Mimari fotoğrafçılık. Evde doğru şekilde fotoğraf nasıl çekilir? Neden mimariyi fotoğraflamanız gerekiyor ve bu konuda en başarılı olan kim?

Mimari yapıların fotoğraflanması, binaların, mimari anıtların, katedrallerin, kiliselerin vb. tüm özgünlüğünü ve ihtişamını korumanıza olanak tanıyan fotoğraf sanatıdır. Bunu anlamak binaların fotoğrafı nasıl çekilir Sıradan bir tatil gezisinde bile tatilcilerin ziyaret ettiği yerlerin tüm güzelliğini olabildiğince aktarabilecek muhteşem fotoğraflar çekebileceğinizi anlıyorsunuz.

Binaların nasıl fotoğraflanacağıyla ilgileniyorsanız, bu makale tam size göre. Bu olduğunda bina fotoğrafçılığı, görüntüyü etkileyen tüm faktörlerin dikkate alınması gerekir. Nihayet en büyük sorun Bu durumda fotoğrafçının büyük, statik bir nesneyle çalışıyor olmasıdır. Bu tür problemleri çözerken gerekli olan kurallar burada geçerli olmayacaktır. Burada öncelikle o kısmı belirlemeniz gerekiyor mimari yapı, çerçevenin içinde olacak. Daha sonra güneşin binanın fotoğrafı çekilen bu bölümünü tam olarak ne zaman aydınlatacağını belirleyin. Güneşin yapıyı mümkün olduğunca olumlu aydınlatması için pozisyon almak gerekir. Mimari fotoğraf çekerken arka ışıkta, yani güneşin fotoğrafçının önünde olduğu ve binanın arkasından parladığı zamanlarda çekim yapılması önerilmez. Aşağıdaki resimde güneşin gün boyunca nasıl hareket ettiği gösterilmektedir. Bu arada, asla kuzeyden parlamaz.

sırasında bunu sağlamak zorunludur. binayı filme almak bulutlar örtmedi güneş ışığı. Bu, çerçevenin meçhul ve ilgisiz görünmesine neden olabilir. Ayrıca bulutlu havalarda fotoğraf çekerken, düşük ışıkta çekim için geçerli olan tüm kuralları dikkate almanız gerekir. Bununla birlikte, bununla ilgili makaleyi okumayı başardıysanız, bu sizin için sorun olmayacaktır.

Fotoğrafçının yapıya göre yüksekliğine bağlı olarak farklı görüntüler elde edileceği unutulmamalıdır. Fotoğraf çekiminin sonunda ortaya çıkan fotoğrafları inceleyin. Bu, görüntüleri değerlendirmenize ve çok geç olmadan hatalar üzerinde çalışmanıza yardımcı olacaktır. Gelecekte hataları tekrarlamamak ve iyi fotoğraf çekme tekniklerini hatırlamak için.

Nesneye ne kadar yakınsanız fotoğrafta o kadar büyük ve devasa görüneceğini unutmamak önemlidir. Yani altından çekim yaparsanız mimari yapının tüm heybetini ve ihtişamını gösterebiliyorsunuz. Bina fotoğrafçılığı Profilden yakın mesafeden kullanılması önerilmez. Yapı çerçeveye sığmayacak kadar büyükse dikkatinizi tek tek parçalara odaklamaya çalışın. Hiçbir durumda vakfın bir kısmını kesmeye çalışmamalısınız!

Genellikle yakın mesafeden çekim yaparken perspektif bozulması. Bu, nesnelerin doğal oranlarının ihlaliyle ifade edilir. Örneğin bir binanın paralel olması gereken duvarları yukarıya doğru birbirine yaklaşacaktır. Bu, binanın yıkılmak üzere olduğu hissine kapılmanıza neden olabilir. Bununla mücadele etmek için doğru açıyı seçmeniz gerekir. Kural olarak, tam olarak binanın merkezinde bulunur. Ek olarak, perspektif düzeltmeye yardımcı olacak fotoğrafları Photoshop'ta işleyebilirsiniz.

Photoshop'ta perspektifi düzeltme

Bir fotoğrafı düzeltmek için onu programda açın. Daha sonra Filtre -> Mercek Düzeltme sekmesine gidin. Şimdi “Özel” sekmesini seçin. Ardından size uygun düzeltmeyi seçin.

Fıçı veya iğne yastığı distorsiyonunu gidermek için, fotoğrafın merkezinden içbükey veya kavisli olan dikey ve yatay çizgilerin düzlüğünü ayarlamak için kaydırıcıyı hareket ettirin. Bu düzeltme Bozulmayı Kaldır aracı kullanılarak yapılabilir. Kaydırıcıyı ölçeğin sağ tarafına sürükleyerek fıçı distorsiyonunu, sola doğru sürükleyerek de yastık distorsiyonunu düzeltebilirsiniz. Boş bir fotoğrafın kenarlarını telafi etmek için “Otomatik düzeltme” sekmesinde “Kenar” seçeneğini ayarlamanız gerekir.

Saçak efekti, bir renk kanalının değeri diğerine göre ayarlanarak değiştirilebilir. Fotoğrafın kenarlarındaki ek aydınlatma veya koyulaştırma miktarını belirlemek için kenar ayrıntısı azaltma boyutunu kullanın.

Fotoğraf makinesinin yukarı veya aşağı eğilmesinden kaynaklanan fotoğraf perspektifini düzeltmek için. Dikey çizgiler paralel yapılmalıdır. Bir fotoğrafın yatay perspektifini düzeltmek için yatay çizgileri paralel hale getirmeniz gerekir.

Ayrıca kameranın eğimini düzeltecek veya perspektifi düzelttikten sonra düzeltecek şekilde görüntünün dönüşünü de değiştirebilirsiniz.
Fotoğrafta iğne yastığı distorsiyonunu, döndürmeyi veya perspektifi düzeltirken oluşan boş alanları kaldırmak için yakınlaştırabilir veya uzaklaştırabilirsiniz.

İşte mimarinin nasıl fotoğraflanacağına dair bazı ipuçları. Görüntünün açısını denemekten korkmamanız gerektiğini unutmayın, çünkü bazen bu alışılmadıklık çok önemli bir rol oynayabilir. Mimariyi fotoğraflarken yumuşak ışıkla uğraşmak daha iyidir. Ancak bazen parlak kontrastlar yapının tüm avantajlarını çok avantajlı bir şekilde vurgulayabilir. Bina ile aranızdaki mesafenin önemli olduğunu unutmayın. Kameranızda değişken odaklı bir lens kullanmak daha iyidir. Şunu da unutmamak gerekir ki eğer uzun mesafe dikey çizgiler bozulmaya başlar. Ve bu kaçınılmalıdır. Bina parlak güneş ışığında pek çekici görünmüyorsa akşam ışığı size yardımcı olacaktır. Özellikle kışın havanın temiz ve şeffaf olduğu zamanlarda. Arka planın fotoğrafta önemli bir rol oynadığını unutmayın. Bulanık bir arka plan, alan hacmi yaratacaktır ve ön plandaki nesneler gözü durdurmamalı ve fotoğrafın ana konusu olan mimari yapıdan dikkati dağıtmamalıdır.

Er ya da geç, profesyonel bir fotoğrafçı, hatta bir amatör, binaları fotoğraflama göreviyle karşı karşıya kalır. Bu, fotoğrafçının en donuk yapının bile tüm ihtişamıyla sunulmasına olanak sağlayacak düzeyde tekniğe hakim olmasını gerektiren oldukça spesifik bir fotoğrafçılık alanıdır. İster Moskova'da bir reklam kampanyası için bir fleboloji kliniği, ister bir opera binası olsun, mimarinin gerekli tüm açılarını vurgulamak için, mimari fotoğrafçılığın özelliklerine aşina olmanız gerekir.

Mimari fotoğraf türleri

Mimariyi fotoğraflamak bir fotoğrafçının yaratıcılığı için çok büyük bir alandır. İki türe ayrılabilir:

sanatsal;
belgesel

Sanatsal fotoğrafçılığın temeli, ruh halinin, gerekli duyguların aktarılması ve yaratılmasının yanı sıra şehrin özelliklerini vurgulama yeteneğidir. Mimarinin belgesel fotoğrafçılığı ise şekilleri, boyutları, dış görünüş ve dokular.

Mimari nesnelerin çekimi için kurallar

Mimari fotoğrafçılığın temel özelliği nesnelerin hareketsizliği ve sabit konumlarıdır. Sonuçta aynı bina yılın zamanına ve ışığa bağlı olarak farklı şekilde fotoğraflanabiliyor.

Buna inanılıyor en iyi zaman Mimari nesnelerin fotoğrafını çekmek için ışınların eşit şekilde dağılacağı ve gölgelerin daha yumuşak olacağı güneşli bir gün. Bu koşullar altında binanın gerekli tüm detaylarını net bir şekilde aktarmak mümkündür.
Güneşin üst tarafta aydınlatma yaratacağı sabah veya akşam saatlerinde çekim yapmayı seçin.
Bir nesnenin hacmini göstermek için cephe fotoğrafçılığı yerine açısal fotoğraf kullanmak daha iyidir.
Binanın boyutu, çerçevedeki insanları veya arabaları göstermeye ve vurgulamaya yardımcı olacaktır.
Yüksekliği göstermeniz gerekiyorsa bir binayı aşağıdan yukarıya doğru çekmekten kaçının. Kamerayı kaldırmanıza gerek kalmayacak bir açı bulmaya çalışın, aksi takdirde nesnenin kalitesi büyük ölçüde düşecektir.
Binanın bazı unsurlarını vurgulamanız gerekiyorsa siyah beyaz fotoğrafın efektini kullanabilirsiniz.

Mimari fotoğrafçılıkta başarının anahtarı hazırlıktır. Fotoğrafçının binanın detaylarını dikkatlice incelemesi gerekiyor. genel görünüm ve mimari tasarımın özellikleri, doğru zamanı ve aydınlatmayı seçin, o zaman sadece bir profesyonel değil, aynı zamanda bir amatör de bu görevle baş edebilecektir.

Fotoğraf: Bruno Abarca

Mimarlık, tarihin gelişim yoluna yerleştirdiği kilometre taşlarıdır. Uzun zamandır yaşamımızın arka planı haline gelen binalar ve yapılar günlük yaşam, en erişilebilir fotoğrafçılık konularıdır. Hepsiyle mimari tarzlar ayırt edici özellikler Geçmiş dönemleri, yaşamı ve geçmiş yılların yaşamını gösteren, bir fotoğrafçı için yaratıcı fikirlerinin sonsuz bir faaliyet ve ifade alanı haline gelebilir.

İlk kez fotoğrafçılığa başlayacaklar için uygun bir hedef

Durgunluğu, fotojenitesi ve plastik hacimleriyle ilk fotoğrafçıların ilgisini çeken mimariydi. Dagerreyotipinin icadından bu yana çok fazla zaman geçmemişti ve ilk fotoğrafçılar çoktan Amerika'ya seyahat etmişlerdi. farklı ülkeler dünya ve fotoğraflanan mimari yerler. Tarihinin başlangıcında bu tür, daha da gelişmesini belirleyen birçok yetenekli insanı cezbetti.

Böyle bir adam, 1892'de diğer amatörlerle birlikte fotoğraf sanatına adanmış bir grup sanatçı olan Linked Ring'i organize eden Emerson'du. Bu topluluk Frederick G. Evans'ı da içeriyordu. Çalışmaları önümüzdeki birkaç yıl boyunca fotoğrafçılığın gelişimini büyük ölçüde belirledi ve çağdaşları Evans'ın fotoğraflarından mimarinin en zarif kopyası olarak bahsetti.

Geçen yüzyılın başlarındaki bir diğer ünlü fotoğrafçı olan Charles Schiller, mimari yapıların net biçimlerine hayran kalarak, gerçek bir sanatçının becerisiyle, yaşadığı evin çevresindeki çiftlik binalarının şiirlerini, Afrika heykellerini ve Afrika heykellerini fotoğraf filmine aktardı. kentsel manzaraların görkemi.

Richard Çifti

Zamanımızın fotoğraf ustaları arasında, fotoğraf tarihiyle ilgili kitapların yayınlanmasında da rol alan Richard Paire özellikle öne çıkarılabilir. Paire, Rusya'da birçok fotoğraf çekti ve eski Sovyet devletinin gerçekleri içinde Rus yapılandırmacılığının anıtlarını fotoğrafladı. Yazarın kendisi, böyle bir temayı tasvir etmek için ünlü Sovyet mimarı, tasarımcısı ve sanatçısı Tatlin'in çalışmalarından ilham aldığını söylüyor.

Temel Unsurlar

Mimarlık fotoğrafının nasıl olması gerektiğinden bahsetmişken, bunun birkaç yönü üzerinde durabiliriz: birincisi, mimari fotoğrafın bağımsız bir sanat eseri olması, ikincisi ise mimari yapının bir kentte katılımcı rolü oynaması, manzara görevi gören endüstriyel veya diğer manzaralar ve son olarak üçüncüsü, mimari bir nesnenin fotoğrafını çekerken bir belge veya unutulmaz bir fotoğraftır.

Şu ya da bu mimari eseri basitçe yakalama görevinden tamamen uzaklaşan fotoğrafçı, hayal gücünü özgür bırakıyor. Mimarinin yazarın duygularını, ruh halini ve dünya görüşünü aktarmanın bir yolu olduğu fotoğraflar böyle doğar. Fotoğrafta yeniden yaratılan bina ve evlerin sanatsal görüntüleri aracılığıyla sanatçı, binanın inşa edildiği döneme nüfuz ediyor. Öyle görünüyor ki, fotoğrafçının kendisi de bir mimar oluyor, geçmişi yaratımıyla birlikte yaşıyor ve bu sayede bugünün yeni yönlerini ortaya çıkarıyor. İzleyici üzerindeki estetik etki ve izleyicide yankı uyandırabilmesi, fotoğrafçının yeteneğine ve dünyayı görme biçimine bağlıdır. Yazarın fotoğrafları sembolizmle doludur. İzleyiciyi düşünmeye iten bu fotoğraflar, bakan herkesin ruhunda özel, bireysel bir tepki buluyor.

Kent, nüfusuyla, binalarıyla, meydanlarıyla, parklarıyla tek bir bütün gibi hareket ediyor. Mimari yapılar günlük hayatımızın ayrılmaz bir parçasıdır; insan yaşamının sessiz tanıkları olarak kentsel resme organik olarak uyum sağlarlar ve fotoğrafçı tarafından manzara fotoğrafçılığına dahil edilirler veya bir fotoğraf taslağına katılımcı olurlar. Mimari bir manzara fotoğrafının canlanması için fotoğrafçı, gerçekliğin kendisine sağladığı her şeyden ustaca yararlanabilir. Fotoğrafını çektiğiniz binanın etrafındaki ağaçlar ruh halini yaratacak ve perspektifi vurgulayacaktır. Bu tür fotoğraflarda mimari yapıyı yapının bir parçası haline getiren insanlar ve hayvanlar vardır. insan hayatı ve onu insanlaştırır. Burada her şey, gri gerçekliği olağanüstü bir şeye dönüştürebilen fotoğrafçının elinde.

Pratik hedefler

Mimari fotoğrafçılık uygulamalı amacına hizmet edebilir: çizimlerin, yapım aşamasındaki nesnelerin, mimari toplulukların fotoğraflanması. Aslında bu çoğunlukla sipariş üzerine yapılır. Fotoğrafçı, müşterinin belirlediği katı sınırlar dahilindedir.

Bu durumda fotoğrafların binanın oranlarını, boyutlarını, net ve doğru bir şekilde aktarması gerekir. renk şeması, bitirme detayları. Bu tür fotoğraflar sanat eseri değil, yalnızca mimari bir nesnenin olumlu bir görüntüsüdür. Böylesine tamamen teknik bir görev aynı zamanda fotoğrafçının belirli beceri ve yeteneklerini de gerektirir. Birçok mimari topluluklar Anıt statüsünde olan ve bütün bir ulusun tarihi mirasını oluşturan, görsel illüstrasyon tarihi ve gelişimi. Kitapçık ve albüm derlemek de mimari fotoğrafçılığın uygulamalı bir uygulaması olarak sınıflandırılabilir. İnsanların hafızasındaki taş güzelliklerini koruma arzusu, belirli bir binanın mimari değerini izleyiciye ustaca aktarma arzusu, bir fotoğrafçının asil hedefidir.

Peki, St. Petersburg akşamı hakkındaki makaleleri, binaların gece fotoğrafçılığının özelliklerini ve gece şehir manzaralarının fotoğraflarını okuyarak ve ayrıca sitemizdeki diğer materyalleri inceleyerek mimariyi nasıl doğru şekilde fotoğraflayacağınızı öğreneceksiniz.

Vlast, Archcode Almaty ile birlikte mimarlık üzerine bir dizi eğitici konferansa devam ediyor. Ünlü mimari fotoğrafçı Yuri Palmin Almatı'yı ziyaret etti. Archcode Almaty ve Vlasti'nin isteği üzerine sitemizin fotoğrafçıları ve aboneleriyle bir araya gelerek mimari fotoğrafçılık üzerine sıkıştırılmış bir kurs verdi.

Dersin video kaydı:

Dersin tam metni:

Burada, şehrinizde olmaktan ve bir şeyler yapmaktan mutluyum. büyük proje Almatı mimarisine ve özellikle savaş sonrası Sovyet modernizmi dönemine adanmıştır.

Ben mimari fotoğrafçı Yuri Palmin, neredeyse 30 yıldır bu işi yapıyorum. Bir şekilde mesleğimi değiştirmenin zamanı geldi, bunu zaten çok fazla yapıyorum. Prensip olarak, nasıl yapılacağını bildiğim tek şey bu ve bu nedenle sizinle bunun hakkında konuşacağım. Bugünkü toplantımızın hepimize fayda sağlayacağını umuyorum. Bu akşamı şu şekilde düzenlemeyi düşünüyorum: Bir giriş yapacağım, mümkün olduğu kadar kısa tutmaya çalışacağım. Daha uzun sürerse lütfen beni bağışlayın. Aslında bu, sadece üç ders verdiğim, sonra da kredisini aldığım, sıkıştırılmış bir mimari fotoğrafçılık dersi. Elbette bugün size biriyle ya da diğeriyle eziyet etmeyeceğim, bu girişi olabildiğince kısa yapmaya çalışacağım çünkü bu hikayenin - tarihin tarihinin - genel olarak anlaşılması için son derece önemli olduğuna inanıyorum. Bugün bilinçli olarak mimariyi fotoğraflayan bir kişinin ne yapabileceğine ve ne yapabileceğine inanıyorum. Gerçek şu ki mimari fotoğrafçılık da mimari gibi artık zor bir dönemden geçiyor. Ve genel olarak fotoğrafçılık.

Yuri Palmin - mimari fotoğrafçı, “Fotoğrafçılık” programının öğretmeni. İngiliz Tasarım Yüksek Okulu'nda "Temel kurs". AD Magazine, Vogue, World Architecture, RIBA Journal, Icon Magazine, Domus, Abitare, Speech, EXIT, Mark Magazine, Project Russia gibi popüler ve profesyonel yayınlarla işbirliği yapmaktadır.

Görüntülerle dolup taşan bir çağda yaşıyoruz. Her yerden görüntüler yağıyor üzerimize, içinde boğuluyoruz, bazen keşke biraz daha az olsa diyoruz. Daha önce olsaydı özel insanlar– Bu bilgiyi tüketiciye görsel olarak ulaştıran fotoğrafçılar, artık böyle bir ayrım yok, herkes fotoğrafçıdır. Bir süre sonra profesyonel ve profesyonel olmayan fotoğrafçılardan bahsetmenin mümkün olacağını da düşünmüyorum; Ancak bu tür görsel bilgileri bilinçli olarak elde etmek ve sunmakla meşgul olan insanlardan profesyonel olarak bahsedebiliriz. Belki de onlara fotoğrafçı olmayanlar denilmeli. Burada fotoğrafçılık tarihinin mimarlık tarihiyle nasıl bağlantılı olduğu ve genel olarak mesleğin nasıl ortaya çıktığı hakkında kısa bir giriş bulacaksınız. Daha sonra birkaç projemi göstereceğim. Fotoğraflarım ilk bölümde yer almayacak, mimari fotoğrafçılık tarihine geçmemiştir.

Mimari fotoğrafçılık, fotoğrafçılıkla aynı anda başlar. Daha doğrusu, fotoğraf bir panayır oyunu, bir mucize olmaktan çıkıp oldukça sıradan bir insan etkinliği haline geldiğinde. Bu 19. yüzyılın ortalarında olur.

Mimarlık, fotoğrafçılık için, özellikle de erken dönem fotoğrafçılığı için çok lezzetli bir konudur. Neden olduğu açık. Birincisi, mimari hareket etmediğinden ve uzun enstantane hızlarında çekim yapabildiğimizden, dört dakikalık bir enstantane hızı sırasında hareket etmemesi için portre çekerken olduğu gibi bir kişiyi özel bir mengenede tutmamıza gerek kalmıyor. İkincisi ve çok önemlisi mimarlık tartışılmaz bir değerdir. Yani mimari bir eserin fotoğrafını çekerken değerli olduğu belli olan bir objeye dair görsel bilgi aktarıyoruz, bu çok önemli. Ayrıca aynı zamanda mühendisliğin mimarlığa nüfuz etmesiyle birlikte mimarlık mesleğinde de değişiklikler olmaya başlıyor, birbirleriyle bağlantı kurmaya başlıyor. 19. yüzyılın ortasının teknik olarak yeni bir mimarlık dönemi olduğunu biliyoruz ve bu aynı zamanda bilinçli şehirciliğin başlangıcının da dönemidir ve bu elbette öncelikle Paris Belediye Başkanı Baron Haussmann'ın yaptığı değişikliklerle ilişkilidir. 40'lı yılların başından XIX. yüzyıl ve sonrasından beri Paris'te yapılıyor. Ve sonra Paris'te Paris Coğrafya Topluluğu kuruldu, bu, aslında mesleğin kurucusu Edouard Baldus'un önderliğinde çalışan ilk mimari fotoğrafçılar ekibidir. Bu kişiler şehir yetkilileri adına çalışıyorlar, şehir çalışmaları tarihinde kısa sürede bir şehrin başına gelen en ciddi değişimleri yaşayan bir şehri kayıt altına alıyorlar. Bunlar kademeli değil, doğal değişiklikler değil, zorla yapılan değişiklikler diyebiliriz. Bu nedenle öncelikle şehrin kayıt altına alınması gerekiyor. İkinci olarak, şehrin mutlak değerini oluşturan nesnelerin bir listesini derlemek gerekiyor.

Bu fotoğraflara baktığımızda mimariyi fotoğraflamak için özel bir talimat listesinin geliştirildiğini görüyoruz. Öncelikle mimari kaldırılmalı, mümkünse cepheler önden kaldırılmalıdır. Güneş ışığı, cephelere mümkün olduğu kadar cephelerin dokularını ve mimari detaylarını ortaya çıkaracak şekilde düşmelidir, yani kural olarak yaklaşık 45 derecelik bir açıyla düşen ve tamamı geometrik olan ışıktır. çarpıtmalar - bu mimari fotoğrafçılıkta onun hikayesindeki en önemli şeydir. Bu mesleğimiz hakkında çok şey anlatan küçük bir teknik detay. Gördüğünüz gibi bu fotoğraflarda tüm dikey paralellikler paraleldir.

Genellikle elimizde bir telefon ya da geniş açılı lensi olan bir kamerayla dolaştığımızda, yukarı baktığımızda dikey paralel olanların çöktüğünü bilirsiniz ve buna zaten alışığız aslında. Üstelik kamerayı eğerek gördüğümüze uymayan bir görüntü elde ediyoruz. Mimariye gözlerimizle, daha doğrusu sadece gözlerimizle değil beynimizle bakarken, vestibüler aparatımızdan aldığımız verilere göre sürekli olarak dikey perspektifi ayarlıyoruz. Ne kadar başımızı eğdiğimizi biliyoruz, bu çarpıklığı ne kadar düzeltmemiz gerektiğini de biliyoruz. Teknik fotoğrafçılıkta bu tür bir düzeltme çok basit bir şekilde yapılır. 19. yüzyılın ortalarından kalma bir kameranın bağımsız mercekleri ve film levhaları vardır, böylece merceği filme paralel olarak sanki ufku indiriyor ve dikey paralelliği koruyormuş gibi hareket ettirebiliriz. Shift lenslerin şimdi yaptığı şey budur. O zamanlar tüm mercekler kaydırılıyordu. Ve bu da talimatlardan biri: maksimum ön cephe ve ışık, ayrıntıları maksimum düzeyde vurguluyor.

En ilginç olanı ise aynı Eduard Baldus'un aynı zamanda dijital süreçte artık her yerde kullanılan bir teknik geliştirmesiydi. Bu bir yapıştırmadır. O zamanın lensleri yeterince geniş olmadığı için böyle bir iç mekanı fotoğraflamak mümkün değil. Bu nedenle fotoğraf parçalar halinde çekilmiştir. Daha sonra bu parçalar - negatifler kesilir, birbirine yapıştırılır, tüm bunlar doğaldır, elle yapılır, tüm bunlar cam plakalar üzerinde yapılır ve ardından onlardan kompozit bir görüntü basılır.

Bu dijital teknik 19. yüzyılın ortalarında icat edildi.

Hemen Baldus ve Fransız fotoğrafçıların torunlarına atlıyorum - 9 yılda 42 fotoğraf çekmesiyle ünlü bu Alman fotoğrafçı Marcus Brunetti ve dokuz yıllık son derece yoğun yaratıcılığının tüm ürünü, Avrupa'nın cephelerini gösteren 42 fotoğraftır. Bunlar fotoğraflar.

Fransızların çektiklerine bir şekilde benzediklerini görüyoruz ama yakından baktığımızda aslında böyle bir fotoğraf çekmenin imkansız olduğunu göreceğiz. Çünkü cephelerin belirli detaylarının görülebildiği açılar aslında farklı noktalardan alınmıştır. Gözümüz bu şekilde görmek ister. Aslında bu cepheye baktığımızda biz beynimiz böyle bir şey görüyoruz ama onu asla bu şekilde fotoğraflayamayacağız. Ancak Marcus Brunetti'nin kullandığı çok karmaşık bir teknikle, yani bu cepheyle, bu fotoğraf, şehrin farklı noktalarından çok uzun bir mercekle çekilen ve daha sonra düzeltilip yapıştırılan yaklaşık bir buçuk bin parçadan oluşuyor. Bu yaklaşık olarak Baldus'un yaptığının aynısıdır, ancak birkaç kat daha karmaşıktır.

