1) ... Λεξικό συνωνύμων

ΜΠΑΛΕΤ, ε, σύζυγος. 1. Η τέχνη του σκηνικού χορού. Κλασικό β. 2. Θεατρική παράσταση χορού και παντομίμας, με συνοδεία μουσικής. Β. στον πάγο (πατινάζ). 3. Καλλιτέχνες που συμμετέχουν σε μια τέτοια παράσταση. | επίθ. μπαλέτο, ω, ω. Ευφυής...... Επεξηγηματικό Λεξικό Ozhegov

Σύζυγος. ένα θέαμα που αποτελείται από χορό και σιωπηλή δράση. Μπαλέτο, που σχετίζεται με μια τέτοια παράσταση. άνδρας χορευτής μπαλέτου χορεύτρια μπαλέτου χορεύτρια μπαλέτου. Χορογράφος σύζυγος συνθέτης, συνθέτης μπαλέτων. ιδιοκτήτης μιας κοινωνίας χορευτών μπαλέτου·... ... Επεξηγηματικό Λεξικό Dahl

Μπαλέτο- Όπερα για κωφούς... Slounik Skeptyka

Μπαλέτο- Το μπαλέτο προμηνύει μοιχεία, καθώς και αποτυχίες στις επιχειρήσεις, το εμπόριο, τους καβγάδες και τη ζήλια μεταξύ των ερωτευμένων. Επιπλέον, ένα όνειρο για το μπαλέτο δείχνει ότι σε συνηθισμένη ζωήΈχετε την τάση να βασανίζετε τον εαυτό σας. Υποφέρετε συχνά από... Μεγάλο παγκόσμιο βιβλίο ονείρων

μπαλέτο- padishas. p e r i f r. Shara Zhienkulova δ.μ. Olardyn arasyndan “b a l e t p a d i s h a s y” atanyp ketken gazhaiyp bishi Shara Zhienkulovany airyksha bolip aytuga bolady (Kaz. Adeb., 19.10.1971, 4) ... Kazak tilinin tүsіndіrme сөздігі

Βιβλία

• Μπαλέτο. Εγκυκλοπαίδεια, Έκδοση 1981. Η κατάσταση είναι πολύ καλή. Η πρώτη εγκυκλοπαίδεια στην ΕΣΣΔ αφιερωμένη στην τέχνη του μπαλέτου περιλαμβάνει γενικές πληροφορίεςγια το μπαλέτο, επεξηγήσεις των πιο συνηθισμένων όρων,... Κατηγορία: Χορός. Μπαλέτο. Χορογραφία Εκδότης: Σοβιετική Εγκυκλοπαίδεια,
• Μπαλέτο. 1992. Τεύχος Νο. 2, Το περιοδικό BALLET είναι μια έκδοση για αληθινούς γνώστες αυτής της όμορφης τέχνης, που συνδυάζει πλαστικότητα, δράμα, μουσική και συναισθηματικότητα. Η γλώσσα του χορού είναι καθολική και κατανοητή σε όλους. Περιοδικό… Κατηγορία: Χορός. Μπαλέτο. Χορογραφία Σειρά: Μπαλέτο (περιοδικό)Εκδότης: