Arkitektonisk fotografering. Sådan tager du billeder derhjemme korrekt. Hvorfor skal du fotografere arkitektur, og hvem har størst succes med det?

Fotografering af arkitektoniske strukturer er fotografiets kunst, som giver dig mulighed for at bevare al originaliteten og storheden af bygninger, arkitektoniske monumenter, katedraler, kirker osv. At forstå det hvordan man fotograferer bygninger, forstår du, at selv på en almindelig ferierejse kan du tage fantastiske fotografier, der vil være i stand til at formidle så meget som muligt al skønheden ved de steder, hvor feriegæster har besøgt.

Hvis du er interesseret i, hvordan man fotograferer bygninger, så er denne artikel noget for dig. Når det sker bygningsfotografering, er det nødvendigt at tage højde for alle de faktorer, der påvirker billedet. Når alt kommer til alt største problem fotografen er i dette tilfælde, at han arbejder med et stort statisk objekt. De regler, der kræves ved løsning af sådanne problemer, vil ikke gælde her. Her skal du først bestemme den del arkitektonisk struktur, som vil være i rammen. Og så find ud af præcis, hvornår solen vil oplyse denne del af bygningen, der fotograferes. Det er nødvendigt at tage en stilling, så solen oplyser strukturen så gunstigt som muligt. Når du fotograferer arkitektur, anbefales det ikke at tage billeder i modlys, det vil sige når solen står foran fotografen og skinner bag bygningen. Illustrationen nedenfor viser, hvordan solen bevæger sig i løbet af dagen. Den skinner i øvrigt aldrig fra nord.

Det er bydende nødvendigt at sikre, at under filme bygningen skyerne dækkede ikke sollys. Dette kan medføre, at rammen bliver ansigtsløs og uinteressant. Derudover skal du, når du fotograferer i overskyet vejr, tage højde for alle de regler, der gælder for fotografering i svagt lys. Selvom det lykkedes dig at læse artiklen om det, vil dette ikke blive et problem for dig.

Det skal huskes, at alt efter hvilken højde fotografen er i forhold til strukturen, vil der blive opnået forskellige billeder. I slutningen af fotosessionen skal du gennemgå de resulterende billeder. Dette vil hjælpe dig med at evaluere optagelserne og, før det er for sent, arbejde på fejlene. For ikke at gentage fejl i fremtiden og huske teknikkerne til god fotografering.

Det er vigtigt at huske, at jo tættere du er på objektet, jo større og mere massivt vil det fremstå på fotografiet. Så hvis du skyder nedefra, kan du vise al majestæten og storheden ved den arkitektoniske struktur. Bygningsfotografering fra tæt hold i profil anbefales ikke. Hvis strukturen er for stor til at passe ind i rammen, så prøv at fokusere din opmærksomhed på de enkelte dele. Du bør under ingen omstændigheder forsøge at skære en del af fundamentet af!

Ofte når der skydes på tæt hold er der perspektivforvrængning. Dette kommer til udtryk i en krænkelse af genstandenes naturlige proportioner. For eksempel vil væggene i en bygning, som skal være parallelle, konvergere mod hinanden mod toppen. Dette kan få dig til at føle, at bygningen er ved at falde. For at bekæmpe dette skal du vælge den rigtige vinkel. Som regel er den placeret præcis i midten af bygningen. Derudover kan du behandle billeder i Photoshop, hvilket vil hjælpe med perspektivkorrektion.

Korrigering af perspektiv i Photoshop

For at rette et billede skal du åbne det i programmet. Gå derefter til fanen Filter -> Linsekorrektion. Vælg nu fanen "Brugerdefineret". Vælg derefter den korrektion, der passer dig.

For at fjerne tønde- eller nålepudeforvrængning skal du flytte skyderen for at justere ligeheden af lodrette og vandrette linjer, der er konkave eller buede fra midten af billedet. Denne rettelse kan udføres ved hjælp af værktøjet Fjern forvrængning. Du kan rette tøndeforvrængning ved at trække skyderen til højre side af skalaen og nålepudeforvrængning ved at trække den til venstre. For at kompensere for kanterne på et tomt billede skal du justere "Kant"-indstillingen på fanen "Autokorrektion".

Randeffekten kan erstattes ved at justere værdien af en farvekanal i forhold til en anden. Brug vignetteringsstørrelsen til at bestemme mængden af yderligere belysning eller mørkere rundt om kanterne af billedet.

Til at korrigere perspektivet af et fotografi, der er forårsaget af at vippe kameraet op eller ned. Lodrette linjer skal laves parallelle. For at korrigere det vandrette perspektiv af et fotografi skal du gøre de vandrette linjer parallelle.

Du kan også ændre billedets rotation, hvilket vil korrigere kameraets hældning eller rette det efter at have korrigeret perspektivet.
Du kan zoome ind eller ud for at fjerne tomme områder af billedet, der opstår, når du korrigerer nålepudeforvrængning, rotation eller perspektiv.

Her er nogle flere tips til, hvordan du fotograferer arkitektur. Husk, at du ikke skal være bange for at eksperimentere med billedets vinkel, og da det nogle gange er denne usædvanlighed, der kan spille en meget vigtig rolle. Når du fotograferer arkitektur, er det bedre at håndtere blødt lys. Dog nogle gange lyse kontraster kan meget fordelagtigt understrege alle fordelene ved strukturen. Glem ikke, at afstanden mellem bygningen og dig betyder noget. Det er bedre at bruge et objektiv med variabel fokus på dit kamera. Det skal også huskes, at hvis også lang afstand lodrette linjer begynder at blive forvrænget. Og dette skal undgås. Hvis bygningen ikke ser særlig attraktiv ud i stærkt sollys, vil aftenlys hjælpe dig. Især om vinteren, hvor luften er ren og gennemsigtig. Husk, at baggrunden spiller en vigtig rolle i billedet. En sløret baggrund vil skabe rumfanget, og objekter i forgrunden bør ikke stoppe øjet og distrahere fra fotografiets hovedmotiv - den arkitektoniske struktur.

Før eller siden står en professionel fotograf, eller endda en amatør, over for opgaven med at fotografere bygninger. Dette er et ret specifikt område af fotografi, der kræver, at fotografen mestrer teknikken på et niveau, der tillader selv den mest kedelige struktur at blive præsenteret i al sin herlighed. For at understrege alle de nødvendige vinkler af arkitektur, hvad enten det er en flebologiklinik i Moskva til en reklamekampagne eller et operahus, er du nødt til at blive fortrolig med funktionerne i arkitektonisk fotografering.

Typer af arkitektonisk fotografering

Fotografering af arkitektur er et stort felt for en fotografs kreativitet. Det kan opdeles i to typer:

kunstnerisk;
dokumentar

Grundlaget for kunstnerisk fotografering er overførsel og skabelse af stemning, de nødvendige følelser samt evnen til at fremhæve byens funktioner. Dokumentarisk fotografering af arkitektur er til gengæld rettet mod at formidle former, størrelser, udseende og teksturer.

Regler for optagelse af arkitektoniske genstande

Hovedtræk ved arkitektonisk fotografering er objekternes ubevægelighed og deres konstante placering. Den samme bygning kan jo fotograferes forskelligt afhængigt af årstiden og belysningen.

Det menes det bedste tid Til fotografering af arkitektoniske genstande er det en solskinsdag, hvor strålerne vil være jævnt spredt, og skyggerne bliver blødere. Under sådanne forhold er det muligt klart at formidle alle de nødvendige detaljer om bygningen.
Vælg morgen- eller aftentimer til optagelser, hvor solen vil skabe belysning i den øvre side.
For at vise et objekts volumen er det bedre at bruge vinkelfotografering i stedet for facadefotografering.
Bygningens størrelse vil hjælpe med at demonstrere og fremhæve personerne eller bilerne i rammen.
Undgå at skyde en bygning nedefra og op, hvis du skal vise højde. Prøv at finde en vinkel, hvor du ikke behøver at hæve kameraet, ellers vil kvaliteten af selve motivet lide meget.
Hvis du har brug for at fremhæve et element af bygningen, kan du bruge effekten af sort/hvid fotografering.

Nøglen til succes inden for arkitektonisk fotografering er forberedelse. Fotografen skal omhyggeligt studere detaljerne i bygningen, generel opfattelse og funktioner i arkitektonisk design, vælg det rigtige tidspunkt og belysning, og så vil ikke kun en professionel, men også en amatør være i stand til at klare opgaven

Foto af Bruno Abarca

Arkitektur er de milepæle, som historien sætter langs dens udviklingsvej. Bygninger og strukturer, der for længst er blevet baggrunden for vores hverdagen, er de mest tilgængelige fotografiske emner. Arkitektoniske stilarter med dem alle særpræg, der illustrerer svundne epoker, liv og liv fra tidligere år, kan for en fotograf blive et endeløst felt for aktivitet og udtryk for sine kreative ideer.

Et praktisk mål for førstegangsfotografer

Det var arkitektur, der tiltrak de første fotografer med sin stilhed, fotogenicitet og plastikvolumener. Der var ikke gået lang tid siden daguerreotypiens opfindelse, og de første fotografer var allerede rejst til forskellige lande verden og fotograferede arkitektoniske vartegn. Ved begyndelsen af sin historie tiltrak denne genre mange talentfulde mennesker, der bestemte dens videre udvikling.

Sådan en mand var Emerson, der i 1892 sammen med andre amatører organiserede Linked Ring, en gruppe kunstnere, der var dedikeret til fotografiets kunst. Dette samfund omfattede Frederick G. Evans. Hans værker bestemte i høj grad fotografiets udvikling i flere år fremover, og samtidige talte om Evans' fotografier som den mest elegante gengivelse af arkitektur.

En anden berømt fotograf fra det tidlige sidste århundrede, Charles Schiller, der beundrede de klare former for arkitektoniske strukturer, med en ægte kunstners dygtighed, formidlede på fotografisk film poetikken i landbrugsbygninger placeret omkring huset, hvor han boede, afrikanske skulpturer og majestæt af bylandskaber.

Richard Par

Blandt vor tids fotografiske mestre kan især fremhæves Richard Paire, som også er involveret i udgivelsen af bøger om fotografiets historie. Paire tog mange fotografier i Rusland og fotograferede monumenter af russisk konstruktivisme i den tidligere sovjetstats realiteter. Forfatteren siger selv, at han blev inspireret til at skildre et sådant tema af den berømte sovjetiske arkitekt, designer og kunstner Tatlins værker.

Nøgleaspekter

Når vi taler om, hvordan fotografi af arkitektur skal være, kan vi dvæle ved flere af dets aspekter: For det første, når et fotografi af arkitektur er et selvstændigt kunstværk, for det andet, når en arkitektonisk struktur spiller rollen som en deltager i en by, industrielt eller andet landskab, der fungerer som kulisser, og endelig, for det tredje, når fotografering af et arkitektonisk objekt er et dokument eller et mindeværdigt fotografi.

Helt på vej væk fra opgaven med blot at fange dette eller hint arkitektoniske værk, giver fotografen frit spil til sin fantasi. Sådan fødes fotografier, hvor arkitektur er en måde at formidle forfatterens følelser, hans humør og verdensbillede på. Gennem de kunstneriske billeder af bygninger og huse, der genskabes på fotografiet, trænger kunstneren ind i æraen, hvor bygningen blev opført. Fotografen bliver tilsyneladende selv arkitekt, oplever fortiden sammen med sin skabelse og afslører derigennem nye sider af nutiden. Den æstetiske indvirkning på beskueren og evnen til at opnå resonans hos sit publikum afhænger af fotografens talent og hans måde at se verden på. Forfatterens fotografier er fulde af symbolik. Ved at presse beskueren til at tænke, finder disse fotografier en speciel, individuel respons i sjælen hos alle, der kigger på dem.

Byen med dens befolkning, bygninger, pladser og parker fungerer som en helhed. Arkitektoniske strukturer er en integreret del af vores hverdagsliv de, som tavse vidner om menneskelivet, passer organisk ind i bybilledet og indgår af fotografen i landskabsfotografiet eller bliver deltagere i en fotoskitse. For at et fotografi af et arkitektonisk landskab kan blive levende, kan fotografen dygtigt udnytte alt, hvad virkeligheden selv giver ham. Træer omkring bygningen, der fotograferes, vil skabe stemningen og understrege perspektivet. På sådanne fotografier er der mennesker og dyr, hvilket gør den arkitektoniske struktur til en del af menneskeliv og menneskeliggør ham. Her er alt i hænderne på fotografen selv, som er i stand til at gøre den grå virkelighed til noget ekstraordinært.

Praktiske mål

Arkitektonisk fotografi kan tjene sit anvendte formål: fotografering af tegninger, genstande under opførelse, arkitektoniske ensembler. Faktisk er dette oftest arbejde på bestilling. Fotografen er inden for de strenge grænser, som kunden har fastsat.

I dette tilfælde skal fotografier klart og præcist formidle proportionerne af bygningen, dens dimensioner, farveskema, efterbehandling detaljer. Sådanne fotografier er ikke kunstværker, de er kun et gunstigt billede af et arkitektonisk objekt. Sådan en rent teknisk opgave kræver også visse færdigheder og evner fra fotografen. Mange arkitektoniske ensembler har status som monumenter og udgør en hel nations historiske arv, visuel illustration dens historie og udvikling. Kompilering af hæfter og album kan også klassificeres som en anvendt anvendelse af arkitektonisk fotografering. Ønsket om at bevare stenskønheder i folks hukommelse, at dygtigt formidle til beskueren den arkitektoniske værdi af en bestemt bygning er det ædle mål for en fotograf.

Nå, du vil lære, hvordan du fotograferer arkitektur korrekt ved at læse artikler om aftenen St. Petersborg, funktioner i natfotografering af bygninger og fotos af natbylandskaber samt ved at studere andre materialer på vores side.

Vlast fortsætter sammen med Archcode Almaty en række pædagogiske foredrag om arkitektur. Den berømte arkitektoniske fotograf Yuri Palmin besøgte Almaty. Efter anmodning fra Archcode Almaty og Vlasti mødtes han med fotografer og abonnenter på vores side og gav et komprimeret kursus i arkitekturfotografering.

Videooptagelse af foredraget:

Fuld udskrift af foredraget:

Jeg er glad for at være her i din by og gøre det stort projekt, dedikeret til Almatys arkitektur, og specifikt til perioden med sovjetisk modernisme efter krigen.

Jeg er Yuri Palmin, en arkitektonisk fotograf, jeg har gjort dette i næsten 30 år. Det er tid til på en eller anden måde at ændre mit arbejde, jeg har allerede gjort det for meget. I princippet er det det eneste, jeg ved, hvordan jeg skal gøre, og derfor vil jeg tale med dig om det. Jeg håber virkelig, at vores møde i dag kan gavne os alle. Jeg overvejer at arrangere denne aften sådan her: Jeg laver en introduktion, som jeg vil forsøge at gøre så kort som muligt. Undskyld mig, hvis det tager længere tid. Faktisk er der tale om et udklemt arkitekturfotokursus, som jeg kun underviser i tre klasser, og så tager jeg også æren for det. Selvfølgelig vil jeg i dag ikke torturere dig med hverken det ene eller det andet, jeg vil forsøge at gøre denne introduktion så kort som muligt, fordi jeg mener, at denne historie - historiens historie, er ekstremt vigtig for den generelle forståelse af, hvad jeg gøre, og hvad, tror jeg, kan gøres af en person, der bevidst fotograferer arkitektur i dag. Faktum er, at arkitekturfotografi, ligesom arkitektur, nu gennemgår svære tider. Og fotografering generelt.

Yuri Palmin - arkitektonisk fotograf, lærer i programmet "Photography". Grundkursus" på British Higher School of Design. Samarbejder med så populære og professionelle publikationer som AD Magazine, Vogue, World Architecture, RIBA Journal, Icon Magazine, Domus, Abitare, Speech, EXIT, Mark Magazine, Project Russia

Vi lever i en tid fyldt med billeder. Billeder regner ned over os fra alle vegne, vi drukner i dem, nogle gange ville vi ønske, at der var lidt færre af dem. Hvis der var før særlige mennesker– fotografer, der leverede visuel information til forbrugeren af denne information, nu er der ingen sådan opdeling, fotografer er alle. Og jeg tror ikke, at det efter noget tid vil være muligt at tale om professionelle og ikke-professionelle fotografer, situationen vil ændre sig. Men vi kan tale om mennesker, der er engageret i at opnå og levere sådan visuel information bevidst som professionelle. Måske skulle de kaldes ikke-fotografer. Her er en kort introduktion om, hvordan fotografiets historie hænger sammen med arkitekturhistorien, og hvordan faget i det hele taget er opstået. Så vil jeg vise et par af mine projekter. Mine fotografier vil ikke være i den første del, de gik ikke over i arkitekturfotografiets historie.

Arkitektonisk fotografering begynder på samme tid, fotografering begynder. Eller rettere sagt, når fotografering holder op med at være sådan et tivolitrick, et mirakel og bliver en ganske almindelig menneskelig aktivitet. Dette sker i midten af det 19. århundrede.

Arkitektur er et meget velsmagende emne til fotografering, især til tidlig fotografering. Det er klart hvorfor. For det første fordi arkitekturen ikke bevæger sig, og vi kan skyde med lange lukkertider, så vi behøver ikke at holde en person i en speciel skruestik, som når man tager portrætter, så han ikke bevæger sig i løbet af en lukkertid på fire minutter. For det andet, og meget vigtigt, er arkitektur en utvivlsom værdi. Det vil sige, at når vi fotograferer et arkitektonisk monument, formidler vi visuel information om et åbenlyst værdifuldt objekt, dette er meget vigtigt. Derudover begynder der samtidig også at ske ændringer i arkitektfaget på grund af, at ingeniørarbejdet trænger ind i arkitekturen, de begynder at hænge sammen. Vi ved, at midten af 1800-tallet er æraen for teknisk ny arkitektur, og det er også æraen for den bevidste urbanismes begyndelse, som naturligvis først og fremmest er forbundet med de forandringer, som Paris' borgmester, baron Haussmann. har lavet i Paris siden begyndelsen af 40'erne XIX århundrede og frem. Og så blev Paris Geographical Society grundlagt i Paris, dette er det første hold af arkitekturfotografer, der arbejder under ledelse af Edouard Baldus - faktisk fagets grundlægger. Disse mennesker arbejder på vegne af byens myndigheder, de optager en by, der gennemgår de mest alvorlige ændringer, der nogensinde er sket for en by på kort tid i bystudiernes historie. Det er ikke gradvise, ikke naturlige ændringer, men forandringer, kan man sige, tvungne. Derfor skal byen for det første registreres. For det andet er det nødvendigt at udarbejde en liste over byobjekter, der udgør dens absolutte værdi.

Når vi ser på disse fotografier, ser vi, at der blev udviklet en specifik liste med instruktioner til fotografering af arkitektur. For det første skal arkitekturen fjernes - hvis muligt skal facaderne fjernes forfra. Sollyset skal falde på facaderne på en sådan måde, at facadernes teksturer og arkitektoniske detaljer frembringes så meget som muligt, det vil sige, at det som regel er lys, der falder i en vinkel på ca. 45 grader, og alt er geometrisk. forvrængninger - dette er det vigtigste inden for arkitekturfotografi, nogensinde hendes historie. Det er sådan en lille teknisk detalje, der siger meget om vores fag. Som du kan se, er alle de lodrette paralleller på disse billeder parallelle.

Normalt, når vi går rundt med en telefon eller et kamera med vidvinkelobjektiv, når vi kigger op, ved man, at de lodrette parallelle falder sammen, og det er vi faktisk allerede vant til. Ved at vippe kameraet får vi desuden et billede, der ikke svarer til, hvordan vi ser. Mens når vi ser på arkitektur med vores øjne, eller rettere ikke kun med vores øjne, men også med vores hjerne, justerer vi hele tiden det vertikale perspektiv baseret på de data, vi modtager fra vores vestibulære apparat. Vi ved, hvor meget vi har bøjet hovedet, og vi ved, hvor meget vi har brug for at rette op på denne forvrængning. Sådan korrektion i teknisk fotografering udføres meget enkelt. Et kamera fra midten af 1800-tallet har uafhængige linse- og filmplader, så vi kan flytte linsen parallelt med filmen, som om vi sænker horisonten og bevarer paralleliteten til lodret. Det er, hvad shift-objektiver gør nu. Dengang var alle linser shift. Og dette er også en af instruktionerne: denne maksimale frontalitet og lys, der understreger detaljerne så meget som muligt.

Det mest interessante er, at den samme Eduard Baldus på samme tid udviklede en teknik, som nu bruges i den digitale proces simpelthen overalt. Dette er en limning. Det er umuligt at fotografere et sådant interiør med datidens linser, de var ikke brede nok. Derfor er fotografiet taget i brudstykker. Derefter skæres disse fragmenter - negativer ud, limes sammen, alt dette er naturligt, udført i hånden, alt dette gøres på glasplader og derefter udskrives et sammensat billede fra dem.

Denne digitale teknik blev opfundet dengang i midten af det 19. århundrede.

Jeg hopper straks til efterkommerne af Baldus og franske fotografer - Marcus Brunetti, denne tyske fotograf, der er berømt for at tage 42 fotografier på 9 år, og hele hans produkt af ni års ekstremt intens kreativitet er 42 fotografier af Europas facader. Det er fotografierne.

Vi ser, at de på en eller anden måde ligner det, franskmændene tog, men hvis vi ser nærmere på dem, vil vi se, at det faktisk er umuligt at tage sådan et fotografi. Fordi de vinkler, hvorfra specifikke detaljer af facaderne er synlige, faktisk er taget fra forskellige punkter. Vores øje ønsker at se på denne måde. Faktisk ser vi, vores hjerne, på denne facade noget som dette, men vi vil aldrig kunne fotografere det sådan. Kun ved at bruge en meget kompleks teknik, som Marcus Brunetti bruger, nemlig denne facade, dette fotografi, består af omkring halvandet tusinde stykker, taget med en meget lang linse fra forskellige steder i byen og derefter korrigeret og limet sammen. Dette er omtrent hvad Baldus gjorde, kun mange gange mere kompliceret.

At tage hvert billede kan faktisk tage flere år, fordi vi ved, at vi kommer til Paris, og dér ved Notre Dame-katedralen vil et tårn helt sikkert blive restaureret, det samme med Kölnerdomen. Derfor vender Brunetti naturligvis tilbage til samme sted, han har alt skrevet ned. Han kommer tilbage, laver de passende optagelser og syr derefter frugten af dette mangeårige arbejde til billeder som dette. Hvad der også er bemærkelsesværdigt her er, at en sådan facade ikke engang blev set af bygningernes arkitekter, fordi skabelsen af facaden til en gotisk eller renæssancekatedral som regel tog flere generationer. Arkitekten kunne tegne det, men han kunne ikke se det, for han var ved at dø, da halvdelen af arbejdet var færdigt. En anden af de ubetingede disciple af denne tekniske skole for arkitektonisk fotografi er mine meget yndlings respekterede kunstnere, begge desværre nu afdøde, Brand og Hila Becher, grundlæggerne af Düsseldorf-fotografskolen.

Alt dette blev filmet i overskyet vejr. I ét vejr, med én linse, er de berømte for en række genstande, der faktisk er kommet ind i moderne kunsts skatkammer. Det vil sige, at de overførte det samme tekniske fotografi til moderne kunst og grundlagde skolen for kunstfotografi i Düsseldorf. Blandt deres elever er den meget berømte Thomas Struth, Thomas Ruf, Andreas Gursky, forfatteren til det dyreste fotografi i verden, "Rhine II" til $4,5 millioner, hvis pris faktisk er en del af værket, men det er mere kompliceret er dette en del af et separat foredrag.

Disse fotografer brugte også sådanne sæt instruktioner til at skabe serier og nærmede sig optagelsesprocessen teknisk, for eksempel er dette Struths berømte "Streets"-serie, de fotograferede øde gader efter daggry i forskellige dele af kloden. Og alle hans gader er sådan her, de er øde, de mangler skala, hvilket er meget vigtigt. Og der er ingen person i dem, og jeg vil tale om tilstedeværelsen af en person i arkitektonisk fotografering lidt senere. Dette er et af de mest radikale arkitektoniske fotografier, der findes i verden. Dette er et fotografi af lageret på Ricolas konfekturefabrik i Schweiz.

Herzog et de Meuron er et af de mest berømte arkitektkontorer. Du har sikkert set et af deres seneste projekter - Elbphilharmonie i Hamborg. Dette er et af de største og dyreste arkitekturværker i nyere tid.

Den anden figur modsat Baldus, der, som vi ser, grundlagde en masse ting, er Eugene Atget - en ekstremt vigtig skikkelse i kunst- og kulturhistorien generelt.

Han er også fra Paris, han arbejdede kun i Paris, han fotograferede kun Paris, han er en af dem, som Baudelaire slutningen af XIXårhundreder kaldet flaneurs. Det er klart, at begrebet "flaneur" senere, gennem Walter Benjamin og senere, gennem 60'ernes situationister, blev et af grundbegreberne i den nye venstrebykultur. En flâneur er en mand, der kan fare vild i sin egen by. En flâneur er en person, der går gennem byen uden at vide hvor, og som ikke er interesseret i målet, men er interesseret i selve bevægelsen. Flâneuren er som en pil, et måleapparat, der måler byen med sig selv, med dens subtile nerver, med dens subtile følelser.

Haussmanns reformer førte til dannelsen af Paris Geographical Society Eugene Atget bor i Paris og hader Haussmann, han kan simpelthen ikke tolerere... For ham er disse byreformer et indgreb i byens struktur, som han subtilt føler. som han behandler meget personligt, intimt.

Walter Benjamin fortæller, at Atgets fotografier er fotografier fra et gerningssted, hvor man nogle gange ser folk optræde på hans billeder. Men disse mennesker, dette er ikke en skala, og ikke levende karakterer, men dette organisk del selve byens forbindelse, som Atget er forbundet med af sine nerver. Desværre, ifølge oplysninger, der allerede er blevet bekræftet, bevægede Atget sig ikke rundt i byen som skytter måleinstrument, men trak byen ind på pladser og planlagde sine vandreture. Og desværre, det må indrømmes, har kunsthistorien fjernet denne romantiske flair fra ham. Så bevæger vi os kronologisk.

Atgets følgere er romantiske fotografer, fotografer for hvem et arkitekturværk ikke er et objekt, der skal optages, men en del af nogle af deres indre verden, som de optager ved at fotografere omverdenen. Så begynder det 20. århundrede. Interessante begivenheder begynder at forekomme, delvist relateret til tekniske ændringer, der finder sted i selve fotografiet. Fotografering er ved at blive fuldstændig masseproduceret. Du behøver ingen særlige færdigheder eller evner for at producere print i høj kvalitet.

Albert Renger-Patch er en af lederne og grundlæggerne af New Substance-bevægelsen i Tyskland i 20'erne. Og hans vigtigste bidrag til arkitekturfotografiet er, at det er Renger-Patch, der introducerer hverdagen i hverdagen og i diskursen om arkitekturfotografi. Det vil sige, at han fotograferer både arkitektoniske monumenter og byudsigter som monumenter.

I dette tilfælde er denne vold sådan set filmet ind i det rigtige lys, det er bestemt skudt i overensstemmelse med alle kanonerne for arkitektonisk fotografi, men vi kan ikke sige, hvad der blev skudt her: Klokketårnet, eller husenes facader eller hegnene, der er i forgrunden, for alt er der. Det er som et bymiljø, der ikke er opdelt i separate objekter for ham.

Han går endnu længere og begynder at fotografere industrielle genstande og viser industrigenstandes skønhed, som for ham er lig med arkitektoniske monumenters skønhed. For ham er gotiske buer for eksempel lige så betydningsfulde som for eksempel fotografier af naturen.

I slutningen af 20'erne udgav han en bog, som han blot ville kalde "Ting", men på forlagets insisteren blev titlen ændret til "Verden er smuk", og meningen med bogen, projektet, var at alle de ting, kameraet ser, er meget vigtige – de bliver smukke. Her er sagen. Når vi ser på verden, generelt, når vi ser på noget, tænker vi på, hvad vi ser, vi kører konstant denne visuelle information gennem et stort antal filtre. Vi har allerede sagt, at vi korrigerer for eksempel konvergensen af vertikale paralleller helt ubevidst. Men udover så simple fysiologiske filtre har vi også kulturfiltre – alle har deres eget. Vi ved, at for eksempel en fem-etagers bygning fra 60'erne er en mindre værdifuld genstand end en gotisk katedral, for slet ikke at tale om en ni-etagers bygning fra 70'erne. Hvad fortæller folk, der tog et kamera i de samme 20'ere i Tyskland? De siger, at fotografisk teknologi ikke har sådanne filtre. Ja, hun er sjælløs, men samtidig er hun frataget denne konstante sammenligning med de standarder og kriterier, som kulturen har bragt til os. Og denne vidunderlige teknologis egenskab åbner verden op for os på en ny måde. Altså at se på verden mere ærligt, end vi ser med vores øjne og hjerne.

Og så har vi selvfølgelig Bauhaus ( uddannelsesinstitution- ca. V) og en af nøglefigurerne i det nye fotografi i 20-30'erne, Laszlo Moholy-Nagy, som var en af grundlæggerne af Bauhaus, havde meget vigtige positioner der og var også teoretiker for fotografering af ny visualitet. Hvad sker der her? En vinkel opstår i fotografering, kameraet begynder at vippe op og ned, det begynder at skele, skabe en skråning, blot dreje rundt om sin akse på en sådan måde, at vores vertikaler bliver diagonaler.

Hun begynder at gøre ting, som fotografen simpelthen ikke havde råd til før, eller som var en fejl. Kameraet flyttede sig fra stativet og tog dette billede. Hvorfor var dette muligt? Faktisk er der flere forklaringer her. Den første forklaring: den nye materialitet afslørede denne helt nye oprigtighed af fotografisk teknik.

Og for det andet: der dukkede kameraer op, der arbejdede med smalfilm. Og faktisk fandt der en revolution sted, som jeg mener er mere alvorlig inden for fotografisk teknologi end fremkomsten af tal. Fordi en person begyndte at forstå, at hver ramme ikke er en fotografisk plade, som skal fremkaldes separat, købes der, indlæses, bæres med dig et begrænset antal af de samme ark, fordi det er vægt, dukkede en video op, hvor 36 billeder, i princippet kan du skyde Der er 10 af disse ruller. Fyld dig selv med en sag og skyd for din egen fornøjelse og eksperimenter. Og dermed faldt stativet væk. Stativet, der falder af, er som en abes hale, der falder af, og det har ført til enorme ændringer i den fotografiske æstetik. Det er for eksempel radikale nedadgående vinkler. Du kan ikke bare sætte et stativ med et stort kamera. Interessant nok er kærligheden til vinkler og dillen til denne nye æstetik pludselig begyndt at vige for meget strengere og nye regler, der dukker op inden for arkitekturfotografi. Nu springer jeg en hel fase over og går videre til manden, der formede moderne arkitekturfotografi i anden halvdel af det 20. århundrede. Dette er Lucien Herve.

Dette er Le Corbusiers personlige fotograf. Det er kendt, at Le Corbusier er den eneste arkitekt, der aldrig tog fotografier. Faktisk er dette ikke sandt. En bog med fotografier af Le Corbusier er nu udgivet. Le Corbusier fotograferede fra omkring 1907 til 1915, og han fotograferede alt, hvorefter han skrev, at jeg var en af de tåber, der købte et billigt Kodak-kamera og brugte skøre penge på film, og først efter 5 år indså jeg, at fotografering - en frugtesløs opgave og helt unødvendig for en arkitekt, og så smed jeg dette kamera og hentede en blyant. Men på en eller anden måde havde Le Corbusier stadig brug for at rette sin arkitektur, og det er her, denne tandem blev udviklet. Bedste fotos Le Corbusier fotograferet af Lucien Hervé. Hvad er fantastisk ved disse billeder? Se, arkitektur holder op med at være et monument, ophører med at være et objekt, der har top/bund, højre/venstre, som skal indrammes og placeres helt i rammen.

Værdien af fragmentet i dette tilfælde er ikke den samme værdi som kapitalen eller nogen anden arkitektoniske detaljer på et gammelt fotografi, da fragmenter blev filmet. Arkitektur bliver her som en slags genstand, der kan udforskes, ligesom verden kan udforskes med et kamera. Det ophører med at være et integreret diskret objekt, og her forstår Le Corbusier og Herve hinanden meget godt, og her er det nødvendigt at holde et separat foredrag i mange timer, for det er et meget interessant emne. I dag skriver de afhandlinger om dette. Det vigtige er, at det er i fotografiet af Lucien Hervé, at noget, som arkitekturfotografer nu bruger hele tiden, endelig dukker op – fotografer begynder at bruge radikalt skråt lys.

Se her er det beton overflade under en pels, kan du skære dig på den. Dette skyldes, at lyset passerer skråt igennem det. Vi ser forskellige teksturer af beton og her udgør disse teksturer fotografiets hovedmotiv. Denne taktilitet, der optræder i fotografi, den eksisterede ikke før, for før fotografering var sådan et billede, her er et hus et sted, på et andet kontinent, så vi fotograferede det, flyttede det fra Amerika til Europa, viste det her, og vi ser ud til at have et hus, men vi ser på det. Vi har det et sted i fremtiden. En anden af Baldus' regler var at skyde med så lang linse som muligt, så langt væk som muligt. Altså at lave den mest upersonlige præsentation af et arkitektonisk værk. Jo længere linsen er, jo tættere er billedet på axonometri. Der kan ikke være et aksonometrisk billede i fotografi, for vi vil altid have perspektivforvrængninger. Men axonometri er sådan et syn på Gud, det er et blik af en fuldstændig løsrevet iagttager. Og her begynder arkitekturen at blive præsenteret for os som noget absolut taktilt og håndgribeligt. Og det er Lucien Herves store fortjeneste. Så begynder æraen for kommerciel arkitektonisk fotografering, som i Amerika primært forbindes med navnene på Erza Stoller og Julias Shulman.

Her er Guggenheim-museet, alle sådanne ikoniske fotografier af ikoniske bygninger. Bemærk, at bilen er i forgrunden af en grund. Den er ikke bare parkeret her og kan ikke fjernes, da sådanne situationer ofte forfølger mig her, den placeres her specifikt, fordi denne hvide overflade arbejder med Guggenheims former og kurver.

Og Julias Shulman, der bliver sådan en sanger af efterkrigstidens amerikanske modernisme. Fordi der er politiske, sociale, økonomiske ændringer i samfundet, som ændrer bolig- og jordpriserne, folk kommer fra krig, ændrer den demografiske situation sig. Kort sagt er hele denne amerikanske hjemhistorie ved at ændre sig. Og en sådan bevidst enkel og minimalistisk europæisk modernisme, som tidligere blev afvist af det amerikanske samfund, trænger ind i Amerika.

Men fotografiet her er nødvendigt for at dette ny stil at formidle til livet og i det hele taget endda på en eller anden måde reklamere for det til folk. Måske er dette det mest berømte arkitektoniske fotografi, dette er et eksemplarisk hus, specielt bygget til at filme, faktisk over Mulholland Drive.

Dette billede Shulman er meget i lang tid iscenesat med en assistent, satte han pigerne. Pointen her er, at for en person, der er bekendt med kulturen i det amerikanske familiehjem, er denne historie fuldstændig ikke-standard: piger hænger over byen, om natten, i en slags glasterning. Vi ser, at denne unaturlige situation faktisk er meget smuk. Byen er adskilt, huset er adskilt. Belysningen er ikke ideel efter nutidens standarder, men... Julius Shulman er den eneste arkitektoniske fotograf, om hvem der blev lavet en dokumentar i fuld længde kaldet Visual Acoustics, med voiceover-fortælling af Dustin Hoffman.

Dette er et meget sjovt fotografi af Shulman, hvor du kan se, hvor meget af en reklamekarakter dette er, hvordan vi nu ser, hvordan denne ramme blev udført og iscenesat, især når den er i farver. Det er det, lad os gå videre til vores tid. Måske er en af de mest seriøse klassiske fotografer, der i øjeblikket eksisterer og lever og arbejder aktivt, Ellen Binet.

Jeg er glad for at kende hende, for mig er hun simpelthen en levende klassiker, en person, der har haft stor indflydelse på mig, men desværre er Ellen nu overvældet af meget stærke pessimistiske følelser, fornemmelser og generelle syn på, hvad der sker med arkitekturfotografi nu.

Hélène Binet er en nær ven af arkitekterne, som hun arbejdede med, det er meget vigtigt. Hun var meget nær ven Zaha Hadid, og det er derfor, jeg synes, Hélène Binets fotografier af Zaha Hadids værk er meget bedre end Zahas arkitektur. Hun var og er meget venlig med Peter Zumthor, det tror jeg ikke der er... der er paritet her, lad os sige det sådan.

Dette er fotografiet taget af alle, der befinder sig i broder Claus' lille kapel af arkitekten Peter Zumthor nær Köln. Går ikke der offentlig transport. Dette er et så specielt sted, at du skal gå 6 kilometer fra den nærmeste banegård, det er meget vigtigt, en del af sådan en arkitektonisk oplevelse. Og det er billedet, som alle, der går der, tager. Hver person løfter kameraet og filmer denne dråbe - vinduet. Dette kapel er designet på denne måde: Zumthor lavede forskalling af dødt træ fundet af hans elever i den omkringliggende skov, sådan en hytte blev bygget, derefter blev den brugt som forskalling til beton, hvorefter stammerne blev sat i brand og ved en vis øjeblik, hvor betonen lige nærmede sig, og asken blandede sig med den hærdende beton og dannede en helt fantastisk, unik tekstur indretning. Hvorefter der også blev indsat glasdråber der, som ligger som dug på denne aske. Dette er en forbløffende subtil ting. Alle tager sådan et fotografi, dette fotografi kan vises på skærmen, du kan se det på internettet, men du vil ikke se det. Det er bemærkelsesværdigt, fordi det er optaget i et stort format, og det ser kun ud på tryk. Nu arbejder jeg mest med digitalt, og jeg forstår udmærket, hvad jeg mister ved ikke at arbejde med film. Her er Hélène Binet en af de sidste ægte klassiske arkitekturfotografer, hun har ikke engang et kamera på sin telefon. Det er meget vigtigt for hende, at hun ikke har en digital enhed til at registrere information.

Dette fotografi er Columbus Museum, Ærkebiskopsmuseet i Köln, også af arkitekten Peter Zumthor, og dette er et billede, som du aldrig vil se med dine øjne, fordi dette er en refleksion, det er genskin på loftet, sådan et hår tekstur, blænding fra solen, der reflekteres fra en vandpyt, som er på gaden, bag denne perforerede væg. Du vil aldrig se sådan et billede, fordi dette er resultatet af en lang eksponering, igen optagelse på film. Dette er et af Zumthors ikoniske fotografier, et af hans favoritter.

Så kommer en æra med tæt forbindelse mellem samtidskunst og arkitekturfotografi. Hiroshi Sugimoto, den berømte japanske kunstner og fotograf, optager værker af moderne arkitektur med meget lav skarphed. Således ser han ud til at efterligne denne tilstand af afslappet opmærksomhed. Tilstanden af at være på kanten af synsfeltet, sådan et sidebillede af vigtig arkitektur. På den ene side er det vigtigt, men på den anden side er det ikke hårdt.

Sådan skarphed sker desværre kun på film i stort format, og du skal også se den ikke på en lille skærm, men i en bog eller endnu bedre på en udstilling. Og selvfølgelig er den vigtigste kommercielle figur i vores fag nu Ivan Baan.

Dette er en hollandsk arkitektonisk fotograf, der for nylig solgte sin sidste lejlighed og kun bor på fly og hoteller og rejser over hele verden og skyder alt stjerneklart og dyrt, der følger med. Jeg siger det er som om han døber. Indtil han døbte bygningen, virkede det, som om den ikke eksisterede. Men Baan ankom, som flyver jorden rundt som en engel, og bygningen begyndte at eksistere. Dette er en meget vigtig figur.

Dette er hans fotografi af New York efter orkanen Sandy i november 2012, hvor halvdelen af byen var uden strøm. Baan tænkte først på at tage en bil, men det var umuligt at leje en bil i New York i disse dage, det var nemmere at leje en helikopter, billigere end at leje en bil. Jeg husker bare, fordi jeg på det tidspunkt lå i Brooklyn med en frygtelig hovedpine, og på det tidspunkt fløj en rigtig fotograf i en helikopter og fotograferede arkitektur. Så holdt han auktion og solgte, tror jeg, 20 eksemplarer for mange penge, som gik til Sandy hjælpefond. Ivan Baan er en interessant karakter.

For faktisk har jeg allerede sagt, at det blev almindeligt at filme arkitektur i 80'erne og 90'erne uden mennesker overhovedet. Dette er øde, tørt, som en ting i sig selv, smukt, en slags indre skønhed arkitektur, der ikke har nogen skala, som du ikke kan forstå, hvad det egentlig er - smykker denne eller skulptur. Dette billede overtog hele arkitektpressen i 80'erne og dominerede den indtil midten af 2000'erne. Og faktisk var Ivan Baan en af de mennesker, der ved at tage alle disse livløse vidunderlige billeder - han ved, hvordan man gør det meget godt, for ganske nylig, et sted i midten af den to tusinde, skabte han en ægte revolution. Jeg begyndte ikke bare at fotografere mennesker i arkitektur, men jeg begyndte at tvinge folk til arkitektur.

Som jeg fik at vide, når Ivan Baan kommer til Herzog & de Meuron for at fotografere ny arkitektur, bliver alle de unge arkitekter flokket, de skal have jakkesæt med, flere skift, han har en folkeassistent, der tjekker tøjet, laver støbning , og så skildrer disse unge arkitekter fra kontorarbejdere til forbipasserende på settet af Baan.

Ja, det er sådan, Ivan Baan optager uden mennesker, Fondation Louis Vuitton, dette er et klassisk arkitektonisk fotografi, der ikke behøver at være undertekster. Som udgangspunkt skyder alle på samme måde nu. Du ved, at der er et websted archdaily.com, hovedværktøjet massemedier, dedikeret til arkitektur, og man ser faktisk sjældent en interessant person i arkitekturfotografi der. Grundlæggende er al arkitekturen der også skudt efter kanonerne.

Men dette er et projekt i Caracas. Hvad er det?

I en nøddeskal: Dette er en gigantisk kontorbygning med 40 etager, der var ufærdig. De begyndte at bygge det under højkonjunkturen i den venezuelanske økonomi, som var i slutningen af 90'erne, derefter blev den forladt, og så begyndte en frygtelig økonomisk krise i Venezuela, og bygningen blev overtaget af de hjemløse. Og dette er en gigantisk squat, som gradvist dannede sin egen økonomi, sin egen sociologi. For eksempel overførte de på en eller anden måde strøm fra de nærliggende tændstikker, men de havde ikke en elevator, men de havde en rampe, der gik op til 22. etage, og der var særlige in-house taxa-elevatorer, der transporterede folk. Baan studerede det fra top til bund, inklusive nogle mærkværdigheder, for eksempel bedstemoren, der blev hevet til 34. etage. Hun er lammet, og alle ved, at bedstemor aldrig kommer ned fra 34. etage, at hun vil leve og dø der. De har deres egne butikker og cafeer der. Så filmer Ivan Baan denne serie i 2012, modtager sin Gyldne Løve, han og gruppen... Dette er sådan en teoretisk arkitektonisk forskningsgruppe, ja, generelt tæt på Almaty Archcode, der arbejder over hele verden, de modtager deres Golden Lion, den bliver offentlig viden, hvorefter denne bygning i 2014 bliver verdensberømt, fordi Brody fra TV-serien gemmer sig der. Han når dertil, ser det ud til i tredje sæson, hele verden lærer om bygningen, hvorefter det korrupte venezuelanske politi finder ud af det, hvorefter en frygtelig udrensning finder sted ved hjælp af hæren, og alle bliver smidt derud. Og det er det, nu står dette skelet alene, bag pigtråd, og der bor ingen der, og der er intet liv der. Dette er en mærkelig historie, faktisk var katalysatoren for hele denne historie arkitektonisk fotografering.

Jeg bringer dette til det punkt, at nu, på nuværende tidspunkt, er arkitektonisk fotografi et uklart sted. Dels er det lavet efter arkitekternes ordrer og er så tæt som muligt på gengivelser - hvad vil arkitekten have? Arkitekten ønsker at vise offentligheden, at den gengivelse, han solgte til bygherren, faktisk kan fotograferes og faktisk eksisterer som en kendsgerning. Dette er et brugerdefineret billede. Historisk arkitekturfotografi forbliver bestemt i sin niche. Det er det, jeg foretrækker at gøre for det meste nu. Men i virkeligheden er der ikke noget kritisk fotografi – hverken som skole eller som æstetik. Og om der er plads til en fotograf, om der er plads til æstetik, om der er plads til et nyt sprog, er uvist. Derfor er det her, vi startede, og hvor vi sluttede, kun på en anden måde. Dette var min introduktion, tilgiv mig for en vis forvirring, i arkitekturfotografiets historie.

Nu vil jeg vise mit projekt. Dette er det første arbejde, som jeg ikke lavede på opfordring fra arkitekter, men delvist på eget initiativ. Dette er en serie fra Chertanovo, 1999, som blev lavet til udstillingen af en række udstillinger kurateret af arkitekten, kunstneren Yuri Avvakumov, en af grundlæggerne af papirarkitekturbevægelsen i 80'erne. Det var en række udstillinger kaldet "24". Der er stadig plads 24. Foto, det er bevaret. I øvrigt lavede Avvakumov og jeg designet. Dette var Avvakumovs idé, en serie på 24 udstillinger, der åbnede hver anden torsdag i hver måned. Hver udstilling havde 24 fotografier, og de skulle være af enten en fotograf, der fotograferer arkitektur eller en arkitekt, der fotograferer eller en kunstner, der også arbejder med fotografi og arkitektur. Og hver af de inviterede forfattere kunne frit vælge deres eget emne.

Og netop på det tidspunkt flyttede jeg til Chertanovo, men ikke til Severnoye, dette er et eksperimentelt område, et eksemplarisk boligområde, som blev designet i 70'erne i Mikhail Posokins værksted. Et af disse ret vigtige objekter for efterkrigstidens modernisme for Moskva. Det tog meget lang tid at bygge og var dårligt bygget, og det blev først bygget i begyndelsen af 80'erne. Men alligevel er der nogle grundlæggende arkitektoniske ideer indlejret i det. Især en af disse ideer er, at den ser meget tæt på 60'ernes engelske brutalisme. Der er ideer om Smithsons generelt, der er ret skyldige selv på dette fotografi. For eksempel det faktum, at der indføres kunstig relief på dette område.

For eksempel denne bakke, hvorunder byggeaffald begraves. Men dette er de lokale børns foretrukne rutsjebane. Duplex-lejligheder, kunstnerværksteder ovenpå, arbejder der stadig kunstner-arkitekter. Generelt er dette et område, der var planlagt som et eksemplarisk kommunistisk område, på det tidspunkt var det klart, at den kommunisme, som Khrusjtjov lovede i 80'erne, ikke ville ske for enhver familie separat lejlighed De vil heller ikke give det. Og generelt er der små problemer med socialismen. Men tanken var, at det var muligt at bygge separate områder, der ville være eksemplariske, såsom enklaver af en ny livsstil. Især i det nordlige Chertanovo fungerer det stadig vakuum system affaldsfjernelse, som blev foretaget af svenskerne. Generelt er alt seriøst der. Men det var stadig mere alvorligt. For eksempel er hallerne på første sal i alle bygninger ikke-beboelse. Ifølge de indledende projekter, som blev udviklet af sociologer sammen med arkitekter, skulle der have været køleskabe i hallerne, hvor man kunne efterlade en dagligvareliste til portneren, dagligvarerne ville blive indkøbt, og om aftenen ville de være i køleskabet på beboerens hylde. Men faktisk var alt dette bygget ret dårligt, strukturen med at adskille trafikstrømmen og mennesker, tæt på det, Le Corbusier og Siam talte for, denne horisontale lagdeling, var allerede holdt op med at fungere på byggestadiet. Det vil sige, en del af trafikken var tilladt over jorden i stedet for alt under jorden, så nu er det umuligt at parkere der, det er umuligt at bringe noget til indgangen, alt er fyldt med biler, og der er ingen måde at bekæmpe dette, fordi den underjordiske vejforbindelse er tilstoppet. Men jeg var forbløffet over, hvad jeg endelig så i denne arkitektur... hvis den tidligere repræsenterede for mig alt, hvad jeg ikke kunne lide ved denne tidligere liv grå, sovjetisk, meget elendig og begrænset. Og arkitektur for mig var som et tegn på det liv. Så begyndte jeg at rejse rundt i verden, begyndte at se på, hvad der skete i Europa i 50'erne og 60'erne, og jeg begyndte pludselig at forstå, at der er denne sammenhæng, og at det er nødvendigt at tale om det. Og det skete så, at det var i begyndelsen af 2000'erne, at arkitektmiljøet og journalister først begyndte at tale om efterkrigstidens modernisme, og dette emne så pludselig ud til at spille ind.

Nikolai Malinin, min medforfatter til bogen, tilskriver mig dette. Faktisk er dette ikke sandt. Jeg var på det rigtige sted på det rigtige tidspunkt og gjorde nogle det rigtige. Og så lavede jeg en serie om dette områdes eksistens, usminket, men samtidig noget romantiseret eller sådan noget. Kurator Avvakumov skrev så i teksten til udstillingen, at Brodsky sagde, at hvis der kastes en neutronbombe på Leningrad, som ødelægger alle levende ting og efterlader al infrastruktur, så forbliver St. Petersborg. Men Palmin beviste, at hvis en neutronbombe kastes over Severnoye Chertanovo, så vil Severnoye Chertanovo forblive. Dette er, hvad jeg skrev om sådan en himmelsk Chertanovo, blottet for indbyggere, sådan et mislykket paradis. Faktisk er dette arbejde ekstremt vigtigt for mig. Og det var dette arbejde, der skubbede mig til det, jeg gør nu her, det, jeg forsøger at gøre i Moskva med arkitektur, som ser ud til at være frataget offentlig opmærksomhed. Jeg er meget interesseret i emnet om bevidst at rette strømmen af ens opmærksomhed, ens vision og ikke kun ens, men gennem sig selv og andre mennesker, til det, der er frataget denne opmærksomhed.

Uanset hvor i byen vi skyder, kommer et eller andet stykke arkitektur næsten altid ind i rammen. Det kan være en bygning, et monument, et springvand eller en almindelig beboelsesbygning.

Som regel har du brug for viden om fotografering af arkitektur for mest muligt at præsentere sådanne objekter på et foto.

Hvad der præcist bliver fanget af objektivet er ikke så vigtigt, for du kan ende med et mesterværksfoto, selvom du fotograferer den mest almindelige bås.

At fotografere arkitektur, både klassisk og moderne, er langt fra let. Det vigtigste er at prøve, indtil det lykkes. Der er mange faktorer, der vil påvirke billedet, og vi har udvalgt anbefalinger, der hjælper dig med hurtigt at tage det mest succesfulde billede.

Hav altid et kamera ved hånden, forbered dig altid på et lokationsbesøg

Princippet om at følge denne regel er ret simpelt - enhver gåtur skal blive en fotovandring. Du bør have dit kamera klar det meste af tiden, fordi du aldrig ved præcis, hvor eller hvornår du støder på noget, der er værd at fotografere.

I princippet vil enhver professionel fotograf fortælle dig, at det rigtige billede er en meget uhåndgribelig ting, så det er bedst at følge princippet om at se og fotografere. Rammen afhænger af lyset, af positionen, af tilstedeværelsen af karakterer, af stemningen, tidspunktet på dagen og mange små elementer, der kun kan mødes én gang. Derfor, hvis kameraet altid er med dig, vil du bestemt ikke gå glip af det rigtige øjeblik.

Hvis du har fundet din arkitektoniske model og går efter det specifikke formål med at filme, skal du sørge for at optage film på stedet. Hvis dette privat territorium, forhandle med ejeren. Hvis bygningen er en kontorbygning, så tjek åbningstiderne.

Og sørg selvfølgelig for at være opmærksom på vejrudsigten. Når alt kommer til alt, vil stemningen i det endelige billede afhænge af vejret.

Vælg udstyr afhængigt af genren

Egnet fotografisk udstyr til hver type optagelse er grundlæggende vigtigt punkt. For næsten enhver genre er der således den mest egnede teknik. Til arkitektur er de mest fordelagtige linser de samme som til landskaber - vidvinkel, fiskeøje eller ultravidvinkel.

Det er disse linser, der giver dig mulighed for at få den mest succesfulde sammensætning, samtidig med at du giver mulighed for at placere hele bygningen i én ramme. Dette gælder dog ikke for enhver bygning og ikke enhver idé.

I sjældne tilfælde, hvor selv vidvinkelglas ikke er nok, kommer kameraer med panoramaoptagelsesmuligheder til undsætning. Det kan være DSLR'er, spejlløse kameraer og almindelige digitale kameraer. Hvad kan jeg sige, i dag giver selv smartphones dig mulighed for at skabe panoramaer.

Tag dig god tid

Mærkeligt nok er de fleste fagfolk enige om én ting: generel anbefaling- skynd dig aldrig, når du fotograferer arkitektur. Nogle gange tager det ikke kun et par timer at skabe det perfekte billede, men flere dage eller mere. Fordelen ved arkitektoniske strukturer i denne henseende er indlysende - de vil ikke gå nogen steder, og kun vejrforholdene omkring dem ændrer sig. Du skal dog undersøge det motiv, du optager, grundigt. Dette er nødvendigt for ikke bare at tage det første billede, der kommer, men for at vælge den mest succesfulde vinkel, vente på det rigtige lys og fange bygningen, så fotografiet har en stemning, følelser og karakter.

Derudover er det vigtigt, at vigtige arkitektoniske elementer i bygningen fanges på kamera, og derved genfortæller stilen og æraen.

Skyd i forskelligt vejr

Arkitektfotografi skiller sig ud, netop fordi det opfatter lys på en helt særlig måde. For eksempel garanterer solrigt og klart vejr, ligesom "det gyldne ur", ikke et fremragende resultat. Tværtimod viser erfaringen, at stormskyer og solen, der skinner igennem dem, giver interessante resultater. Ligeledes er regn, regnbuer og andre vejrmirakler gode til arkitektonisk fotografering. Selvfølgelig vil du ikke være i stand til nøjagtigt at forudsige sådanne effekter, men du kan i det mindste stole på prognoserne og overvåge dem for at vælge det bedst egnede vejr til dit skud.

Du kan vende tilbage til det samme motiv under forskellige vejrforhold og skyde ind forskellige forhold, da det kun gennem erfaring vil være muligt at forstå, hvad der vil fungere bedst.

Udnyt lys og skygge

Lys er det vigtigste element i fotografering, det ved alle, uanset erfaring og mængde gode billeder. Bygninger, som vi med sikkerhed kan sige, i det mindste baseret på vores egen visuelle opfattelse, har en tendens til at ændre sig betydeligt afhængigt af belysningen. Direkte sollys og solen, der titter frem bag skyer, giver forskellige effekter, og bygninger med natbelysning ser helt anderledes ud. Måden miljøet ændrer sig på er også helt naturligt: Alt omkring kan enten belyses eller tværtimod mørklægges. Selve bygningen kan endda ændre farve.

Lyskildens position og retning kan skabe fantastiske effekter, såsom silhuetten af en bygning ved solnedgang. For at gøre dette skal du bare skyde fra det punkt, hvor solen er skjult bag bygningen. Selvfølgelig skal dette bruges til bygninger, der har en interessant form.

Lys er især vigtigt for moderne skyskrabere dækket med glas: refleksioner og reflekser kan bruges, når du fotograferer dem.

Synspunkter skal være forskellige

En fotograf bør aldrig fryse ét sted, han skal være dynamisk i at søge efter den bedste vinkel. Og nogle gange kan den bedste vinkel være helt uventet. At fjerne en bygning fra facaden er en ret doven tilgang. Gå rundt om det, se nøje på detaljerne og vinklerne, bøjninger og drejninger, se gennem linsen.

En fantastisk teknik er at skyde nedefra. Og ikke kun fra centrum, men fra væggene. Udsigten, som en flue eller edderkop får fra væggen, er vores mål. På denne måde fanger du ikke kun det direkte udsyn, såsom kuplen på en bygning, men også væggene, søjlerne og arkitektoniske elementer, som i sidste ende giver en meget større forståelse af bygningen.

Den modsatte effekt er også interessant - at skyde langvejs fra og ovenfra. Hvis du har mulighed for at vælge et sted, hvorfra du kan indfange hele bygningen i rammen, så brug den.

Kontakt venligst særlig opmærksomhed online

Linjer og kurver er, hvad en arkitektonisk struktur er lavet af. Derfor skal en succesfuld fotograf lære at se på en bygning gennem en arkitekts øjne - det vil sige at se silhuetter og konturer, i det væsentlige i form af en skitse. Skelne detaljer og dele fra helheden.

På denne måde vil du kunne se de unikke former, der adskiller motivet for din fotografering fra resten af miljøet, og det er disse, der skal fremhæves i fotografiet.

For eksempel har kvadratiske bygninger gavn af perspektiv - op eller frem, på afstand eller tæt på. Du kan afspejle enten strukturens monumentalitet og squathed eller dens opadgående stræben.

Det er meget sjovere at arbejde med bygninger originale formularer Heldigvis er moderne arkitektur ofte afhængig af ødelagte eller bløde former. De skaber en speciel effekt, så du ikke behøver at fange dem i deres helhed på billedet. Nogle gange skaber et hjørne af en bygning mod himlen eller omgivelserne nok stemning til hele billedet.

Følg reglerne for sammensætning

Komposition er vigtig i enhver form for fotografering, og arkitektonisk fotografering er ingen undtagelse. Det er fejl i rammens kompositionsstruktur, der kan have størst betydning for resultatet. For eksempel kan en forkert skydeposition resultere i, at en bygning bliver forvrænget. Ofte kollapser bygninger, hvis sammensætningen ikke er designet korrekt.

Derfor skal en fotograf følge regler som reglen om tredjedele eller dens mere komplekse version - det gyldne snit. Moderne kameraer hjælper som regel med dette - på mange enheder har søgeren et indbygget gitter, der deler skærmen i 9 dele. Med dens hjælp er det meget nemt at forstå præcis, hvor man skal placere et objekt, så billedet bliver glat.

Det er også nødvendigt at tage højde for den naturlige forvrængning, der opstår ved brug af et vidvinkelobjektiv.

Uanset hvad er fotografens hovedmål at omhyggeligt fange, hvad der er i søgeren. Dette kan gøres både på forhånd og direkte under optagelsen. Det vigtigste er ikke at være bange for at prøve at tage billeder indtil ønskede resultat vil ikke blive opnået.

Vær ikke genert over sort-hvide billeder

Former kræver som bekendt ikke farve. Derfor distraherer overfloden af blomster nogle gange kun fra en perfekt konstrueret sammensætning. Hvis du støder på en situation, hvor der er for meget farve i rammen, skal du ikke skynde dig at flytte til et andet sted eller skifte motiv. Prøv at konvertere billedet til monokromt. Dette bringer øjeblikkeligt lys og skygge frem og fokuserer beskuerens opmærksomhed på kompositionen og linjerne, der er til stede i billedet.

Men når du beslutter dig for at konvertere et billede til sort/hvid, er der to vigtige punkter at overveje. Den første er, hvor vigtig er farve i fotografering? Nogle gange er farve en af de mest vigtige elementer arkitektonisk struktur, så dets tab kan have en negativ indvirkning. Det andet er, hvor vigtig form er. Hvis form dominerer farver, er sort/hvid fotografering passende.

Under alle omstændigheder kan du først beslutte dig med hundrede procent sikkerhed, når du har prøvet begge muligheder.

Glem ikke om efterbehandling

Moderne fotografer bryder sig ikke om at vise, at mange af dem bruger efterbehandlingsværktøjer. Det er der dog ikke noget galt med. Tværtimod hjælper speciel software og tilsvarende applikationer nogle gange med at opnå resultater, som ikke kan opnås manuelt med et kamera alene. For at maksimere mulighederne for efterbehandling skal du selvfølgelig altid optage i RAW-format. Senere vil dette give dig mulighed for at stramme eksponeringen op, rette mindre fejl og så videre. Du skal ikke være bleg for indramning, for ofte bliver der under filmprocessen skabt en ramme, der ikke er så god som helhed, som den er i detaljer.

Her har vi mulighed for at korrigere forvrængning forårsaget af linsen, kromatisk aberration og vignettering.

Ifølge traditionen er vores vigtigste råd- skyd, skyd og skyd igen. Når alt kommer til alt, kun gennem øvelse kan du opnå perfektion.