Her fotoğrafın çekimi aslında birkaç yıl sürebilir çünkü Paris'e geldiğimizi biliyoruz ve orada, Notre Dame Katedrali'ndeki bir kule kesinlikle restore edilecek, Köln Katedrali'nde olduğu gibi. Buna göre Brunetti aynı yere geri dönüyor; doğal olarak her şeyi yazıyor. Geri geliyor, uygun çekimleri yapıyor ve uzun yıllar süren çalışmanın meyvesini bunun gibi resimlere dikiyor. Burada dikkat çekici olan şey, böyle bir cephenin binaların mimarları tarafından bile görülmemesidir, çünkü kural olarak, Gotik veya Rönesans katedralinin cephesinin oluşturulması birkaç nesil sürmüştür. Mimar bunu çizebiliyordu ama göremiyordu çünkü işin yarısı tamamlandığında ölmek üzereydi. Bu teknik mimari fotoğrafçılık okulunun koşulsuz müritlerinden bir diğeri, ikisi de ne yazık ki artık hayatta olmayan çok sevdiğim saygın sanatçılar, Brand ve Düsseldorf fotoğraf okulunun kurucuları Hila Becher'dir.

Bütün bunlar bulutlu havalarda çekildi. Bir havada, tek mercekle, aslında modern sanatın hazinesine girmiş bir dizi nesneyle ünlüler. Yani aynı teknik fotoğrafçılığı modern sanata aktardılar ve Düsseldorf'ta sanat fotoğrafçılığı okulunu kurdular. Öğrencileri arasında çok ünlü Thomas Struth, Thomas Ruf, Andreas Gursky, dünyanın en pahalı fotoğrafı olan 4,5 milyon dolarlık “Rhine II”nin yazarı, fiyatı aslında işin bir parçası ama bu daha fazlası. karmaşık, bu ayrı bir dersin parçası.

Bu fotoğrafçılar aynı zamanda seri oluşturmak için de bu tür talimat setlerini kullandılar ve çekim sürecine teknik olarak yaklaştılar, örneğin bu Struth'un ünlü “Sokaklar” serisi; dünyanın farklı yerlerindeki şafaktan sonra ıssız sokakları fotoğrafladılar. Ve bütün sokakları böyle, ıssız, ölçeksiz ki bu çok önemli. Ve içlerinde hiç kimse yok, mimari fotoğrafta insanın varlığından biraz sonra bahsedeceğim. Bu dünyada var olan en radikal mimari fotoğraflardan biridir. Bu, İsviçre'deki Ricola şekerleme fabrikasının deposunun bir fotoğrafıdır.

Herzog et de Meuron en ünlü mimarlık bürolarından biridir. Muhtemelen son projelerinden birini görmüşsünüzdür: Hamburg'daki Elbphilharmonie. Bu, son zamanların en büyük ve en pahalı mimari eserlerinden biridir.

Gördüğümüz gibi pek çok şeyin kurucusu olan Baldus'un karşısındaki ikinci figür, genel olarak sanat ve kültür tarihinde son derece önemli bir figür olan Eugene Atget'tir.

O da Parislidir, yalnızca Paris'te çalışmıştır, yalnızca Paris'in fotoğraflarını çekmiştir, Baudelaire'in XIX sonu yüzyıllarda flâneurs olarak adlandırıldı. “Flaneur” kavramının daha sonra Walter Benjamin ve daha sonra 60'ların Sitüasyonistleri aracılığıyla yeni sol kent kültürünün temel kavramlarından biri haline geldiği açıktır. Bir flâneur, kendi şehrinde kaybolabilen bir adamdır. Flâneur, şehrin neresinde olduğunu bilmeden dolaşan, hedefle ilgilenmeyen, hareketin kendisiyle ilgilenen kişidir. Flâneur bir ok gibidir, şehri kendisiyle, ince sinirleriyle, ince hisleriyle ölçen bir ölçüm cihazıdır.

Haussmann'ın reformları, Paris Coğrafya Derneği'nin kurulmasına yol açtı. Eugene Atget, Paris'te yaşıyor ve Haussmann'dan nefret ediyor, tahammül edemiyor... Onun için bu kentsel reformlar, incelikle hissettiği şehrin dokusuna bir müdahaledir ve ona çok kişisel ve yakından davranıyor.

Walter Benjamin, Atget'in fotoğraflarının bazen insanların ortaya çıktığı bir olay yerinden fotoğraflar olduğunu söylüyor. Ama bu insanlar, bu bir ölçek ya da yaşayan bir karakter değil, ama bu organik kısım Atget'in sinirleriyle bağlı olduğu şehrin tam da bağlantısı. Maalesef zaten doğrulanan bilgilere göre Atget, tetikçiler gibi şehirde dolaşmıyordu. ölçüm cihazı ancak şehri meydanlara çekerek yürüyüşlerini planladı. Ve ne yazık ki kabul etmek gerekir ki sanat tarihi ondan bu romantik havayı alıp götürmüştür. Daha sonra kronolojik olarak ilerliyoruz.

Atget'in takipçileri romantik fotoğrafçılardır; mimarlık eserini kaydedilmesi gereken bir nesne olarak değil, kendi yaşamlarının bir parçası olarak gören fotoğrafçılardır. iç dünya Dış dünyayı fotoğraflayarak kayıt altına alıyorlar. Sonra 20. yüzyıl başlıyor. Kısmen fotoğrafın kendisinde meydana gelen teknik değişikliklerle ilgili ilginç olaylar yaşanmaya başlıyor. Fotoğrafçılık tamamen seri üretime geçiyor. Yüksek kaliteli baskılar üretmek için herhangi bir özel beceriye veya yeteneğe ihtiyacınız yoktur.

Albert Renger-Patch, 20'li yıllarda Almanya'daki Yeni Madde hareketinin liderlerinden ve kurucularından biridir. Ve onun mimari fotoğrafçılığa temel katkısı, gündelik olanı gündelik hayata ve mimari fotoğrafçılığın söylemine sokan kişinin Renger-Patch olmasıdır. Yani hem mimari anıtları hem de şehir manzaralarını anıt olarak fotoğraflıyor.

Bu durumda, bu set sanki filme alınmış gibi doğru ışıkta Kesinlikle mimari fotoğrafçılığın tüm kurallarına uygun olarak çekildi ama burada neyin çekildiğini söyleyemeyiz: çan kulesi mi, evlerin cepheleri mi, ön plandaki çitler mi, çünkü her şey orada. Onun için ayrı nesnelere bölünmemiş bir kentsel ortam gibidir.

Daha da ileri gidiyor ve endüstriyel nesnelerin güzelliğini gösteren endüstriyel nesneleri fotoğraflamaya başlıyor; bu onun için mimari anıtların güzelliğine eşit. Onun için örneğin Gotik kemerler, örneğin doğa fotoğrafları kadar önemlidir.

20'li yılların sonunda kısaca "Şeyler" adını vermek istediği bir kitap yayınladı ancak yayıncının ısrarı üzerine adı "Dünya Güzeldir" olarak değiştirildi ve kitabın, yani projenin anlamı şu şekilde değiştirildi: kameranın gördüğü her şeyin çok önemli olduğunu, güzelleştiklerini. İşte olay şu. Genel olarak dünyaya baktığımızda, bir şeye baktığımızda ne gördüğümüzü düşünürüz, bu görsel bilgiyi sürekli olarak çok sayıda filtreden geçiririz. Örneğin dikey paralellerin yakınsamasını kesinlikle bilinçsizce düzelttiğimizi daha önce söylemiştik. Ancak bu kadar basit fizyolojik filtrelere ek olarak kültürel filtrelerimiz de var - herkesin kendine ait filtreleri var. Örneğin 60'lı yıllardan kalma beş katlı bir binanın, 70'lerden kalma dokuz katlı bir binadan bahsetmeye bile gerek yok, Gotik bir katedralden daha az değerli bir nesne olduğunu biliyoruz. Aynı 20'li yıllarda Almanya'da fotoğraf makinesi çeken insanlar bize ne anlatıyor? Fotoğraf teknolojisinde böyle filtrelerin olmadığını söylüyorlar. Evet ruhsuz ama aynı zamanda kültürün bize getirdiği standartlar ve kriterlerle sürekli karşılaştırma yapmaktan da mahrum. Ve teknolojinin bu harika özelliği dünyayı bize yeni bir şekilde açıyor. Yani dünyaya gözlerimizle ve beynimizle gördüğümüzden daha dürüst bakmak.

Ve elbette Bauhaus'umuz var ( eğitim kurumu- yaklaşık. V) ve 20-30'lu yılların yeni fotoğrafçılığının önemli isimlerinden, Bauhaus'un kurucularından Laszlo Moholy-Nagy, burada çok önemli görevlerde bulunmuş ve aynı zamanda yeni görselliğin fotoğraf kuramcısıydı. Burada neler oluyor? Fotoğrafta bir açı belirir, kamera yukarı aşağı eğilmeye başlar, gözlerini kısmaya başlar, bir eğim oluşturur, dikeylerimiz köşegen olacak şekilde kendi ekseni etrafında döner.

Daha önce fotoğrafçının gücünün yetmediği veya hata olan şeyleri yapmaya başlar. Kamera tripoddan kalktı ve bu çekimi yaptı. Bu neden mümkün oldu? Aslında burada birkaç açıklama var. İlk açıklama: Yeni maddesellik, fotoğraf tekniğinin bu çok yeni samimiyetini ortaya çıkardı.

