George 1 konge af England. George I, konge af Storbritannien. Kampen for valgreformen. Måder at kæmpe på. Behovet for reform. Fransk revolution. Kongens og rigsdagens holdning til reformen. Forfølgelse af pressen. Afskaffelse af habeas corpus. Bill of Nen

Send dit gode arbejde i videnbasen er enkel. Brug formularen nedenfor

Studerende, kandidatstuderende, unge forskere, der bruger videnbasen i deres studier og arbejde, vil være dig meget taknemmelig.

Lignende dokumenter

Begrebet monumental og dekorativ kunst som et kunstfelt, herunder kunstværker til udsmykning af arkitektoniske strukturer og komplekser. Originaliteten af skulptur, maleri, teknikker til at skabe fresker og keramik i det gamle Egypten.

præsentation, tilføjet 22/02/2016

Ejendommeligheder monumental kunst, dens værdi i forskellige perioder, udviklingshistorie. Teknikker til at skabe farvet glas i det 19.-20. århundrede. Freskomaleri i Rusland og Europa. Brugen af mosaikker i design af antikke og middelalderlige arkitektoniske strukturer.

test, tilføjet 18/01/2011

Oprindelsen af dannelsen af byzantinsk kultur. Kunstens symbolisme, askese og dogmatisme. Typer af tempelbygninger: basilika, tempel med krydskuppel. Monumenter af byzantinsk arkitektur, kristen æstetik. Monumentalt maleri: mosaik, fresco.

præsentation, tilføjet 13/03/2016

De vigtigste retninger og træk ved kunsten fra den store æra fransk revolution. Den revolutionære klassicismes kunst, mættet med antifeudale ideer. Arkitektur og skulptur. Dekorativt design revolutionære festligheder.

kursusarbejde, tilføjet 31/03/2013

Teknologier til indretning af et klasseværelse. Materialer og værktøjer til vægmaling. Organisation af arbejdspladsen. Sikkerhedsforanstaltninger ved udførelse af designarbejde. Vægmaleriets bidrag til moderne monumental kunst.

kursusarbejde, tilføjet 22/05/2016

Maleriet som en form for kunst. Hovedretninger og teknikker samtidskunst. Avantgarde, realisme, surrealisme, assemblage, minimalisme, abstraktion, installation. Skulptur og arkitektur. Systematisering af moderne kunstneriske tendenser.

kursusarbejde, tilføjet 16.09.2012

Maleriet som en form for kunst. Type kunst - grafik. Gammel udsigt kunst - skulptur. Arkitektur er kunsten at designe og bygge. Grundlæggende retninger og teknikker for samtidskunst. Kinetisk og avantgarde kunst.

kursusarbejde, tilføjet 05/11/2007

Osmannisk kunstnerisk kultur i værkstederne i det kejserlige palads i Istanbul. Udvikling af kunsten at skabe bog, male illustrationer, bogbinderi, miniaturer og dekorativ kunst. Kalligrafiens præstationer, dens betydning i den islamiske verden.

Ministeriet for Uddannelse og Videnskab i Den Russiske Føderation

Federal State Budgetary Educational Institution of Higher Professional Education

"NOVGOROD STATE UNIVERSITY OPkaldt EFTER JAROSLAV DEN VISSE"

Institut for Design

Monumental og dekorativ kunst.

Typer af MDI.

Abstrakt om disciplinen

("Monumental og dekorativ kunst")

speciale 070601.65 – design

specialisering 070601С – miljødesign

Tilsynsførende:

Sokolova D.V.

Elev af gruppe 7403

Vanyashov I.V.

Velikiy Novgorod.

2012

Introduktion……………………………………………………………………………………….…....3

Mål og principper for monumental kunst.………………………..4

Monumentalt maleri………………………………………………………………………9

Mosaik……………………………………………………………………………………….15

Fresco………………………………………………………………………………………………………… 22

Farvet glas………………………………………………………………………………………24

Dekorativ og monumental skulptur………………………………30

Liste over brugt litteratur………………………………….…34

Bilag………………………………………………………………………..35

Introduktion.

Kunsthistorie, æstetik og filosofi kalder generelt monumentalitet for den egenskab ved et kunstnerisk billede, som i sine karakteristika er beslægtet med kategorien "sublim". Vladimir Dahls ordbog giver følgende definition til ordet monumental - "herlig, berømt, i form af et monument." Værker udstyret med monumentale træk er kendetegnet ved ideologisk, socialt betydningsfuldt eller politisk indhold, legemliggjort i en storstilet, ekspressiv majestætisk (eller statelig) plastisk form. Monumentalitet er til stede i forskellige typer og genrer af kunst, men dens kvaliteter anses for at være uundværlige for egentlige værker af monumental kunst, hvor den er substratet for kunst, det dominerende element. psykologisk påvirkning hos seeren. Samtidig bør man ikke identificere begrebet monumentalitet med selve monumentalkunstværkerne, da ikke alt, der skabes inden for de nominelle grænser af denne type figurativitet og dekorativitet, bærer træk og besidder egenskaberne af ægte monumentalitet.

Opgaver og principper for monumental kunst.

Værker af monumental kunst, der indgår i syntese med arkitektur og landskab, bliver en vigtig plastisk eller semantisk dominerende for ensemblet og området. De figurative og tematiske elementer i facader og interiører, monumenter eller rumlige kompositioner er traditionelt dedikerede eller afspejler med deres stilistiske træk moderne ideologiske tendenser og sociale tendenser og inkarnerer filosofiske begreber. Typisk er monumentale kunstværker beregnet til at fastholde fremragende skikkelser og væsentlige historiske begivenheder, men deres temaer og stilistiske orientering er direkte relateret til det generelle sociale klima og atmosfære, der hersker i det offentlige liv.

Ønsket om den symbolske indfangning af sublime, universelt betydningsfulde fænomener og ideer bestemmer og dikterer majestæten og betydningen af værkernes former, de tilsvarende kompositionsteknikker og principperne for generalisering af detaljer eller mål for deres udtryksfuldhed. Individuelle værker udfører en servicerolle i forhold til arkitektoniske strukturer, idet de er et akkompagnement, der forstærker udtryksfuldheden af deres generelle struktur og kompositoriske træk. En vis funktionel afhængighed af en række etablerede typer monumental kunst, deres hjælperolle, udtrykt ved løsning af problemer med dekorativ organisering af vægge, forskellige arkitektoniske elementer, facader og lofter, have- og parkensembler eller selve landskabet, når værkerne beregnet til disse er udstyret med arkitektoniske og ornamentale kvaliteter eller egenskaber ved at arrangere æstetisering, afspejles ved deres tilskrivning til monumental og dekorativ kunst. Men mellem disse varianter af monumental kunst er der ingen streng linje, der adskiller dem fra hinanden. Et af hovedtrækkene ved monumental kunst, som har de ovennævnte kvaliteter, er strenge generaliserede former eller dynamikker, der står mål med indholdet. er, at de i de fleste tilfælde er lavet af holdbare materialer.

Monumental kunst får særlig betydning i perioder med globale socio-politiske transformationer, i tider med socialt opsving, intellektuel og kulturel opblomstring, som afhænger af stabiliteten i den nationale udvikling, hvor kreativitet er påkrævet for at udtrykke de mest relevante ideer. Talrige eksempler på dette er leveret af primitiv, hule, rituel kunst (megalitiske og mørke strukturer), kunsten i den antikke verden generelt og de mest udtryksfulde eksempler på monumental kunst fra det antikke Indien, det antikke Egypten og antikken, værker af kulturelle traditioner af den nye verden. Ændrede religiøse holdninger og sociale transformationer foretager deres egne tilpasninger til tendenser, der er levende afspejlet i monumental kunst. Dette demonstrerer godt middelalderens og renæssancens kunsthistorie. I Rusland, som i andre stater, blev der også observeret en lignende cyklisk afhængighed, som er repræsenteret af monumentale værker fra middelalderen - katedraler i gamle russiske byer, der bevarede fresker, mosaikker, ikonostaser og skulpturel indretning, skulptur fra Peter den Store-æra til den periode med politiske transformationer, der begyndte i første fjerdedel af det 20. århundrede, hvor monumentalismen begyndte at blive brugt til ideologiske og propagandaformål. Graden af berettigelse af drama, passendeheden af patosmotivation eller dogmatisk patos, tematisk "sortiment", i sidste ende, er også uundgåeligt præget i værker af monumental kunst.

Perioder med uro er ledsaget af smålige temaer, som ikke kun påvirker den tematisk universelle genre haveskulptur, hvor tilstedeværelsen af et "litterært" princip er acceptabelt, men også på plastik i et stramt, stilistisk konsistent bymiljø, som ødelægger sidstnævntes organiske enhed ved at fylde dets miljø med dekorativt eklektisk håndværk, sentimentale emner, multiplicerende eksempler på provinsiell animalistisk genre, strukturelt tæt på småskala plastik, tvivlsom ikke kun med hensyn til smag, men også med hensyn til deres professionelle præstationskvaliteter; en naturlig reaktion på sådanne manifestationer er en tilbagevenden til formel traditionalisme, behovet for at "genoplive" en kulturhelt og vende sig til et nyt pseudo-episk tema. som kompliceres af fraværet af tegn på den formative æras "sociale orden"... Monumental kunst kan i kraft af sit formål ikke følge offentlighedens smag, der ønsker at behage den, den er designet til at dyrke en forståelse af harmoni og høj skønhed; samtidig skal vægmaleristen være i stand til at modstå kravene fra den "elite" sociale minoritet. Dum "dekorativisme" og uartikulerede eksempler på figurativ kunst, som ikke er overbevisende i nogen henseende, bringer intet andet end modløshed til ethvert miljø. Her er et meget vejledende eksempel på modernisme, en stil, for hvilken både formelt og ideologisk erfaring er kontraindiceret for tilstedeværelse i monumental kunst (bortset fra i nogle tilfælde en rent "moderne" samlet komposition). og nu - som en stilistisk accentuering inden for begrebet et særligt projekt eller "scenarie", rekonstruktiv hensigtsmæssighed. Mellemperioder af søgen efter stil er perioder med eklekticisme og rekonstruktiv pseudo- og falsk-klassisk, "pseudo-gotisk", "pseudo-russisk", pompøs "borger" og købmand "mønstret". Fraværet af streng beslutsomhed og som følge heraf kategorisk afgrænsning af monumental og monumental-dekorativ kunst er direkte afhængig af deres åbenlyse gensidige påvirkning og indbyrdes gennemtrængning.

Samtidig er der for eksempel ret produktive områder monumental kinetisk kunst, hvis værker er lige passende i landskabet og i miljøet af moderne arkitektur, når en afvigelse fra de statuermæssige krav fra ensemblet i den gamle by er berettiget, hvilket tvinger kunstneren til ikke kun at lade sig lede af takt og eftertænksom holdning til legitimiteten af installationen i det eksisterende kompositorisk komplette rum, men også for at adlyde den af ham dannede volumenkonstant. Men kompositioner af varierende grader af konventionel kunst, udstyret med ægte tegn på plastisk indhold og overtalelsesevne, modtager og vinder endda retten til at eksistere i næsten ethvert ensemble. Selv et produkt af modkultur, og selv i form af en antitese, kan aktivt trænge ind i og endda invadere miljøet af enhver stil, der er realiseret og fuldført i tide, udmattet i sin udvikling, men kun hvis det virkelig er et værk og virkelig monumental kunst . Kunsten forudser epokers forandring.

Kravene til monumental kunst, udviklet gennem århundreder, præsenteres for generelle plastiske egenskaber i harmoni med indholdskomponenten. Kriterierne for at forstå den retrospektive vurdering af et objekt i alle aspekter forpligter ikke blot til at følge en tilstrækkelig forståelse af værkets fremtid, men også at finde tilsvarende levedygtige former.

At forstå dette er ekstremt svært selv for specialister. I kunsten er spørgsmålet "hvordan?" gyldigt; der er principper, proportioner og teknikker, men spørgsmålet "hvad?" har ingen ret til at eksistere. (med kun én undtagelse - moralsk orden), er der ingen strenge standarder i denne henseende. Præference er ikke altid indlysende, og den "enkelte løsning", der i øjeblikket virker acceptabel, er ikke altid berettiget. Det er ikke altid muligt entydigt at besvare spørgsmålet om et værks fremtidige skæbne, og dets tilstedeværelse i et bestemt miljø kan ikke kun være et alternativ til specifik semantisk korrespondance eller stilisering. Ethvert udsagn kan imødegås med tilstrækkeligt overbevisende argumenter; ethvert forsøg på klassificering kan være fyldt med modsigelser og have undtagelser. Historisk erfaring viser, at den beskyttende og restriktive vej for ideologisk indgriben i spørgsmål om rent fagligt tilhørsforhold er den mindst effektive og er fyldt med stagnation. Og monumental kunst, på grund af dens indflydelse og tilgængelighed, bør dog, som enhver kreativitet, være fri for denne kvalifikation. Men idealet forkyndes hermed, og så længe staten og pengene eksisterer, vil ideologi og orden eksistere – monumental kunst er direkte afhængig af dem.

Maleriet er monumentalt.

Monumentalt maleri- en type maleri relateret til monumental og dekorativ kunst. Monumentalt maleri omfatter værker, der er direkte relateret til arkitektoniske strukturer, placeret på vægge, lofter, hvælvinger, sjældnere på gulve, såvel som alle typer malerier på gips - fresco, enkaustisk, tempera, oliemaleri (eller maleri på et andet bindemiddel), mosaikker, malede paneler på lærred, specielt tilpasset et bestemt sted i arkitekturen, samt farvet glas, sgraffito, majolica og andre former for plan billedudsmykning i arkitekturen.

Monumental kunst udvikler sig særligt aktivt, når tidens kunstneriske kultur er gennemsyret af en udtalt patos for at bekræfte positive sociale værdier. Monumentalmaleriets oprindelse går tilbage til det primitive samfund. Menhirer, kultstatuer og klippemalerier legemliggjorde det primitive menneskes ideer om kraften i naturens kræfter og forstærkede hans arbejdsevner. Med klassernes fremkomst blev sociale relationer afgørende for monumental kunst. Principperne om monumentalitet og staticisme, der dominerede det antikke Egyptens kunst, under betingelserne for et slaveejende samfund, burde have bidraget til etableringen af ideen om det sociale systems ukrænkelighed og guddommeliggørelsen af personligheden af herskeren (den såkaldte store sfinks i Giza, men i en historisk bestemt form legemliggjorde de også ideer om det menneskelige sinds magt, det menneskelige kollektivs sejr over naturkræfterne). I det antikke græske slaveejende demokratis storhedstid blev der skabt værker af monumental kunst (den skulpturelle udsmykning af det athenske Parthenon), gennemsyret af troen på menneskets skønhed og værdighed, som i sandfærdige former legemliggjorde den antikke græske humanistiske idealer. polis. Hele den gotiske katedrals kunstneriske struktur, dens billed- og skulpturelle udsmykning udtrykte ikke kun ideerne om det sociale og kirkelige hierarki, som det feudale system genererede, hele systemet af det middelalderlige religiøse-dogmatiske verdensbillede, men også den voksende selvbevidsthed om byer, arbejdspatosen for bykommunens kollektiv (skulpturel udsmykning af katedraler i Reims, Chartres, Naumburg osv.). Det landsdækkende åndelige opsving under højrenæssancens æra i Italien (slutningen af det 15. - den første tredjedel af det 16. århundrede) kom med al sin kraft til udtryk i monumentale kunstværker præget af bredden af offentlig lyd, fuld af titanisk kraft og intenst drama.

Katedralen i Reims.

Ud fra indholdets karakter og figurative struktur skelnes der mellem malerier, der har monumentalitetens kvaliteter, som er det vigtigste dominerende træk ved det arkitektoniske ensemble, og monumentale og dekorative malerier, der kun dekorerer overfladen af vægge. , lofter og facader, som synes at "opløses" i arkitekturen. Monumentalmaleri kaldes også monumental-dekorativt maleri, eller billedindretning, som understreger maleriernes særlige dekorative formål. Afhængigt af deres funktion er monumentale malerier designet på en volumetrisk-rumlig eller plan-dekorativ måde.

Monumentalt maleri opnår kun integritet og fuldstændighed i samspil med alle komponenter i det arkitektoniske ensemble.

De ældste kendte vægdekorationer er ridsede konturbilleder af dyr i hulerne i Dordogne i Frankrig og de sydlige Pyrenæer i Spanien. De blev sandsynligvis skabt af Cro-Magnonerne mellem 25 og 16 tusind f.Kr. Hulemalerierne i Altamira (Spanien) og mere avancerede eksempler på denne kunst fra den sene palæolitiske æra i La Madeleine-grotten (Frankrig) er almindeligt kendte.

Hulemalerier af Altamira.

Billeder af øvre palæolitiske dyr fra La Madeleine-hulen. Frankrig.

Vægmalerier fandtes i det prædynastiske Egypten (5.–4. årtusinde f.Kr.), for eksempel i Hierakonpolis (Hierakonpolis) grave; I disse malerier er egypternes tendens til at stilisere menneskelige figurer allerede mærkbar. I løbet af det gamle kongeriges æra (3-2 tusind f.Kr.) blev de karakteristiske træk ved egyptisk kunst dannet, og mange smukke vægmalerier blev skabt. I Mesopotamien har få vægmalerier overlevet, hvilket skyldes skrøbeligheden af de anvendte byggematerialer. Der er kendte figurative billeder, der afspejler en vis tendens til realisme i naturen, men ornamenter er mere typiske for Mesopotamien.

I 2 tusind f.Kr. Kreta bliver et kulturelt mellemled mellem Egypten og Grækenland. I Knossos og andre paladser på øen er der bevaret mange fragmenter af storslåede fresker, udført med levende realisme, hvilket i høj grad adskiller denne kunst fra hieratisk egyptisk maleri. I Grækenland i den præ-arkaiske og arkaiske perioder fortsatte vægmaleriet med at eksistere, men næsten intet af det har overlevet. Opblomstringen af denne genre i den klassiske periode fremgår af talrige referencer i skriftlige kilder; Malerierne af Polygnotus i Propylaea af den athenske Akropolis var især berømte. Smukke eksempler på antikke romerske monumentale malerier blev bevaret under et lag aske på væggene i huse i byerne Pompeji, Herculaneum og Stabia, som blev ødelagt af Vesuvs udbrud i 79, såvel som i Rom. Det er polykrome kompositioner med en række forskellige emner, fra arkitektoniske motiver til komplekse mytologiske cyklusser, for eksempel Odysseus' kalkmaleri i Laestrygonians land fra huset ved Esquilinen i Rom; i sådanne kompositioner kan man se kunstnerens fremragende viden om naturen og evnen til at formidle den.

I den tidlige kristne periode (3.–6. århundrede) og i middelalderen var monumentalmaleriet en af de førende kunstformer. I denne periode dekorerede fresker katakombernes vægge og hvælvinger, og derefter blev vægmalerier og mosaikker hovedtyperne af monumental dekoration af templer både i det vestromerske imperium (indtil 476) og i Byzans (4.-15. århundrede) og andre lande af Østeuropa. I middelalderen Vesteuropa templer var hovedsagelig dekoreret med fresker eller malerier på tør gips; mosaikker fortsatte også med at eksistere i Italien. I malerierne i den romanske stil (11.–12. århundrede) er der i modsætning til klassisk og renæssancemaleri ingen interesse for plastisk modellering af volumen og rumoverførsel; de er flade, konventionelle og stræber slet ikke efter nøjagtigt at gengive verden omkring dem.

Plastmodellering dukker igen op i værker af italienske mestre i slutningen af det 13. og begyndelsen af det 14. århundrede, især Giotto. I Italien under renæssancen blev freskomaleriet usædvanligt udbredt. I deres værker søgte kunstnere fra denne æra at opnå den maksimale lighed med virkeligheden; De var primært interesserede i at formidle volumen og rum.

Højrenæssancekunstnere begyndte også at eksperimentere med maleteknikker. Således blev kompositionen af Leonardo da Vincis sidste nadver i refektoriet i klostret Santa Maria delle Grazie i Milano malet i olie på en dårligt forberedt vægoverflade. Det har dog lidt meget over tid og viste sig næsten ikke at kunne skelnes under et lag af senere opdateringer. I det 16.–18. århundrede. i italiensk monumentalmaleri er der et voksende ønske om pomp, dekorativitet og illusionisme.

I det 19. århundrede vægmalerier blev ofte brugt til at dekorere offentlige bygninger i både Europa og Amerika. I det 20. århundrede Det monumentale og dekorative maleri oplevede en ny fremgang takket være arbejdet fra de mexicanske kunstnere D. Rivera, J. Orozco og D. Siqueiros.

Mosaik

Mosaik (fransk mosaik, italiensk mosaiko fra latin (opus) musivum - (værk) dedikeret til muserne) er dekorativ, anvendt og monumental kunst af forskellige genrer, hvis værker involverer dannelsen af et billede gennem arrangement, maskinskrivning og fiksering på en overflade (normalt - på et fly) flerfarvede sten, smalt, keramiske fliser og andre materialer.

Mosaikkens historie

Mosaikkens historie går tilbage til 2. halvdel. 4. årtusinde f.Kr e. - det tidspunkt, hvortil opførelsen af paladser og templer i de sumeriske byer i Mesopotamien dateres: Uruk, Ur, Eridu.

Keglemosaik. Uruk. Mesopotamien. 3 tusind f.Kr e.

Mosaikken blev lavet af bagte lerkoglestænger 8-10 cm lange og 1,8 cm i diameter, som blev lagt på en leropløsning. Billedet blev dannet af enderne af disse kegler, som var malet, normalt rød, sort og hvid. Der blev brugt geometriske motiver: rombe, trekant, zigzag.

Et tidligt eksempel på indlægsteknikken eller mosaikteknikken kaldet opus sectile i antikken, som senere udviklede sig til den florentinske mosaikteknik, kan betragtes som en artefakt, der konventionelt kaldes "Standard of Ur" (2600-2400 f.Kr.). Ved det 8. århundrede f.Kr. e. omfatte tidlige eksempler på brugen af mosaikteknikker fremstillet af ubearbejdede småsten, som udgjorde et af stadierne i udviklingen af mosaikteknikker og i sin afslutning blev nedsættende kaldt opus barbaricum af romerne. Udgravninger afslørede de udsmykkede stengulve i Altyn Tepe (det østlige Anatolien) og paladset i Arslan-tash (Assyrien), men det rigeste monument er Gordions stenmosaikker.

Gordion. 8. århundrede f.Kr e. I 1990'erne mosaikker blev delvist adskilt og transporteret til museet. Moderne foto.

De første antikke mosaikker lavet af ubehandlede småsten blev fundet i Korinth og dateret tilbage til slutningen. 5. århundrede f.Kr e. Disse er konturbilleder af mennesker, dyr, mytologiske væsner, dekoreret med geometriske og blomstermønstre, normalt lavet i hvidt på sort, stilistisk tæt på rødfigur vasemaleri. Lignende eksempler fra det 4. århundrede. f.Kr. findes også i Olynthos, Sikyon og Eretria. Et vigtigt skridt mod realisme blev taget i Pellas mosaikker (slutningen af det 4. århundrede f.Kr.).

I det antikke Rom blev mosaikker brugt til at dække gulve og vægge i villaer, paladser og bade. Romerske mosaikker blev lavet af små terninger af meget tæt glas - smalt, men brugen af små sten og småsten var ikke ualmindeligt.

Det byzantinske imperiums æra kan betragtes som den højeste blomstring af mosaikkunst. Byzantinske mosaikker bliver mere raffinerede, der bruges mindre moduler af sten og delikat murværk, billedernes baggrund bliver overvejende gylden.

Byzantinsk mosaik

Mosaikker blev meget udbredt i udsmykningen af paladserne for østens herskere. Sheki Khans-paladset er et fremragende værk af middelalderarkitektur i Aserbajdsjan. Hvis der ikke var andre gamle bygninger i Aserbajdsjan, ville det være nok at vise hele verden kun Sheki Khans-paladset.

Sheki Khans' palads, der betragtes som et af de værdifulde arkitektoniske monumenter i det 18. århundrede i Aserbajdsjan, blev bygget i 1762 af Guseikhan. Paladset, som engang var en del af komplekset palads bygninger og tjente som bolig for Sheki khanerne, er en to-etagers bygning. Facaden på paladset består af løftegitterstel med et sæt shebeke - flerfarvede små glas. Shebekes flerfarvede design komplementerer farverigt malerierne, der dækker paladsets vægge.

Sheki Khans palads

I anden halvdel af det 18. århundrede nåede malerkunsten, direkte relateret til arkitektur og konstruktion, et højt udviklingsniveau i Sheki Khanate. Alle væsentlige arkitektoniske strukturer i byen Sheki var rigt dekoreret med vægmaleri, som var den mest populære type maleteknik på det tidspunkt. Bevis på dette er eksempler på maleri fra sheki-khans palads, som har overlevet den dag i dag og ikke har mistet deres kunstneriske udtryksevne.

Vægmalerierne var dedikeret til forskellige temaer: scener med jagt på vilde dyr, kampe, blomster- og geometriske mønstre, tegninger baseret på "Khamsa" (fem), den strålende aserbajdsjanske digter Nizami Ganjavi, scener fra paladslivet, hverdagsskitser fra bondelivet osv. d. De anvendte hovedfarver var blå, rød, guld og gul. Navnet på den talentfulde maler Abbas Quli er krypteret på loftet i salen i sheki-khans palads. Det skal bemærkes, at paladsets vægge blev restaureret mere end én gang, og derfor kan du her finde malerier lavet af mestre, der levede på forskellige tidspunkter. Sheki Khans palads (Aserbajdsjan)

Mosaik i Rusland

I Rus' optrådte mosaikker med vedtagelsen af kristendommen, men blev ikke udbredt på grund af de høje omkostninger til materiale importeret fra Konstantinopel.

Mosaikker af M. V. Lomonosov er en del af videnskabsmandens aktivitet, som kombinerer fremme af to vigtige og tæt forbundne områder af hans arbejde: udviklingen af videnskaben om glas, han grundlagde, her - anvendt, sat til tjeneste for en særlig type glasfremstilling - smeltning, det såkaldte massive glas, smalt - et forbløffende smukt materiale egnet til kunstneriske formål - skabe en række mosaikværker - i dette tilfælde hovedretningen, hvilket indebærer tilfredsstillelse af en temmelig bred vifte af interesser og behov - fra brugsgenstande (perler, sættebordplader, tilbehør, møbelindretning og små arkitektoniske former, interiørelementer).

Den første mosaik af M. V. Lomonosov.

Videnskabsmandens ukuelige energi og beslutsomhed bidrog til, at hans forhåbninger var bestemt til at gå i opfyldelse: i en særlig udvidelse af hans hus på Vasilievsky Island blev der åbnet et værksted for et sæt mosaikmalerier, og i det begyndte han undervisning med sine første studerende - mosaikkunstnere Matvey Vasilyevich Vasiliev og Efim Tikhonovich Melnikov. Og M.V. Lomonosov selv var den første person i Rusland, der begyndte at mestre teknikken til mosaikskrivning fra sin egen erfaring og med sine egne hænder. Han demonstrerer egenskaberne ved en umiskendelig kunstnerisk flair, hans planers ædle patos. Med et nøgternt syn på kunst har M.V. Lomonosov blev på kortest mulig tid leder af en gruppe kunstnere, der blev berømt for at skabe førsteklasses mosaikmalerier, deres kvaliteter kan sammenlignes med de bedste malerier til uafhængige kunstværker - "mosaikmalerier" og monumentale paneler, der genopliver denne glemte håndværk og kunst.

NOU VPO Tomsk Institute of Business

Fakultet for Design

“Monumental og dekorativ kunst og dens typer”
Abstrakt om emnet design og monumental og dekorativ kunst

Udført af: elev gr. 171

Tjekket af: overlærer

Tomsk 2010

Introduktion……………………………………………………………………………………………… 3

Kapitel 1. Monumental og dekorativ maleri…………………………………...4

1.1 Monumentalt maleri…………………………………………………..4

1.2 Mosaik…………………………………………………………………………………………..7

1.3 Fresco………………………………………………………………………………………...10

1.4 Farvet glas………………………………………………………………………..12

Konklusion……………………………………………………………………………………………….21

Bemærk…………………………………………………………………………………………22

Liste over anvendte kilder……………………………………………………………………….…23

Liste over illustrationer……………………………………………………….……24

Introduktion

Kunsthistorie, æstetik og filosofi kalder generelt monumentalitet for den egenskab ved et kunstnerisk billede, der i sine karakteristika er beslægtet med "sublim". Vladimir Dahls ordbog giver følgende definition til ordet monumental - "herlig, berømt, i form af et monument." Værker udstyret med monumentale træk er kendetegnet ved ideologisk, socialt betydningsfuldt eller politisk indhold, legemliggjort i en storstilet, ekspressiv majestætisk (eller statelig) plastisk form. Monumentalitet er til stede i forskellige typer og genrer af kunst, men dens kvaliteter anses for at være uundværlige for egentlige værker af monumental kunst, hvor den er substratet for kunst, den dominerende psykologiske indvirkning på beskueren. Samtidig bør man ikke identificere begrebet monumentalitet med selve monumentalkunstværkerne, da ikke alt, der skabes inden for de nominelle grænser af denne type figurativitet og dekorativitet, bærer træk og besidder egenskaberne af ægte monumentalitet. Et eksempel på dette er de skulpturer, kompositioner og strukturer, der er skabt på forskellige tidspunkter, som har kendetegn fra gigantomania, men som ikke bærer en ladning af ægte monumentalisme eller endda imaginær patos. Det sker, at hypertrofi, uoverensstemmelsen mellem deres størrelser og meningsfulde opgaver, af den ene eller anden grund får en til at opfatte sådanne objekter på en komisk måde. Hvoraf vi kan konkludere: Værkets format er langt fra den eneste afgørende faktor i overensstemmelsen mellem virkningen af et monumentalt værk og opgaverne med dets indre udtryksfuldhed.

Kapitel 1. Monumental og dekorativ maleri

1.1 Monumentalt maleri

MONUMENTAL MALERI er en type maleri relateret til monumental og dekorativ kunst. Monumentalt maleri omfatter værker, der er direkte relateret til arkitektoniske strukturer, placeret på vægge, lofter, hvælvinger, sjældnere på gulve, såvel som alle typer malerier på gips - fresco, enkaustisk, tempera, oliemaleri (eller maleri på et andet bindemiddel), mosaikker, malede paneler på lærred, specielt tilpasset et bestemt sted i arkitekturen, samt farvet glas, [sgraffito], majolika og andre former for plan billedudsmykning i arkitekturen.

Monumentalt maleri opnår kun integritet og fuldstændighed i samspil med alle komponenter i det arkitektoniske ensemble.

Romerriget (indtil 476), og i Byzans (4.–15. århundrede) og andre lande i Østeuropa. I middelalderen i Vesteuropa var kirker hovedsageligt dekoreret med kalkmalerier eller malerier på tør puds; mosaikker fortsatte også med at eksistere i Italien. I malerierne i den romanske stil (11.–12. århundrede) er der i modsætning til klassisk og renæssancemaleri ingen interesse for plastisk modellering af volumen og rumoverførsel; de er flade, konventionelle og stræber slet ikke efter nøjagtigt at gengive verden omkring dem.

1.2 Mosaik

MOSAIK (fransk mosaik, italiensk mosaiko, fra latin musivum, lit. - dedikeret til muserne) er en type monumental maleri, såvel som en monumental udsmykningsteknik, hvor billedet er skabt af små terninger (tesserae, fra latin tesserae) ) af marmor, småsten, keramiske fliser, smalt (lyddæmpet glas) osv. på en glat, grundet overflade af gulv, vægge eller loft. Fragmenter af røde og sorte sømformede lerkegler opdaget under udgravninger i den sumeriske by el-Ubaid (Interfluve) indikerer, at teknikken til murmosaikker var kendt allerede i 3500 f.Kr. En lille plakette kaldet "Standard of War" (ca. 2600 f.Kr., fra byen Ur i Mesopotamien, nu i British Museum i London) dekoreret med et fladt relief lavet af lapis lazuli og lyserød sandsten, hører også til sumerisk kunst . Egypterne brugte glasmosaikker i smykker. Spor af mosaikker blev fundet i udgravninger af byer af den minoiske kultur på Kreta og den mykenske kultur på det græske fastlands territorium (ca. 2000-1400 f.Kr.). Også i forskellige dele af Grækenland finder man under udgravninger gulvmosaikker beklædt med sorte og hvide småsten; nogle af dem går tilbage til slutningen af det 5. århundrede. f.Kr. I de hellenistiske og romerske perioder blev gulvmosaikker, sammensat af flerfarvede marmorterninger på en lys baggrund, skabt i hele Middelhavet. I den tidlige kristne æra begyndte mosaikker at blive brugt til at dekorere ikke kun gulve, men også vægge og hvælvinger. I Nordafrika var både hedenske og kristne gravsten ofte dekoreret med mosaikker. I Byzans i det 5.-15. århundrede. Der blev skabt mange smukke vægmosaikker, hvis terninger var lavet af smalt, perlemor og andre ædle materialer. Baggrundene var lagt ud med guldsmalt, lavet af en gennemsigtig glasmasse smeltet sammen på en tynd guldplade. Mosaikteknikken bliver fortsat brugt i dag.

Metoden til at lave mosaikker i det antikke Grækenland og Rom bestod af en række processer. Først blev jorden komprimeret til dannelse Glat overflade. Derpå blev der lagt en bund af sten, tørre småsten og kalk i en tykkelse på 15-23 cm. Et andet lag, 10-15 cm tykt, bestående af kalk og knuste mursten blandet med vand, blev påført det resulterende lag. Et foreløbigt design blev påført den stadig bløde overflade, og derefter blev terninger eller småsten lagt med den glatte side opad. Mosaikken blev hældt med flydende fikseringscement ovenpå, og revnerne og revnerne blev belagt med en børste. Da alt var hærdet, blev overfladen poleret. En anden type gulvmosaik, kaldet opus sectile, og senere opus alexandrinum, var sammensat af store fragmenter af marmor eller andre flerfarvede sten. Moderne mønstrede gulve er skabt på lignende måde.

Mosaikteknikken, som går tilbage til gammel tradition, kaldes romersk mosaik. Denne mosaik er lavet af smalt og stenterninger. Der er også en type, der hedder Florentinsk mosaik, når billedet er lagt ud langs konturen og er sammensat af tynde plader af flerfarvede kugler og jaspis. Hvis et mosaiksæt er lavet af forskellige træsorter, kaldes stykket intarsia.

Lille mosaik kan laves på to måder: 1) "direkte sæt" - billedet lægges direkte på arkitektoniske overflader og fastgøres i et uhærdet gipslag; 2) "omvendt sæt" - billedet lægges ud på kalkerpapiret for det fremtidige maleri med forsiden nedad, og efter fastgørelse af bagsiden behandles forsiden endelig, nogle gange slebet og dækket med voks. Mosaikmalerier blev lavet i "omvendt sæt" til 2. sal. 19. århundrede for St. Isaac's Cathedral i Skt. Petersborg, nøjagtig gentagelse af de originale malerier.

I Rusland er mosaikker blevet brugt til at dekorere kirker i lang tid, kendt siden Kievan Rus tid (St. Sophia Cathedral, St. Michael's Golden-kupled Monastery in Kiev). I det 18. århundrede M.V. Lomonosov og hans elever genoplivede kunsten

Mosaikker og skabt en række mosaikmalerier. Fra ser. 1700-tallet den såkaldte Russisk mosaik: et sæt plader af sten af samme type: malakit, jaspis, lapis lazuli og andre ædelstene på overfladen af bordplader, søjler, vaser, kasser, der efterligner et produkt udskåret af massiv sten.

I det 20. århundrede Antonio Gaudi (Spanien), Fernand Léger (Frankrig), Diego Rivera (Mexico), Hans Erni (Schweiz) arbejdede i mosaikteknikken. I Rusland blev mosaikker brugt til at dekorere metrostationer og offentlige bygninger (A.A. Deineka, P.D. Korin, I.M. Rabinovich, B.A. Talberg, etc.)

1.3 Fresko

FRESCO (italiensk fresco - frisk), en teknik til vægmaling med vand, sjældnere kasein-kalk maling på vådt eller tørt gips, såvel som et maleri lavet i denne teknik. Fresken kan udføres på to måder: en secco (en secco - tør), dvs. malet på tør puds og i affresco (al fresco) teknik, når vandfarver påføres våd puds; sådan en fresco (buon fresco), uden efterfølgende korrektioner med tempera, er den sværeste at udføre, da den kræver hurtig afslutning af arbejdet. Så snart den våde jord tørrede ud, blev maleriet en integreret del af vægoverfladen. Et secco-maleri, selvom det ikke er nær så holdbart, har en tendens til at revne og smuldre. Leonardo da Vincis sidste nadver (i refektoriet i klostret Santa Maria della Grazie, 1495-1497) er det mest berømte eksempel på, hvordan et stort værk ødelægges, fordi mesteren ikke brugte vådt puds som grunding. Middelalderlige kunstnere blandede pulveriserede farvepigmenter med kasein eller æggehvide, men fra det 16. århundrede. Den mest almindeligt anvendte emulgator var vand. Den italienske kunstner Cennino Cennini (ca. 1370 – ca. 1440) beskrev freskoteknikken i detaljer i sin Afhandling om maleri (Trattato della Pittura, 1437). Arbejder i affresco-teknikken bruger kunstneren pap i størrelsen af maleriet og overfører i dele fra pappet til væggen præcis den del af billedet, der kan males, mens pudset stadig er vådt.

De ældste kalkmalerier er bevaret i Theben i Egypten; de stammer fra New Kingdom-æraen (1555-1090 f.Kr.). Grækerne i Mykene og Tiryns og kretenserne i malerierne af Knossos-paladset brugte affresco-teknikken sammen med en secco. I oldtidens maleri af de klassiske og hellenistiske perioder forblev frescoen populær og blev senere brugt af de første kristne til at male katakomberne. Storslåede antikke fresker er blevet bevaret i de ødelagte bygninger i Pompeji og Herculaneum. I efterfølgende

I århundreder var teknikken med ren fresco (det vil sige maling på våd puds og uden brug af andet bindemiddel end vand) kun lidt brugt. I Frankrig og Tyskland er der bevaret romanske kalkmalerier fra det 11. århundrede, hvilket indikerer denne traditions fortsatte eksistens. Freskomaleri i Frankrig blev næsten helt glemt med den stigende popularitet af farvet glas og den hurtige stigning i højden af gotiske hvælvinger. Men i Italien, især i Siena og Firenze, fik freskomaleri takket være Simone Martinis og Giottos arbejde en ny impuls til yderligere udvikling. Romerske arkitektoniske former, som blev foretrukket i Italien, var velegnede til freskomaleri. Under renæssancen dekorerede sådanne mestre som Masaccio, A. Mantegna, L. Signorelli, Raphael, Michelangelo og Leonardo da Vinci kirker og paladser med fresker udført med en sådan virtuositet, at selve planen af loftet eller væggene, som de optrådte på, syntes at forsvinde blev skrevet. Tilbage i 1700-tallet. fresco forblev den vigtigste og mest populære form for monumental dekoration; en af de fremragende mestre, der arbejdede med denne teknik, var G.B. Tiepolo. På trods af det faktum, at freskomaleri er udbredt over hele verden, er dets udvikling stadig hovedsagelig forbundet med Italien. En bemærkelsesværdig undtagelse var værket af mexicanske muralister fra det 19. og 20. århundrede. D. Rivera, J. Orozco og D. Siqueiros, som legemliggjorde nationale indiske motiver i deres flade kompositioner med kantede mønstre.

1.4 Farvet glas

BLISTERET GLAS (fra latin vitrum - glas), et dekorativt kunstværk, en sætning af pryd- eller plotsammensætning lavet af farvet og malet glas eller andre materialer, der transmitterer lys. Det antages, at farvet glas var kendt i det gamle Egypten og det antikke Rom. I tidlige kristne basilikaer i det 5.-6. århundrede. vinduerne var fyldt med gennemsigtige fliser af alabast og selenit. Glasmaleriets kunst blomstrede i middelalderen. Grundlæggende blev farvede glasvinduer lavet af farvede glasfragmenter skåret langs konturen, fastgjort med blybindinger, brugt i kirkearkitekturen, selvom de nogle gange optrådte i beboelsesbygninger, især siden renæssancen. Glasmaleri fortsatte med at blive skabt i det 19. århundrede og i det 20. århundrede. denne kunst oplevede en ny blomstring i kirkelig og verdslig arkitektur.

Det er sandsynligt, at middelalderens glasmagere lærte at lave farvet glas, som blev farvet under smeltningsprocessen, i det 9. århundrede, efter at have overtaget erfaringerne fra østlige håndværkere, hvor evnen til at farve glas allerede havde en lang tradition. Den første skriftlige omtale af ægte farvet glas er i et manuskript fra det 10. århundrede, der beskriver dets brug til at dekorere katedralen i Reims under genopbygningen i 969-988. De tidligst bevarede glasmosaikvinduer er adskillige billeder af profeterne fra katedralen i Augsburg (Tyskland), der stammer fra det 11. århundrede, samt et vindue med kompositionen af Kristi Himmelfart fra katedralen i Le Mans (Frankrig), der stammer fra den samme tid.

Glasmosaik vinduer 1100-tallet. meget flere. De bedste af de engelske eksempler produceret i dette århundrede er i Canterbury Cathedral. De repræsenterer Kristi forfædre (ca. 1180). Flotte glasmosaikvinduer fra 1100-tallet. bevaret i Chartres-katedralen i Frankrig, her på det berømte vestvindue, kaldet La belle Verrière (smukt farvet glas), forestiller Jesses træ med Kristi forfædre på grenene og Jomfru og Barn. I farvet glas fra det 12. århundrede, også bevaret i Angers, Saint-Denis,

Chalons-sur-Marne, Bourges, Strasbourg og Poitiers, kan man mærke den konventionelle komposition, der er karakteristisk for romansk kunst, men mindre streng end i tidligere værker.

I slutningen af den romanske æra begyndte farvede glasvinduer at blive sammensat af en række kompositioner om bibelske emner, indbyrdes forbundet i betydning, men adskilt fra hinanden af skillevægge. Antallet af forskellige billeddetaljer steg, karakterernes ansigter begyndte at få karakteristiske udtryk: ansigtstræk blev malet med grisaille - en brunlig-grå glasur, som i en ovn blev smeltet til stykker af let glas lavet i form af hoveder og hænder. Samtidig begyndte forskellige mindre episoder at blive afbildet i baggrunden af farvede glasvinduer. Resultatet blev kompositioner, der minder om sengotisk gobelin, med deres flerlagede og mangefacetterede kompositioner. De berømte runde vinduer - gotiske "roser", placeret i den centrale del af katedralers facader (for eksempel i Notre Dame-katedralen, katedraler i Reims og Chartres) er eksempler på rent dekorative kompositioner fra det 13. århundrede. Disse runde farvede glasvinduer havde en meget kompleks, men klar og konsekvent struktur. Designet af deres bindinger, symmetrisk og abstrakt, består af geometriske former og buede linjer, der udgår fra et rosetcenter. Disse kreationer af middelalderlige håndværkere er i skønhed tæt på smykker.

Gotiske farvede glasvinduer blev lavet i hele Europa. Fine eksempler på værker fra denne æra overlever i Canterbury og Lincoln i England; i Chartres og Rouen i Frankrig; i Köln og Marburg i Tyskland. I paladskapellet i Louis XI Sainte Chapelle (påbegyndt i 1244, Paris) er skillevæggene mellem vinduerne på den øverste etage så tynde, at det virker, som om dets vægge udelukkende består af farvet glas.

I midten af det 14. århundrede. der var en reaktion på pompøsiteten i stilen fra det forrige århundrede. Først havde forbuddet mod fremstilling af farvet glas, indeholdt i særlige edikter af cistercienser- og franciskanerordenen, haft

Styrke ud over disse broderskaber. På grund af pesten, der rasede i hele Europa, blev håndværkstraditionen desuden afbrudt, antallet af håndværkere blev stærkt reduceret, og den kommercielle velstand i de byer, der sørgede for opførelsen af store katedraler, blev undermineret. Vinduer begyndte at blive lavet af rent glas i form af diamanter. Den eneste form for dekoration, der fortsat blev brugt, var grisaille-konturtegninger påført glasur mørke farver og smeltet til hvidt glas. Farvet glas blev kun brugt i små runde vinduer eller individuelle scener.

I begyndelsen af det 14. århundrede. man begyndte at få gult glas ved at påføre en opløsning af sølvnitrat på overfladen af hvidt glas i stedet for at farve hele glasmassen, som man gjorde før. Endnu tidligere kom de med ideen om at anvende den samme løsning på blåt glas og dermed opnå en storslået grøn farve. Dog i slutningen af 1300-tallet. gul var næsten den eneste farve, der blev brugt til at dekorere vinduer sammen med grisaillemaleri. Fordi opløsningen blev påført hvidt glas, kunne farven variere fra bleg citron til lys orange. Rammen til kompositioner lavet ved hjælp af grisaille-teknikken kunne være udskåret sten ciboria. Først var de meget enkle og bestod af søjler og buer, og senere i slutningen af det 15. århundrede. erhvervede indviklede og udførlige former.

I det 15. århundrede Faldet i glasmaleriets kunst i det forrige århundrede havde en indvirkning: de tekniske færdigheder og kvaliteten af maleriet var stærkt faldet, på trods af at polykrom var dukket op igen. Glasmosaikvinduerne i Exeter Cathedral og det berømte Five Sisters Window i York Minster viser en tendens til at bruge grisaille-design til at udvikle baggrunden. Kunstnere, der arbejdede i hvert land, havde som regel elever, der fortsatte værkstedets håndværkstraditioner, og man kan tale om eksistensen af forskellige nationale skoler i denne type maleri. De bedste engelske håndværkere arbejdede i York, Coventry,

Winchester, Oxford, Wales, Lincoln, Norwich og Westminster. Siden det 15. århundrede. Mange vidunderlige farvede glasvinduer blev skabt i engelske sognekirker i nærheden af de nævnte centre.

Heraldiske kompositioner lavet ved hjælp af glasmosaikteknikken, som spredte sig fra det 15. århundrede, er meget imponerende. Deres forgænger kan betragtes som farvet glas fra det 13. århundrede. fra apsis i Westminster Abbey med tre simple skjolde. Brugen af heraldiske motiver var utvivlsomt dikteret af ønsket om at angive kundens oprindelse eller forevige mindet om en person begravet i dette tempel. I England, Holland og især i Schweiz har kunsten med farvede heraldiske kompositioner nået det højeste niveau. Billeder på våbenskjoldets felt blev påført forskellige farver på glas og blev ridset, blev der næsten aldrig brugt blybroer mellem glas i forskellige toner.

I slutningen af det 15. - begyndelsen af det 16. århundrede. mange håndværkere flyttede fra Holland til London. De bragte deres stil til England, som blev dannet i Holland, Frankrig og Tyskland. Det er baseret på en kombination af nordlige traditioner med den italienske renæssances maleteknikker, såsom brug af perspektiv. Der skete store ændringer i sammensætningen af farvet glas: Glasmaleri blev nu forstået som en udsigt fra et vindue og konstrueret som et renæssancemaleri. I England er det mest perfekte eksempel på denne stil vinduerne i Kongens Kapel Henrik VII i Westminster, skabt af den hollandske mester Bernard Flower, som trådte i kongelig tjeneste i 1505. Et andet sæt farvede glasvinduer, sandsynligvis lavet af samme kunstner, er i Fairford Church i Gloucestershire. I Frankrig bedste prøver af denne stil er placeret i Rouen-katedralen. Vidunderlige farvede glasvinduer er også blevet bevaret i katedraler i Antwerpen, Bruxelles, Liège og Amsterdam. I slutningen af det 16. århundrede. De berømte glasmosaikvinduer i katedralen i Gouda, skabt af brødrene Dirk og Wouter Krabet og deres elever, blev færdiggjort.

I Tyskland, især i Köln, og i Italien var glasmaleri meget mere udbredt. En stor skole opstod i Milano i forbindelse med byggeriet af katedralen. Blandt værkerne udført af denne skoles mestre skiller Cristoforo de Mottis og Niccolò da Varallos værker sig især ud. En anden italiensk mester i glasmaleri, Guglielmo de Marchillat, arbejdede i Arezzo, Rom og Cortona.

Glasmalerier skabt på dette tidspunkt viste sig ikke at være så holdbare som mere gamle farvede glasvinduer lavet af stykker af farvet glas. Kun i Schweiz er værker af malet glas bevaret ganske godt; det er hovedsageligt små vinduer i beboelsesejendomme. Årsagen til den dårlige bevaringstilstand for de fleste malede vinduer er, at den farvede glasur og det glas, det blev påført på, var udsat for slitage. forskellige ændringer(komprimering og ekspansion) med skiftende temperaturer, så glasuren revnede og smuldrede med tiden.

I det 17., 18. og 19. århundrede. glasmalerkunsten fortsatte med at eksistere, men denne tids værker er ikke af særlig interesse. I slutningen af det 19. århundrede. i England ledede kunstneren W. Morris bevægelsen for genoplivning af engelsk gotisk farvet glas. Han fik selskab af englænderen E. Burne-Jones og franskmanden E. Viollet-le-Duc; begge skabte nogle meget elegante stykker farvet glas.

I Amerika i slutningen af det 19. århundrede. mange nye kirker blev bygget; Det var ofte bygninger udført i en pseudo-gotisk stil, med glasvinduer, der minder om farvet glas. Bemærkelsesværdige mestre af denne kunstform var Charles og Lewis Tiffany, John La Farge, Charles J. Connick, Frederick Cole, Clement Heaton og Joel Nicholas.

Restaureringen af kirker og katedraler ødelagt i Europa under krigene i dette århundrede bragte offentlighedens opmærksomhed på behovet for nye farvede glasvinduer. I mange tilfælde, i stedet for tabte fragmenter, blev moderne paneler indsat, skabt ved hjælp af nye designs og teknologier. De mest fantastiske resultater er opnået

I Frankrig, hvor så berømte kunstnere som Georges Rouault, Jean Lursa, Fernand Léger, Hans Arp, Georges Braque og Henri Matisse deltog i renoveringen af glasmosaik. I England blev vidunderlige malede vinduer skabt af Lawrence Leigh, Geoffrey Clarke og Kate New for at dekorere skibsbygningen i den nye Coventry Cathedral.

Moderne farvede glasvinduer bruger farvet og klart glas, støbt glas, tykt knust glas, farvede spejle samt forskellige former for bearbejdning: maling, ætsning, gravering, sandblæsning. Støbt og presset glas får en række forskellige teksturer og forskellige grader af gennemsigtighed.

DEKORATIV MONUMENTAL SKULPTUR. Kunsten at monumental skulptur går tilbage til Peter I's tid, dens første eksempler dukkede op i St. Petersborg. ( Sommerhave, forstadsboliger). Disse værker, lavet af italienske, hollandske og tyske mestre, var primært didaktisk af natur, og skildrede gamle guddomme, personifikationer af naturlige elementer, dyder, laster og temperamenter. Monumentale relieffer: Peters Port (billedhugger K. Osner); facader af Sommerpaladset (billedhugger A. Schlüter); trin af Grand Cascade, (billedhugger B.K. Rastrelli) i en symbolsk form afspejlede begivenhederne i Norden. krigene 1700-21. Blandt de første er indretning. skulpturer af russisk mestre - en kobberstatue af Neptun i Peterhofs nedre park (1716, støbt af M. Arnolt). I elizabethansk tid indretning. dekorative relieffer, skulpturer og vaser er en integreret del af udsmykningen af barokke paladser (Stroganov Palace, Shuvalov I.I. Palace, Winter Palace, etc.). Arbejdet hos modelbyggeren I. Dunker, assistent, var kendetegnet ved høj dygtighed. F. Rastrelli, der arbejdede i Rusland siden 1743. I det 18. århundrede. i hovedsagen park dekorative komplekser har udviklet sig. skulpturer i parkerne Petrodvorets, Oranienbaum, Tsarskoye Selo, Pavlovsk, Gatchina. I begyndelsen. 19. århundrede D.-m. Med. spiller en vigtig semantisk rolle i stor byplanlægning. ensembler: skulpturer af floder og havguder i ensemblet af Spit of Vasilyevsky Island, skulpturer fra Mining Institute, Kazan Cathedral. Rig skulptur. dekoration Ch. Admiralitetet (delvist bevaret) symboliserede Ruslands triumf som et stort hav. beføjelser. Indretning. allegorisk skulptur Indholdet dekorerede som regel portikerne i bygninger fra den klassiske æra; figurative relieffer i molerne og over vinduerne, keystones med Gorgon-masker og løveansigter var udbredt. Kam. skulpturen blev lavet af kalksten og granit af artel af S.K. Sukhanov (figurer ved Rostral Columns, Kazan Cathedral), G. Balushkin (Atlanteans of the New Hermitage, baseret på model af A.I. Terebenev). Triscornis værksted i 1810'erne.

Jeg installerede marmorindretning. skulpturer (Dioscuri ved Manegen; løver ved Lobanov-Rostov-huset). Interessant skulptur. udsmykning af broer og moler: mole ved Kunstakademiet (1832-34, K. A. Ton, sfinkser fra Amenhotep 3-4 århundreder f.Kr.); hegn med 29 løver af Kushelev-Bezborodko ejendom på det moderne. Sverdlovskaya dæmning (midten af 1800-tallet); Bank Bridge, Lion Bridge, Egyptian Bridge, Anichkov Bridge, moler med løver og vaser på Admiralteyskaya dæmningen. Landskabsskulptur 2. sal. 19 - begyndelse 20. århundrede Det er rent dekorativt. karakter, i sine intime former nærmer sig staffeli. I Sov. tid indretning. skulpturer blev brugt til at dekorere parker af kultur og rekreation, børn. legepladser, sport strukturer (værker af E. A. Yanson-Manizer i Central Park of Culture and Culture, 1936; Ts. A. Diveeva i Moscow Victory Park, 1953). Der er opstået en stereotype af de gentagne gange replikerede "piger med en åre" og "pionerer med en bugle." Siden 1990'erne i St. Petersborg Der var en stigning i dekorativ udsmykning. skulptur center. distrikter af byen ("Garden" på M. Konyushennaya St., "Ostap Bender" på Italianskaya St., "Cats", "Dog" og "Photographer" på M. Sadovaya St.), hvilket modsiger historien. ensembler.

Skulptur kan opdeles i typer - staffeli, monumental, monumental-dekorativ skulptur, lille skulptur. Skulpturen gengiver den virkelige verden, men hovedobjektet for billedet er en person, gennem hvis udseende han formidles indre verden, karakter, psykologisk tilstand, såvel som den menneskelige krop, transmission af bevægelse (hoved, buste, torso, statue, skulpturgruppe). Billeder af dyreverdenen udgør den dyriske genre skulptur.

Skulpturens udtryksevne opnås ved at konstruere grundlæggende planer, lysplaner, volumener, masser og rytmiske forhold. Silhuettens klarhed og integritet er af stor betydning. Tekstureret overfladebehandling og detaljer supplerer ekspressiviteten af plastopløsningen af det skulpturelle billede. Skulpturmaterialerne er sten (marmor, kalksten, sandsten, granit osv.), træ, ben,

Metal (bronze, kobber, jern osv.), ler og brændt ler (keramik - terracotta, majolica, fajance, porcelæn osv.), gips.

Der skelnes mellem en rund skulptur (statue, gruppe, figur, buste), set fra forskellige sider, og et relief (billedet er placeret på et plan). Monumental skulptur (monumenter, monumenter) er forbundet med det arkitektoniske miljø, er kendetegnet ved betydningen af sine ideer, en høj grad af generalisering og store størrelser; monumental og dekorativ skulptur omfatter alle typer udsmykning af arkitektoniske strukturer og komplekser (Atlanter, karyatider, friser, fronton, springvand, haveskulptur); staffeli skulptur, uafhængig af omgivelserne, har dimensioner tæt på livet eller mindre, og et specifikt dybdegående indhold.

Konklusion

Kunsthistorien har eksempler nok, når dygtighed og plastisk integritet gør det muligt at opnå imponerende effekter, effekt og drama kun på grund af kompositoriske træk, konsonans af former og overførte tanker og ideer i værker, der er langt fra de største i størrelse (“The Citizens of Calais" af Auguste Rodin er lidt større end livet ). Ofte giver manglen på monumentalitet æstetisk uoverensstemmelse til værker, en mangel på ægte overholdelse af idealer og offentlige interesser, når disse kreationer opfattes som intet andet end pompøse og blottet for kunstnerisk værdi.

Bemærk

^ 1.Graffiti, sgraffito (fra det italienske "sgraffito") - en type monumental og dekorativ maleri, en vægmaleriteknik, hvis essens er den sekventielle påføring af tynde farvede lag af kalk-sand eller cement-sandmørtel på et arkitektonisk plan, og ridser friske med specialværktøj øverste lag indtil de nederste er eksponerede, forskellige i farve og tone, i overensstemmelse med det mønster, der overføres fra kalkerpapir. Ud over den "våde" metode er der også en "tør" metode til sgraffito, når ridser eller udskæring udføres på bløde porøse materialer dækket med gesso eller malet i en anden farve. Sgraffito dukkede første gang op i Italien i det 15. århundrede, da man begyndte at pudse store bygningsfacader der, og der opstod et presserende behov for deres udsmykning.

2. Graffiti(italiensk graffiti, flertal af graffito, bogstaveligt talt - ridset) - dedikerende, magiske og dagligdags inskriptioner på væggene i bygninger, metalprodukter, fartøjer osv. Graffiti findes i store mængder under udgravninger af antikke og middelalderlige byer og bosættelser i mange lande i verden. Næsten alle gamle russiske bygninger har graffiti; især interessant i St. Sophia-katedralerne i Kiev og Novgorod. Graffiti introduceres i et lidt undersøgt område af levende sprog gammel befolkning, supplere information om palæografi. Graffiti - i sin moderne betydning - inskriptioner og tegninger efterladt af børn eller voksne på væggene i huse, på monolitiske hegn, i metroen.

3. Grisaille(fransk gris - grå) - en type dekorativt maleri udført i forskellige nuancer enhver farve (normalt grå). Brugt siden 1600-tallet, er det meget brugt i interiørmalerier i klassicistisk stil, hovedsageligt som en efterligning af skulpturelt relief.

Liste over anvendte kilder

Brinkman A. Plads og monument som et kunstnerisk formproblem. M., 1935
Tolstoj V.P. Om de grundlæggende begreber i monumental kunst. – Sovjetisk kunsthistorie, 1980, nr. 2
Prokofiev V.N. Monumental og staffeli. Om spørgsmålet om definition af begreber. – Kreativitet, 1971, nr. 5

Liste over illustrationer

FRESCO PÅ EN Søjle I JOHN CHRYSOSTOMS KIRKE. Yaroslavl. 1911
JOTTO. INTRODUKTION AF JOMFRUEN I TEMPLET. Fresco.
ANDREA MANTEGNA. FRAGMENT AF ET VÆGMALERI I KAMERAET DELHI SPOSI. i Palazzo Ducale, Mantua. Fresco
St. Chicherina, 19. Foto 2008
olympisk reserveskole. Foto 2007
Modehus. Metal bas-relief A. Artsimovich - "Solidaritet". Foto 2008
Monument" Videnskabelige forsøg" (Akademika Pavlova St., 12)
Skulptur på taget af Vinterpaladset.
Skulptur af en løve på Makarov-dæmningen.
Jomfru og Barn. Glasmosaikvindue i katedralen i Chartres.
Saint Isaac's Cathedral.

Illustrationer
^ 1. FRESCO PÅ EN SOLLE I JOHANNES CHRYSOSTOMS KIRKE.

2. JOTTO. INTRODUKTION AF JOMFRUEN I TEMPLET. Fresco.

3. ANDREA MANTEGNA. FRAGMENT AF ET VÆGMALERI I KAMERAET DELHI SPOSI. i Palazzo Ducale, Mantua
4. St. Chicherina, 19.

5. Olympisk Reserveskole.

6. Modehus. Metal bas-relief A. Artsimovich - "Solidaritet".

7. Monument til "videnskabelige eksperimenter" (Akademika Pavlova St., 12)

8. Skulptur på taget af Vinterpaladset.

9. Skulptur af en løve på Makarov-dæmningen.

10. Jomfru og Barn. Glasmosaikvindue i katedralen i Chartres.

11. Isak-katedralen.

Vi lever i den moderne verden, som involverer udvikling af informationsteknologi, videnskab og teknologi. Men sammen med fokus på materielle værdier mennesker, og opførelsen af nye futuristiske bygninger, er der også majestætiske arkitektoniske strukturer fra tidligere epoker, og vigtigheden af at bevare dem som et minde om vores civilisations historie. Tidligere så vi på sådanne typer kunst som stukudsmykning og forgyldning. I dag vil vi tale om et lige så vigtigt element i restaurering - monumentalt maleri.

Monumentalt maleri som kunstform.

Monumental maleri er en type monumental kunst. I dag er det uløseligt forbundet med arkitektur. Begrebet monumental kommer fra det latinske ord "monument", som betyder "bevare hukommelsen", "minde". Vægge, gulve, lofter, hvælvinger, vinduer osv. er malet med monumentalmaleri Det kan enten være det dominerende træk ved et arkitektonisk monument eller dets udsmykning. Selve vægmaleriets monumentalitet er bestemt af dets forbindelse med det arkitektoniske udseende, der danner et enkelt kunstnerisk koncept. Det er også den ældste type maleri. Dette vidnes om af hulemalerier og klippemalerier, der er bevaret på næsten alle kontinenter, og som blev skabt af primitive mennesker. På grund af deres holdbarhed og stationaritet er eksempler på monumentale malerier blevet bevaret fra næsten alle kulturer, der skabte udviklet arkitektur, og tjener nogle gange som den eneste type overlevende malerier fra æraen. Disse monumenter er af stor værdi, og nogle gange er det den eneste kilde information om karakteristika ved kulturer fra forskellige historiske epoker.

Dannelses- og udviklingshistorie.

I oldtiden kunne man ikke forestille sig maleri uden for vægge, lofter og andre strukturer. Da kunstnere og malere endnu ikke var fortrolige med kunsten at male på lærred. Takket være maleriet ønskede de at formidle til deres samtid og landsmænd betydningen af mytologiske historier, heroiske begivenheder og religiøse legender.

Det gamle Egyptens æra gav os de første monumenter af monumental arkitektur. De var pyramider og templer, grave for faraoerne, som har overlevet den dag i dag. Udsmykning af det indre rum af pyramiderne, monumentalt maleri er den vigtigste kilde til information om kulturen i det gamle Egypten, staten og social struktur, træk ved egypternes liv og håndværk.

Desværre eksempler på monumentalt maleri Det gamle Grækenland næsten alle er tabt. For det meste er kun mosaikker blevet bevaret, så man kan få en generel idé om grækernes monumentale maleri. Et af de tidligste antikke græske mesterværker af monumentalt maleri er Knossos-paladset. Dens fragmenter blev opdaget af arkæologer på øen Kreta. Dette gamle kunstmonument er bevis på, hvor forskelligartede de gamle grækeres horisont var.

I den europæiske tid middelalderen Monumentalt maleri blev udbredt i form af farvet glasteknologi. Også de bedste mestre Under renæssancen blev der skabt mange kalkmalerier, storslåede i omfang og mesterlige i udførelse.

Monumentalt maleri har opnået stor udvikling i sådanne asiatiske lande som: Kina, Indien, Japan. De østlige landes verdenssyn og religion adskilte sig fra europæiske. Dette afspejlede sig i monumentalt maleri. Østlige mestre dekorerede templer og beboelsesbygninger med billeder af natur og fantastiske landskaber.

Nutidigt monumentalt maleri.

I dag bliver monumentale typer maleri fortsat aktivt brugt i design af interiør og eksteriør af bygninger. Som før bevarer moderne monumentalmaleri traditionen med at male vægge i hånden, mens teknologier udvikler, forbedrer og mestrer nye materialer. En anden tendens er udviklingen af teknikker til fremstilling af mosaikker og farvet glas.
Hvis mestre i fortiden hovedsageligt malede templer og paladser, pryder moderne monumentale malerier museer, udstillingskomplekser, kulturpaladser, togstationer, hoteller, private palæer, lejligheder og andre bygninger og strukturer.
Dette skyldes det faktum, at nu monumental maleri er hovedsageligt dekorativ effekt, skabe en generel atmosfære i en bestemt arkitektonisk struktur, mens den tidligere blev brugt til at danne en historisk arv.

Emnerne for maleri vælges ofte ud fra formålet med rummet, hvilket giver fortrinsret til realisme, som skaber en volumetrisk effekt i interiøret og giver dig mulighed for at give den passende stemning til det arkitektoniske kompleks indefra.
Monumentalt maleri kan placeres på vægge, lofter og hvælvinger, flyder jævnt fra et plan til et andet og danner et enkelt plot.
Afhængigt af beskuerens placering kan opfattelsen af ægte monumentalmaleri ændre sig. Men dens virkning skal bevares eller endda forstærkes. I moderne monumentalmaleri udvikles nye materialer af mosaik og farvet glas aktivt. I maleriet viger fresco, som er ekstremt arbejdskrævende og kræver teknisk virtuositet, for "a secco"-teknikken (på tør puds), som er mere stabil i atmosfæren i moderne byer.

Grundlæggende teknikker til monumentalt maleri.

Afhængigt af metoden til opnåelse af billedet kan 5 hovedtyper af teknikker bruges i monumentalt maleri: fresco, tempera-maleri, mosaik, farvet glas og secco. Lad os se på hver teknik mere detaljeret.

Teknik. Fresco

Beskrivelse. En teknik til monumental maleri, ifølge hvilken et billede skabes på vådt gips ved hjælp af maling fra pulverpigment fortyndet i vand. På tørret puds danner kalk en kalkfilm, som beskytter designet og gør fresken holdbar.

__________________________________________________________________________________________________

Teknik. Tempura maleri

Beskrivelse. Som i freskoteknikken påføres billedet på vådt gips. Men i dette tilfælde bruges maling lavet af plantepigment fortyndet i æg eller olie.

Teknik. Mosaik

Beskrivelse. Billedet er sammensat og lagt ud af flerfarvede stykker smalt (ugennemsigtigt glas), sten, keramiske fliser og andre materialer. Monteres primært på en flad overflade. Det var meget populært i sovjettiden: for
udsmykning af metrostationer, rekreationscenter

______________________________________________________________________________________________________

Teknik. Farvet glas

Beskrivelse. En teknik til monumental maleri beregnet til placering på glas og vinduer i et rum. Billedet består af stykker af flerfarvet glas forbundet med blylodde. Den færdige tegning placeres i vinduesåbningen. Tidligere blev denne teknik brugt i udsmykningen af middelalderlige gotiske katedraler. I øjeblikket populær i boligindretning

________________________________________________________________________________________________________

Teknik. En secco

Beskrivelse. Vægmaling, udført, i modsætning til fresker, på hård, tørret puds, genfugtet. Maling til denne teknik males på vegetabilsk lim og æg. Den største fordel i forhold til fresco er tempoet, som giver dig mulighed for at male en større overflade på en arbejdsdag end med en fresco. Men på samme tid er denne teknik ikke så holdbar.

_____________________________________________________________________________________________________

Epilog

Monumentalt maleri er nået langt i sin udvikling, udviklet og forbedret sammen med menneskeheden gennem flere tusinde år. Denne kunst vil leve, så længe folk bevarer en følelse af skønhed og behovet for at dekorere alt, hvor vi interagerer i løbet af vores liv. Monumentalmaleriet er uden tvivl en meget vigtig historisk værdi. Takket være dens holdbarhed, forskellige generationer mennesker og folk kan lære meget om deres forfædres liv, om forsvundne civilisationers historie, om religiøs kultur og mange andre historiske fakta. Derfor er det vigtigt at bevare genstande af denne kunst og konstant restaurere dem. Meander-virksomheden har kvalificerede specialister og kunstnere til restaurering af monumentale malerier. Vi kan udføre arbejde af enhver kompleksitet, herunder malerarbejde.

Restaurering af maleri. Vinterpaladsets store kirke og den gyldne stue. Anichkov Palace. Lavet af Meander firma

Fresco - (italiensk fresco - frisk), en teknik til vægmaling med vand, sjældnere - kasein-kalk maling på vådt eller tørt gips, samt et maleri lavet i denne teknik. Fresken kan udføres på to måder: en secco (en secco - tør), dvs. malet på tør puds og i affresco (al fresco) teknik, når vandfarver påføres våd puds; sådan en fresco (buon fresco), uden efterfølgende korrektioner med tempera, er den sværeste at udføre, da den kræver hurtig afslutning af arbejdet. Så snart den våde jord tørrede ud, blev maleriet en integreret del af vægoverfladen. Et secco-maleri, selvom det ikke er nær så holdbart, har en tendens til at revne og smuldre. Leonardo da Vincis sidste nadver (i refektoriet i klostret Santa Maria della Grazie, 1495-1497) er det mest berømte eksempel på, hvordan et stort værk ødelægges af den grund, at mesteren ikke brugte vådt puds som primer . Middelalderlige kunstnere blandede pulveriserede farvepigmenter med kasein eller æggehvide, men fra det 16. århundrede. Den mest almindeligt anvendte emulgator var vand. Den italienske kunstner Cennino Cennini (ca. 1370 - ca. 1440) beskrev freskoteknikken i detaljer i sin Afhandling om maleri (Trattato della Pittura, 1437). Arbejder i affresco-teknikken bruger kunstneren pap i størrelsen af maleriet og overfører i dele fra pappet til væggen præcis den del af billedet, der kan males, mens pudset stadig er vådt.

Mosaik - (fransk mosaik, italiensk mosaiko, fra latin musivum, lit. - dedikeret til muserne) - en type monumental maleri, samt en teknik med monumental dekoration, hvor billedet er skabt af små terninger (tesserae, fra latinske tesserae) af marmor, småsten, keramiske fliser, smalt (lyddæmpet glas) osv. på en glat, grundet overflade af gulvet, væggene eller loftet. Fragmenter af røde og sorte sømformede lerkegler opdaget under udgravninger i den sumeriske by el-Ubaid (Interfluve) indikerer, at teknikken til murmosaikker var kendt allerede i 3500 f.Kr. En lille plakette kaldet "Standard of War" (ca. 2600 f.Kr., fra byen Ur i Mesopotamien, nu i British Museum i London) dekoreret med et fladt relief lavet af lapis lazuli og lyserød sandsten, hører også til sumerisk kunst . Egypterne brugte glasmosaikker i smykker. Spor af mosaikker blev fundet i udgravninger af byer af den minoiske kultur på Kreta og den mykenske kultur på det græske fastlands territorium (ca. 2000-1400 f.Kr.). Også i forskellige dele af Grækenland finder man under udgravninger gulvmosaikker beklædt med sorte og hvide småsten; nogle af dem går tilbage til slutningen af det 5. århundrede. f.Kr. I de hellenistiske og romerske perioder blev gulvmosaikker, sammensat af flerfarvede marmorterninger på en lys baggrund, skabt i hele Middelhavet. I den tidlige kristne æra begyndte mosaikker at blive brugt til at dekorere ikke kun gulve, men også vægge og hvælvinger. I Nordafrika var både hedenske og kristne gravsten ofte dekoreret med mosaikker. I Byzans i det 5.-15. århundrede. Der blev skabt mange smukke vægmosaikker, hvis terninger var lavet af smalt, perlemor og andre ædle materialer. Baggrundene var lagt ud med guldsmalt, lavet af en gennemsigtig glasmasse smeltet sammen på en tynd guldplade. Mosaikteknikken bliver fortsat brugt i dag.

1. Stablet farvet glas. I den er stykker af farvet glas, skåret langs konturen, ifølge skitsen, forbundet på et sættebord. Det indsatte glasmosaikvindue omfatter farvet glas uden indgraveringer eller malerier. Dette er en ideel mulighed for et dyrt klassisk interiør.

2. Loddet farvet glas. I den er glasstykker, skåret langs designets konturer, indsat i en blyprofil, der er forseglet ved samlingerne. Farvet glas til sådant farvet glas er forberedt på en speciel måde: til dette formål påføres maling fra smelteligt glas og metaloxider på overfladen af hovedglasset og brændes derefter i specielle ovne.

3. Facetteret farvet glas. Dette er et farvet glasvindue lavet af skåret glas. For at gøre dette fjernes en affasning langs omkredsen af hvert glas - dette forbedrer glassets reflekterende og lysbrydende egenskaber. Facetteret eller facetteret glas er forbundet ved hjælp af et stift forstærket metal profil. Faceterede farvede glasvinduer er gode til dekorative vinduer, såvel som til skabslåger og andre møbler.

4. Malet farvet glas. Farvet glas, hvori alt (eller næsten alt) glas er malet, uanset om billedet er malet på massivt glas eller samlet til en ramme.

5. Silhouette farvet glas. Et farvet glasvindue, der er samlet af identiske runde glaselementer, gennemsigtige eller grønne. Ved hjælp af glasskiver udlægges formen af et farvet glasvindue, og mellemrummet mellem skiverne udfyldes med glas med konkave kanter. I slutningen af arbejdet er disse glas forbundet med en messing- eller blyramme.

6. Mønstret farvet glas. Den bruger klart glas eller glas i pastelfarver. Hovedmotiverne for sådanne farvede glas er geometriske mønstre eller et "frost på glasset" -mønster.

Monumental og dekorativ skulptur

Lad os nu stifte bekendtskab med monumental og dekorativ skulptur. Du kan møde hende bogstaveligt talt ved hvert trin. Det er tæt knyttet til arkitektur og mere generelt til miljøet generelt og omfatter alle former for skulpturel udsmykning af bygninger, både indvendigt og udvendigt: statuer på bybroer, grupper på bygningers facader, i nicher eller foran en portal, relieffer osv. Monumental og dekorativ skulptur løser store ideologiske og figurative problemer. Skulpturen udvikler og forklarer idéen og formålet med strukturen, samtidig med at den forstærker lyden af arkitektoniske former (nogle gange ved korrespondance, og nogle gange i kontrast).

I monumental-dekorativ skulptur såvel som i monumental skulptur, stor betydning har proportionalitet i skala og forhold mellem monumentets volumen og det rum, det er placeret i. I dette tilfælde skal billedhuggeren ikke kun huske på matematiske skalaer og korrekte forhold til arkitekturens proportioner, men også mulighederne for menneskets syn og perception. Have- og parkskulptur hører også til monumental og dekorativ skulptur: statuer, buster, springvand, dekorative vaser osv. Denne skulptur er tæt knyttet til parkens landskab og harmonerer godt med enten den grønne baggrund eller farverne på efterårets løv.

Dekorativ maling af interiør - fremragende designløsning. Dekorativt maleri er tæt knyttet til arkitektur og brugskunst. Takket være det kan du skabe den ønskede atmosfære og stemning, det vil sige give en vis følelsesmæssig farve.

Monumentalmaleri er et maleri placeret på vægge, lofter, hvælvinger. Monumentalt maleri kom til os i umindelige tider, så nutidens vægmaler har en enorm palet af motiver og billeder, fra klippemalerier til billedkompositioner fra den europæiske renæssance, hvor vægmalerier nåede det højeste niveau. Interiør med monumentale malerier er meget imponerende og gør et lyst, uforglemmeligt indtryk.