İkincisi: Dar filmle çalışan kameralar ortaya çıktı. Ve aslında fotoğraf teknolojisinde sayıların ortaya çıkmasından daha ciddi olduğuna inandığım bir devrim yaşandı. İnsan her karenin ayrı ayrı geliştirilmesi gereken, oradan satın alınan, yüklenen, aynı sayfalardan sınırlı sayıda yanınızda taşınan, ağırlığı nedeniyle bir fotoğraf plakası olmadığını anlamaya başladığında, 36 kareden oluşan bir video ortaya çıktı, prensip olarak çekim yapabilirsiniz. Bu silindirlerden 10 adet bulunmaktadır. Kendinizi bir kutuyla doldurun ve kendi zevkiniz ve deneyiminiz için çekim yapın. Ve bununla birlikte tripod düştü. Tripodun düşmesi, bir maymunun kuyruğunun düşmesine benzer ve fotoğraf estetiğinde çok büyük değişikliklere yol açmıştır. Bunlar örneğin radikal aşağı doğru açılardır. Büyük bir kameranın yanına öylece bir tripod koyamazsınız. İlginç bir şekilde, açılara duyulan sevgi ve bu yeni estetiğe duyulan çılgınlık, yerini bir anda mimari fotoğrafçılıkta ortaya çıkan çok daha katı ve yeni kurallara bırakmaya başladı. Şimdi bütün bir aşamayı atlayıp 20. yüzyılın ikinci yarısında modern mimari fotoğrafçılığa şekil veren adama geçiyorum. Bu Lucien Herve.

Bu Le Corbusier'in kişisel fotoğrafçısı. Hiç fotoğraf çekmeyen tek mimarın Le Corbusier olduğu biliniyor. Aslında bu doğru değil. Le Corbusier'in fotoğraflarından oluşan bir kitap yayımlandı. Le Corbusier yaklaşık 1907'den 1915'e kadar fotoğraf çekti ve her şeyin fotoğrafını çekti, ardından benim ucuz bir Kodak fotoğraf makinesi satın alan ve filme çılgınca para harcayan aptallardan biri olduğumu yazdı ve ancak 5 yıl sonra fotoğrafın sonuçsuz olduğunu fark ettim. Bir mimar için tamamen gereksiz bir meslekti ve sonra bu kamerayı attım ve elime bir kalem aldım. Ancak bir şekilde Le Corbusier'nin mimarisini düzeltmesi gerekiyordu ve burası bu ikilinin geliştirildiği yer. En iyi fotoğraflar Le Corbusier'nin fotoğrafı Lucien Hervé tarafından çekilmiştir. Bu fotoğrafların nesi harika? Bakın mimarlık bir anıt olmaktan çıkıyor, üstü/altı, sağı/solu olan, çerçevelenmesi ve tamamen çerçeveye yerleştirilmesi gereken bir nesne olmaktan çıkıyor.

Bu durumda parçanın değeri sermaye veya başka herhangi bir değerle aynı değildir. mimari detay parçaların çekildiği eski bir fotoğrafta. Burada mimari, tıpkı dünyanın bir kamerayla keşfedilebilmesi gibi, keşfedilebilen bir tür nesneye dönüşüyor. Bütünleşik ayrı bir nesne olmaktan çıkıyor ve burada Le Corbusier ve Herve birbirlerini çok iyi anlıyorlar ve burada saatlerce ayrı bir ders vermek gerekiyor çünkü bu çok ilginç bir konu. Şimdilerde bununla ilgili tezler yazıyorlar. Önemli olan, mimari fotoğrafçıların artık her zaman kullandığı bir şeyin Lucien Hervé'nin fotoğraflarında nihayet ortaya çıkmasıdır: fotoğrafçılar radikal derecede eğik ışık kullanmaya başlarlar.

Bakın burası beton yüzey bir kürk manto altında kendinizi kesebilirsiniz. Bunun nedeni ışığın içinden eğik olarak geçmesidir. Betonun farklı dokularını görüyoruz ve burada bu dokular fotoğrafın ana konusunu oluşturuyor. Fotoğrafta ortaya çıkan bu dokunsallık, daha önce yoktu, çünkü fotoğraf bir resim olmadan önce, burada başka bir kıtada bir yerde bir ev vardı, biz de onu fotoğrafladık, Amerika'dan Avrupa'ya taşıdık, burada gösterdik ve sanki Bir evimiz var ama ona bakıyoruz. Gelecekte bir yerde elimizde var. Baldus'un kurallarından bir diğeri de mümkün olduğu kadar uzun bir lensle, mümkün olduğu kadar uzağa çekim yapmaktı. Yani bir mimarlık eserinin en kişisel olmayan sunumunu yapmak. Lens ne kadar uzun olursa resim aksonometriye o kadar yakın olur. Fotoğrafta aksonometrik bir resim olamaz çünkü her zaman perspektif bozulmaları yaşarız. Ancak aksonometri öyle bir Tanrı görüşüdür ki, tamamen tarafsız bir gözlemcinin bakışıdır. Ve burada mimari bize tamamen dokunsal ve somut bir şey olarak sunulmaya başlıyor. Ve bu Lucien Herve'nin en büyük değeridir. Daha sonra Amerika'da öncelikle Erza Stoller ve Julias Shulman isimleriyle ilişkilendirilen ticari mimari fotoğrafçılık dönemi başlıyor.

İşte Guggenheim Müzesi, ikonik binaların tüm bu ikonik fotoğrafları. Arabanın bir nedenden dolayı ön planda olduğuna dikkat edin. Buraya park edilmiş ve kaldırılamıyor değil, bu tür durumlar beni sık sık rahatsız ediyor, buraya özel olarak yerleştirildi çünkü bu beyaz yüzey Guggenheim'ın şekilleri ve kıvrımlarıyla uyumlu.

Ve savaş sonrası Amerikan modernizminin şarkıcısı haline gelen Julias Shulman. Çünkü toplumdaki siyasi, sosyal, ekonomik değişimler konut ve arsa fiyatlarını değiştiriyor, insanlar savaştan geliyor, oradaki demografik durum değişiyor. Kısacası, tüm bu Amerikan ev meselesi değişiyor. Ve daha önce Amerikan toplumu tarafından reddedilen bu kadar kasıtlı olarak basit ve minimalist Avrupa modernizmi Amerika'ya da nüfuz ediyor.

Ama buradaki fotoğrafa ihtiyaç var ki bu yeni stil hayata aktarmak ve hatta genel olarak bir şekilde bunu insanlara tanıtmak. Belki de bu en ünlü mimari fotoğraftır, bu örnek bir evdir, özellikle film çekmek için inşa edilmiştir, aslında Mulholland Drive'ın yukarısındadır.

Bu fotoğraf Shulman çok uzun zamandır bir asistanla sahnelendi ve kızları oturttu. Buradaki mesele şu ki, Amerikan aile evinin kültürüne aşina olan bir kişi için bu hikaye tamamen standart dışıdır: kızlar geceleri bir tür cam küp içinde şehrin üzerinde asılı kalırlar. Doğal olmayan bu durumun aslında çok güzel olduğunu görüyoruz. Şehir ayrı, ev ayrı. Işıklandırma günümüz standartlarına göre pek ideal değil ama... Julius Shulman, Dustin Hoffman'ın seslendirmesiyle, hakkında Görsel Akustik adında uzun metrajlı bir belgesel çekilen tek mimari fotoğrafçıdır.

Bu Shulman'ın çok komik bir fotoğrafı, burada ne kadar reklamcı bir karakter olduğunu görebiliyorsunuz, şimdi bu çerçevenin nasıl yapıldığını ve sahnelendiğini görüyoruz, özellikle de renkli olduğunda. İşte bu kadar, zamanımıza geçelim. Belki de şu anda var olan, aktif olarak yaşayan ve çalışan en ciddi klasik fotoğrafçılardan biri Ellen Binet'tir.

Onu tanıdığım için mutluyum, benim için o sadece yaşayan bir klasik, beni büyük ölçüde etkileyen bir kişi, ancak ne yazık ki Ellen artık çok güçlü karamsar duygular, duyumlar ve mimari fotoğrafçılıkta şu anda olup bitenlere dair genel görüşlerin üstesinden geliyor.

Hélène Binet birlikte çalıştığı mimarların yakın arkadaşı, bu çok önemli. O çok yakın arkadaş Zaha Hadid ve bu yüzden Hélène Binet'in Zaha Hadid'in çalışmalarına ait fotoğraflarının Zaha'nın mimarisinden çok daha iyi olduğunu düşünüyorum. Peter Zumthor'la çok arkadaş canlısıydı ve hala da öyle, bence... burada bir eşitlik var, öyle diyelim.

Bu, kendilerini Köln yakınlarındaki mimar Peter Zumthor'un Kardeş Claus'un küçük şapelinde bulan herkesin çektiği fotoğraf. oraya gitmiyor toplu taşıma. Burası o kadar özel bir yer ki, en yakın tren istasyonuna 6 kilometre yürümeniz gerekiyor, bu çok önemli, böyle bir mimari deneyimin parçası. Bu da oraya giden herkesin çektiği fotoğraf. Herkes kamerayı kaldırıyor ve bu düşüşü, yani pencereyi filme alıyor. Bu şapel şu şekilde tasarlandı: Zumthor, öğrencilerinin çevredeki ormanda bulduğu ölü ağaçlardan kalıp yaptı, böyle bir kulübe inşa edildi, sonra beton için kalıp olarak kullanıldı, ardından sandıklar ateşe verildi ve belli bir sıcaklıkta Betonun yaklaşmakta olduğu ve küllerin sertleşen betonla karıştığı ve kesinlikle şaşırtıcı, benzersiz bir doku oluşturduğu an iç dekorasyon. Daha sonra bu küllerin üzerine çiy gibi cam damlaları da yerleştirildi. Bu inanılmaz derecede ince bir şey. Herkes böyle bir fotoğraf çeker, bu fotoğraf ekranda gösterilebilir, internetten izleyebilirsin ama göremezsin. Büyük formatta çekilmiş olması ve sadece baskıda görünmesi nedeniyle dikkat çekicidir. Artık çoğunlukla dijitalle çalışıyorum ve filmle çalışmamakla ne kaybettiğimi çok iyi anlıyorum. Burada Hélène Binet son gerçek klasik mimari fotoğrafçılarından biri; telefonunda kamera bile yok. Bilgiyi kaydedecek dijital bir cihazın olmaması onun için çok önemli.

Bu fotoğraf Columbus Müzesi, Köln'deki Başpiskoposluk Müzesi, yine mimar Peter Zumthor'a ait ve bu asla gözlerinizle göremeyeceğiniz bir resim, çünkü bu bir yansıma, bunlar tavandaki parıltılar, öyle bir saç ki doku, bu delikli duvarın arkasında sokakta bulunan bir su birikintisinden yansıyan güneşten gelen parıltı. Böyle bir resmi asla göremezsiniz, çünkü bu, yine filme çekilen uzun pozlamanın sonucudur. Bu Zumthor'un ikonik fotoğraflarından biri, favorilerinden biri.

Daha sonra çağdaş sanat ile mimari fotoğrafçılık arasında yakın bir bağlantının olduğu bir dönem geliyor. Ünlü Japon sanatçı ve fotoğrafçı Hiroshi Sugimoto, modern mimari eserlerini çok düşük netlik ile çekiyor. Böylece, bu rahatlamış dikkat durumunu taklit ediyor gibi görünüyor. Önemli bir mimariye yandan bakış, kişinin görüş alanının sınırında olma durumu. Bir yandan bu önemli ama diğer yandan sert değil.

Ne yazık ki bu tür bir netlik yalnızca geniş formatlı filmde oluyor ve onu küçük ekranda değil, bir kitapta veya daha iyisi bir sergide izlemeniz gerekiyor. Ve tabi ki artık mesleğimizdeki en önemli ticari figür Ivan Baan'dır.

Bu, yakın zamanda son dairesini satan, yalnızca uçaklarda ve otellerde yaşayan, tüm dünyayı dolaşan ve karşısına çıkan yıldızlı ve pahalı her şeyi çeken Hollandalı bir mimari fotoğrafçıdır. Sanki vaftiz ediyormuş gibi söylüyorum. Binayı vaftiz edene kadar sanki yokmuş gibi görünüyordu. Ancak dünyanın etrafında bir melek gibi uçan Baan geldi ve bina var olmaya başladı. Bu çok önemli bir rakam.

Bu, Kasım 2012'deki Sandy Kasırgası'ndan sonra, şehrin yarısının elektriksiz kaldığı New York'un fotoğrafı. Baan ilk başta araba almayı düşündü ama bugünlerde New York'ta araba kiralamak imkansızdı; helikopter kiralamak araba kiralamaktan daha kolaydı, daha ucuzdu. Sadece hatırlıyorum çünkü o sırada Brooklyn'de korkunç bir baş ağrısıyla yatıyordum ve o sırada gerçek bir fotoğrafçı helikopterle uçuyor ve mimariyi fotoğraflıyordu. Daha sonra bir müzayede düzenledi ve sanırım 20 kopyayı çok paraya sattı, bu da Sandy yardım fonuna gitti. Ivan Baan ilginç bir karakter.

Çünkü aslında 80-90'larda film mimarisinin hiç insansız hale geldiğini söylemiştim. Burası ıssız, kuru, başlı başına bir şey gibi, güzel, bir çeşit iç güzellikölçeği olmayan, gerçekte ne olduğunu anlayamadığınız mimari - takı bu ya da heykel. Bu resim 80'li yıllarda tüm mimarlık basınını ele geçirmiş ve 2000'li yılların ortalarına kadar hakimiyetini sürdürmüştür. Ve aslında Ivan Baan, tüm bu cansız harika fotoğrafları çeken insanlardan biriydi - bunu nasıl yapacağını çok iyi biliyor, yakın zamanda, 2000'li yılların ortalarında bir yerlerde gerçek bir devrim yarattı. Sadece mimarideki insanları fotoğraflamakla kalmadım, aynı zamanda insanları mimariye zorlamaya da başladım.

Bana söylendiği gibi, Ivan Baan yeni mimariyi fotoğraflamak için Herzog & de Meuron'a geldiğinde, tüm genç mimarlar toplanıyor, yanlarında takım elbise getirmeleri gerekiyor, birkaç vardiya var, kıyafetleri kontrol eden, oyuncu seçimi yapan bir asistanı var. ve sonra bu genç mimarlar tasvir ediyor ofis çalışanları Baan setinde yoldan geçenlere.

Evet, Ivan Baan böyle insansız çekim yapıyor, Fondation Louis Vuitton, bu, altyazı yazmaya gerek olmayan klasik bir mimari fotoğraf. Aslında artık herkes aynı şekilde ateş ediyor. Ana araç olan archdaily.com sitesinin olduğunu biliyorsunuz. kitle iletişim araçları, mimariye adanmıştır ve aslında orada mimari fotoğrafçılıkta ilginç bir insanı nadiren görürsünüz. Temel olarak, oradaki tüm mimari de kanonlara göre çekilmiştir.

Ama bu Karakas'ta bir proje. Nedir?

Özetle: Bu, 40 küsur katlı, tamamlanmamış devasa bir ofis binası. 90'lı yılların sonunda Venezuela ekonomisinin patlama yaşadığı dönemde inşa etmeye başladılar, sonra terk edildi ve ardından Venezuela'da korkunç bir ekonomik kriz başladı ve bina evsizler tarafından ele geçirildi. Ve bu, yavaş yavaş kendi ekonomisini, kendi sosyolojisini oluşturan devasa bir gecekondulaşmadır. Mesela komşu aydınlatma eşanjöründen bir şekilde elektriği aktardılar ama asansörleri yoktu ama 22. kata kadar çıkan rampaları vardı ve bina içi insanları taşıyan özel taksi asansörleri vardı. Baan, bazı tuhaflıklar da dahil olmak üzere, örneğin 34. kata kaldırılan büyükanne gibi, onu yukarıdan aşağıya inceledi. O felçli ve herkes büyükannenin 34. kattan aşağı inmeyeceğini, orada yaşayıp öleceğini biliyor. Orada kendilerine ait dükkanları ve kafeleri var. Daha sonra Ivan Baan 2012'de bu diziyi çeker, Altın Aslan ödülünü alır, o ve grup... Bu, genel olarak Almatı Archcode'a yakın, tüm dünyada çalışan teorik bir mimari araştırma grubudur, Altın Aslanlarını alırlar, kamuoyunun bilgisi haline gelir, ardından 2014'te bu bina dünyaca ünlü olur, çünkü Brody TV dizisi orada saklanıyor." Görünüşe göre üçüncü sezonda oraya varıyor, tüm dünya binayı öğreniyor, ardından yozlaşmış Venezüella polisi bunu öğreniyor, ardından orduyu kullanarak korkunç bir tasfiye yaşanıyor ve herkes oradan atılıyor. İşte bu kadar, artık bu iskelet dikenli tellerin arkasında tek başına duruyor ve orada kimse yaşamıyor ve orada hayat yok. Bu garip bir hikaye, aslında tüm bu hikayenin katalizörü mimari fotoğrafçılıktı.

Bunu, şu anda mimari fotoğrafçılığın belirsiz bir yerde olduğu noktasına getiriyorum. Bir yandan mimarların emirlerine göre yapılmış ve mümkün olduğu kadar renderlara yakın - mimar ne istiyor? Mimar, müşteriye sattığı kaplamanın aslında fotoğraflanabileceğini, aslında bir gerçek olarak var olduğunu kamuoyuna göstermek istiyor. Bu özel bir fotoğraftır. Tarihi mimari fotoğrafçılığı kesinlikle kendi nişinde kalıyor. Şu sıralar çoğunlukla yapmayı tercih ettiğim şey bu. Ancak gerçekte ne bir ekol olarak ne de bir estetik olarak eleştirel fotoğraf yoktur. Fotoğrafçıya yer var mı, estetiğe yer var mı, yeni bir dile yer var mı, bilinmiyor. Dolayısıyla başladığımız ve bitirdiğimiz yer burası, ancak farklı bir şekilde. Bu benim mimari fotoğrafçılık tarihine girişimdi, kafa karışıklığım için kusura bakmayın.

Şimdi projemi göstereceğim. Bu, mimarların isteği üzerine değil, kısmen kendi inisiyatifimle yaptığım ilk çalışmadır. Bu, 80'lerin kağıt mimarisi hareketinin kurucularından mimar, sanatçı Yuri Avvakumov'un küratörlüğünü yaptığı bir dizi serginin sergilenmesi için yapılmış, 1999 tarihli Chertanovo'dan bir seri. "24" adlı bir dizi sergiydi. Hala 24. mekan var. Fotoğraf korunmuş. Bu arada tasarımı Avvakumov ve ben yaptık. Bu, her ayın ikinci perşembe günü açılan yirmi dört sergiden oluşan Avvakumov'un fikriydi. Her sergide 24 fotoğraf vardı ve bunlar ya mimariyi fotoğraflayan bir fotoğrafçıya ya da fotoğraf çeken bir mimara ya da aynı zamanda fotoğraf ve mimariyle çalışan bir sanatçıya ait olmalıydı. Ve davet edilen yazarların her biri kendi konusunu seçmekte özgürdü.

Ve tam o sırada Chertanovo'ya taşındım, ancak Severnoye'ye değil, burası deneysel bir alan, örnek bir yerleşim alanı, 70'lerde Mikhail Posokin Sr.'nin atölyesinde tasarlandı. Moskova için savaş sonrası modernizmin bu oldukça önemli nesnelerinden biri. İnşa edilmesi çok uzun zaman aldı ve kötü inşa edildi ve yalnızca 80'lerin başında inşa edildi. Ama yine de, içinde gömülü olan bazı temel mimari fikirler var. Özellikle bu fikirlerden biri, 60'lı yılların İngiliz vahşiliğine çok yakın görünmesidir. Bu fotoğrafta bile genel olarak Smithson'ların fikirleri oldukça suçlu. Örneğin bu alana yapay rahatlama getiriliyor.

Mesela inşaat atıklarının gömüldüğü bu tepe. Ancak bu yerel çocukların en sevdiği slayt. Dubleks apartmanlar, üst katta sanatçı atölyeleri, sanatçı-mimarlar hâlâ orada çalışıyor. Genel olarak örnek bir komünist olarak planlanan bir alan burası, Kruşçev'in 80'lerde vaat ettiği komünizmin her ailenin başına gelmeyeceği o dönemde açıktı. ayrı daire Onu da vermezler. Ve genel olarak sosyalizmle ilgili küçük sorunlar var. Ancak fikir, yeni bir yaşam tarzının yerleşim bölgeleri gibi örnek teşkil edecek ayrı alanlar inşa etmenin mümkün olmasıydı. Özellikle kuzey Çertanovo'da hala çalışıyor vakum sistemiİsveçliler tarafından yapılan atık giderme. Genel olarak orada her şey ciddi. Ama durum yine de daha ciddiydi. Örneğin tüm binaların birinci katlarındaki salonlar konut dışıdır. Sosyologların mimarlarla birlikte geliştirdiği ilk projelere göre, salonlarda yiyecek listesinin kapıcıya bırakılabileceği, yiyeceklerin satın alınabileceği ve akşama kadar teslim edilebileceği buzdolapları olması gerekiyordu. sakinin rafındaki buzdolabında. Ama aslında tüm bunlar oldukça kötü inşa edilmişti, trafik ve insan akışını ayıran yapı, Le Corbusier ve Siam'ın savunduğuna yakın olan bu yatay tabakalaşma daha inşaat aşamasında çalışmayı bırakmıştı. Yani trafik akışının bir kısmı yeraltı yerine yer üstünde izin verildi, bu yüzden artık oraya park etmek imkansız, girişe bir şey getirmek imkansız, her şey arabalarla dolu ve bununla mücadele etmenin bir yolu yok, Çünkü yeraltı yolu iletişimi engellendi. Ama sonunda bu mimaride gördüklerim karşısında hayrete düştüm... eğer daha önce bana bu konuda hoşlanmadığım her şeyi temsil ediyorsa geçmiş yaşam gri, Sovyet, çok sefil ve sınırlı. Mimarlık da benim için o yaşamın bir göstergesi gibiydi. Sonra dünyayı dolaşmaya başladım, 50'li ve 60'lı yıllarda Avrupa'da olup bitenlere bakmaya başladım ve birdenbire bu bağlantının olduğunu ve bunun hakkında konuşmanın gerekli olduğunu anlamaya başladım. Ve öyle oldu ki, mimarlık camiası ve gazeteciler savaş sonrası modernizm hakkında ilk kez 2000'li yılların başında konuşmaya başladılar ve bu konu birdenbire devreye girmiş gibi göründü.

Kitabın ortak yazarı Nikolai Malinin bunu bana atfediyor. Aslında bu doğru değil. Doğru zamanda doğru yerdeydim ve bazı şeyler yaptım doğru şey. Ben de bu bölgenin varlığıyla ilgili süssüz ama aynı zamanda biraz romantik falan bir dizi hazırladım. Küratör Avvakumov daha sonra sergi metninde Brodsky'nin, Leningrad'a tüm canlıları yok eden, tüm altyapıyı geride bırakan bir nötron bombası atılırsa St. Petersburg'un kalacağını söylediğini yazdı. Ancak Palmin, Severnoye Chertanovo'ya bir nötron bombası atılırsa Severnoye Chertanovo'nun kalacağını kanıtladı. Bu kadar cennet gibi bir Chertanovo, sakinlerinden yoksun, bu kadar başarısız bir cennet hakkında yazdığım şey buydu. Aslında bu çalışma benim için son derece önemli. Ve beni şu anda burada yaptığım şeye, Moskova'da kamuoyunun ilgisinden yoksun görünen mimariyle yapmaya çalıştığım şeye iten de bu çalışmaydı. Birinin dikkatinin akışını, vizyonunu ve sadece kendisinin değil, kendisi ve diğer insanlar aracılığıyla bu dikkatten yoksun olana bilinçli olarak yönlendirme konusuyla çok ilgileniyorum.

Şehrin neresinde çekim yaparsak yapalım, şu veya bu mimari parça neredeyse her zaman kadraja giriyor. Bu bir bina, bir anıt, bir çeşme ya da sıradan bir konut binası olabilir.

Kural olarak, bu tür nesneleri bir fotoğrafta en başarılı şekilde sunmak için mimariyi fotoğraflama konusunda biraz bilgiye ihtiyacınız var.

Objektife tam olarak neyin girdiği o kadar önemli değil çünkü en sıradan bir standı fotoğraflıyor olsanız bile başyapıt niteliğinde bir fotoğraf elde edebilirsiniz.

Hem klasik hem de modern mimariyi fotoğraflamak hiç de kolay değil. Önemli olan başarılı olana kadar denemektir. Fotoğrafı etkileyecek pek çok faktör var ve en başarılı çekimi hızlı bir şekilde yakalamanıza yardımcı olacak önerileri seçtik.

Her zaman elinizde bir kamera bulundurun, her zaman bir konum ziyaretine hazırlanın

Bu kurala uyma ilkesi oldukça basittir - herhangi bir yürüyüş fotoğraf yürüyüşüne dönüşmelidir. Fotoğraf makinenizi çoğu zaman hazır bulundurmalısınız çünkü fotoğraflanmaya değer bir şeyle nerede ve ne zaman karşılaşacağınızı asla bilemezsiniz.

Prensip olarak, herhangi bir profesyonel fotoğrafçı size doğru çekimin çok zor bir şey olduğunu söyleyecektir, bu nedenle görme ve fotoğraflama ilkesini takip etmek en iyisidir. Çerçeve ışığa, konuma, karakterlerin varlığına, ruh haline, günün saatine ve yalnızca bir kez bir araya gelebilen birçok küçük öğeye bağlıdır. Bu nedenle kamera her zaman yanınızda olursa kesinlikle doğru anı kaçırmazsınız.

Mimari modelinizi bulduysanız ve özel bir amaçla çekime gidiyorsanız, mekanda çekime izin verildiğinden emin olun. Eğer bu özel bölge, sahibiyle pazarlık yapın. Bina bir ofis binası ise açılış saatlerini kontrol edin.

Ve elbette hava tahminlerine dikkat etmeyi unutmayın. Sonuçta son karenin havası hava durumuna bağlı olacak.

Türe göre ekipman seçin

Her çekim türü için uygun fotoğraf ekipmanı esastır önemli nokta. Dolayısıyla hemen hemen her tür için en uygun teknik vardır. Mimari için en avantajlı lensler manzara lensleriyle aynıdır - geniş açı, balık gözü veya ultra geniş açı.

Tüm binayı tek bir kareye yerleştirme imkanı sağlarken, en başarılı kompozisyonu elde etmenizi sağlayan da bu lenslerdir. Ancak bu her bina ve her fikir için geçerli değildir.

Nadir durumlarda, geniş açılı camın bile yeterli olmadığı durumlarda, panoramik çekim özelliğine sahip kameralar imdadımıza yetişiyor. Bunlar DSLR'ler, aynasız kameralar ve normal dijital kameralar olabilir. Ne diyebilirim ki, günümüzde akıllı telefonlar bile panorama oluşturmanıza olanak sağlıyor.

Acele etmeyin

İşin garibi, çoğu profesyonel tek bir konuda hemfikirdir genel öneri- mimariyi fotoğraflarken asla acele etmeyin. Bazen mükemmel çekimi oluşturmak sadece birkaç saat değil, birkaç gün veya daha fazla zaman alır. Mimari yapıların bu bakımdan avantajı açıktır - hiçbir yere gitmezler ve yalnızca etraflarındaki hava koşulları değişir. Ancak çektiğiniz konuyu iyice araştırmanız gerekiyor. Bu sadece karşınıza çıkan ilk kareyi çekmek için değil, en başarılı açıyı seçmek, doğru ışığı beklemek ve fotoğrafın bir ruh hali, duygu ve karaktere sahip olması için binayı yakalamak için gereklidir.

Ayrıca binanın önemli mimari unsurlarının kameraya kaydedilmesi, böylece tarzın ve dönemin yeniden anlatılması da önemlidir.

Farklı hava koşullarında çekim yapın

Mimari fotoğrafçılık tam olarak ışığı çok özel bir şekilde algıladığı için öne çıkıyor. Örneğin, “altın saat” gibi güneşli ve açık hava mükemmel bir sonucu garanti etmez. Tam tersine, deneyimler fırtına bulutlarının ve bunların arasından parlayan güneşin ilginç sonuçlar doğurduğunu gösteriyor. Aynı şekilde yağmur, gökkuşağı ve diğer hava mucizeleri de mimari fotoğrafçılık için iyidir. Elbette bu tür etkileri doğru bir şekilde tahmin edemeyeceksiniz, ancak en azından tahminlere güvenebilir ve bunları izleyerek çekiminiz için en uygun hava durumunu seçebilirsiniz.

Aynı konuya farklı hava koşullarında dönebilir ve çekim yapabilirsiniz. farklı koşullarçünkü neyin en iyi şekilde işe yarayacağını anlamak ancak deneyim yoluyla mümkün olacaktır.

Işık ve gölgeden yararlanın

Işık fotoğrafta en önemli unsurdur, bunu tecrübe ve nicelik ne olursa olsun herkes bilir. iyi fotoğraflar. En azından kendi görsel algımıza dayanarak güvenle söyleyebileceğimiz gibi binalar, aydınlatmaya bağlı olarak önemli ölçüde değişme eğilimindedir. Direkt güneş ışığı ve bulutların arkasından sızan güneş farklı etkiler verirken, gece aydınlatması yapılan binalar da bambaşka görünüyor. Ortamın değişme şekli de tamamen doğaldır: Etraftaki her şey aydınlatılabilir veya tam tersine karartılabilir. Binanın kendisi bile renk değiştirebilir.

Işık kaynağının konumu ve yönü, gün batımında bir binanın silueti gibi şaşırtıcı etkiler yaratabilir. Bunun için güneşin binanın arkasına saklandığı noktadan çekim yapmanız yeterli. Elbette bu ilginç şekle sahip binalar için kullanılmalıdır.

Işık, modern cam kaplı gökdelenler için özellikle önemlidir: Fotoğraf çekerken yansımalar ve refleksler kullanılabilir.

Bakış açıları farklı olmalı

Fotoğrafçı hiçbir zaman bir yerde donup kalmamalı, en iyi açıyı bulma konusunda dinamik olmalıdır. Ve bazen en iyi açı tamamen beklenmedik olabilir. Bir binanın cephesinden kaldırılması oldukça tembel bir yaklaşımdır. Etrafında dolaşın, ayrıntılara ve açılara, kıvrımlara ve dönüşlere yakından bakın, mercekten bakın.

Harika bir teknik aşağıdan çekim yapmaktır. Ve sadece merkezden değil, duvarlardan da. Bir sineğin veya örümceğin duvardan aldığı görüntü bizim hedefimizdir. Bu şekilde, yalnızca bir binanın kubbesi gibi doğrudan görünümü değil, aynı zamanda binanın çok daha iyi anlaşılmasını sağlayan duvarları, sütunları ve mimari unsurları da yakalayabilirsiniz.

Ters etki de ilginçtir - uzaktan ve yukarıdan çekim yapmak. Binanın tamamını karede yakalayabileceğiniz bir konum seçme fırsatınız varsa bunu kullanın.

Lütfen iletişime geçin özel ilgiçevrimiçi

Çizgiler ve eğriler mimari bir yapının yapıldığı şeydir. Bu nedenle başarılı bir fotoğrafçının, bir binaya bir mimarın gözüyle bakmayı, yani esasen bir taslak biçimindeki silüetleri ve ana hatları görmeyi öğrenmesi gerekir. Detayları ve parçaları bütünden ayırın.

Bu şekilde fotoğrafınızın konusunu çevrenin geri kalanından ayıran benzersiz şekilleri görebileceksiniz ve fotoğrafta vurgulanması gereken bunlardır.

Örneğin kare binalar perspektiften faydalanır; yukarı veya ileri, uzaktan veya yakından. Yapının anıtsallığını ve basıklığını ya da yükseliş çabasını yansıtabilirsiniz.

Binalarla çalışmak çok daha eğlenceli orijinal formlar Neyse ki modern mimari çoğunlukla kırık veya yumuşak formlara dayanıyor. Özel bir efekt yaratırlar, böylece onları tamamen fotoğrafta yakalamanıza gerek kalmaz. Bazen bir binanın gökyüzüne veya çevreye bakan bir köşesi, fotoğrafın tamamına yetecek kadar ruh hali yaratır.

Kompozisyon kurallarına uyun

Kompozisyon her türlü fotoğrafta önemlidir ve mimari fotoğrafçılık da bir istisna değildir. Sonuç üzerinde en büyük etkiye sahip olabilecek çerçevenin kompozisyon yapısındaki hatalardır. Örneğin yanlış bir çekim pozisyonu binanın biçiminin bozulmasına neden olabilir. Kompozisyon doğru tasarlanmadığında binalar sıklıkla çöker.

Bu nedenle, bir fotoğrafçının üçte bir kuralı veya bunun daha karmaşık versiyonu olan altın oran gibi kurallara uyması gerekir. Modern kameralar genellikle buna yardımcı olur - birçok cihazda vizörde ekranı 9 parçaya bölen yerleşik bir ızgara bulunur. Onun yardımıyla, görüntünün pürüzsüz olması için bir nesnenin tam olarak nereye yerleştirileceğini anlamak çok kolaydır.

Geniş açılı lens kullanımından kaynaklanan doğal bozulmayı da hesaba katmak gerekir.

Her iki durumda da fotoğrafçının asıl amacı vizörde olanı dikkatli bir şekilde yakalamaktır. Bu hem önceden hem de doğrudan çekim sırasında yapılabilir. Önemli olan, fotoğraf çekmeyi denemekten korkmamak istenilen sonuç ulaşılamayacak.

Siyah beyaz çekimlerden çekinmeyin

Formlar bildiğiniz gibi renk gerektirmez. Bu nedenle, bazen çiçeklerin bolluğu yalnızca mükemmel bir şekilde oluşturulmuş kompozisyondan uzaklaşır. Çerçevede çok fazla renk olduğu bir durumla karşılaşırsanız başka bir yere geçmek veya konuyu değiştirmek için acele etmeyin. Fotoğrafı monokroma dönüştürmeyi deneyin. Bu, ışığı ve gölgeyi anında ortaya çıkararak izleyicinin dikkatini fotoğrafta mevcut olan kompozisyon ve çizgilere odaklar.

Ancak bir fotoğrafı siyah beyaza dönüştürmeye karar verirken dikkate alınması gereken iki önemli nokta vardır. Birincisi fotoğrafçılıkta renk ne kadar önemlidir? Bazen renk en önemli şeylerden biridir önemli unsurlar mimari yapıya zarar verebilir, bu nedenle kaybı olumsuz bir etkiye sahip olabilir. İkincisi şeklin ne kadar önemli olduğudur. Form rengin hakimiyetindeyse, siyah beyaz fotoğraf uygundur.

Her durumda, ancak her iki seçeneği de denedikten sonra yüzde yüz kesinlikle karar verebilirsiniz.

İşlem sonrası işlemleri unutmayın

Modern fotoğrafçılar birçoğunun işlem sonrası araçlar kullandığı gerçeğini göstermekten hoşlanmazlar. Ancak bunda yanlış bir şey yok. Aksine, bazen özel yazılımlar ve ilgili uygulamalar, tek başına kamera kullanılarak manuel olarak elde edilemeyen sonuçların elde edilmesine yardımcı olur. Elbette, işlem sonrası seçeneklerini en üst düzeye çıkarmak için her zaman RAW formatında çekim yapmalısınız. Daha sonra bu size pozlamayı sıkılaştırma, küçük kusurları düzeltme vb. seçeneği sunacaktır. Çerçeveleme konusunda çekinmemelisiniz, çünkü çoğu zaman çekim sürecinde, ayrıntılı olduğu kadar bütün olarak da iyi olmayan bir çerçeve oluşturulur.

Burada lensin neden olduğu distorsiyonu, renk sapmasını ve kenar ayrıntısı kaybını düzeltme fırsatına sahibiz.

Geleneğe göre bizim ana tavsiye- ateş et, ateş et ve tekrar ateş et. Sonuçta, yalnızca pratik yaparak mükemmelliğe ulaşabilirsiniz.